John Kenny

Hola, como el verano siempre ralentiza  el trabajo y voy un poco atrasada con las entradas del blog, hoy quiero dejaros testimonio de dos fotógrafos que practican el buen arte del retrato; algo muy querido por la comunidad fotográfica y que ha sido el tema de PhotoEspaña en la última edición.

Sin embargo, ninguno de los fotógrafos que voy a presentaros, en ésta y en la siguiente entrada,  ha estado presente en la muestra. De hecho no puede decirse que ninguno de los dos sea conocido en exceso y sin embargo ambos me han cautivado con su trabajo.

John Kenny es un joven que descubrió su pasión por la fotografía y por el continente africano casi al mismo tiempo. No tiene formación académica como fotógrafo pero es indudable que su instinto y las horas de trabajo que ha dedicado a aprender y practicar el oficio le han convertido en un buen profesional. Hay quienes critican el hecho de que sus retratos sean bastante monocordes, siempre de frente y siempre trabajados del mismo modo, sin embargo a mí me siguen pareciendo bellísimos.

Kenny no utiliza ningún tipo de iluminación supletoria, flashes y demás, únicamente la dura luz natural de los territorios en los que realiza sus trabajos, eso si lo hace de un modo muy especial, ya que usa como reflector la propia tierra seca de los áridos países africanos, es decir el sol y la tierra son los ingredientes claves necesarios para crear la iluminación que se ve en sus impresiones.

John Kenny ha viajado por lugares como Kenya, Namibia o Etiopía, captando la belleza de sus paisajes y sus habitantes. A veces lo ha hecho por encargo y otras por el propio placer personal de conocer otros pueblos y culturas. Los viajes no siempre resultan fáciles de realizar sobre todo si se tiene en cuenta que hay lugares a los que sólo se puede acceder a pie, teniendo como única compañía a un guía y cargado con el equipo fotográfico, que en su caso incluye una cámara de gran formato, lentes y placas, de considerable peso.

Cuando menos hay que reconocer que Kenny está realizando un gran estudio etnográfico de los países subsaharianos, si además lo hace de un modo tan bello mucho mejor para todos nosotros. 

http://www.john-kenny.com/

Cristina Francov

Cristina Francov, en ocasiones identificada bajo el pseudónimo de “Naagrom” nació en marzo de 1989 sobre el árido suelo de la ciudad de Aguascalientes, México. Académicamente se formó de manera limitada en el ámbito artístico; por lo que fomentada en una prematura y extraordinaria fascinación por los misterios que encerraban obras de distintas disciplinas artísticas, comenzó de manera más formal sus estudios y prácticas concernientes a la fotografía a la edad del 15 años, de forma totalmente autodidacta, teniendo previamente a esto una restringida base catedrática de pintura al óleo y dibujo que posteriormente incorporó a su método básico de manipulación digital a manera de técnica.

Su interés por el arte, la gráfica antigua, la inspiración infundada por diversas vanguardias y la semiótica en su sentido más general la guiaron poco a poco hacia la Licenciatura de Diseño Gráfico.  Siendo una creadora sumamente joven, su trabajo se ha desplazado en el medio rápidamente encapotada por una cruda madurez filosófica, simbólica y visual, la cual que no es muy común entre el argot artístico del país; resaltando la maquinaria compleja del pensamiento onírico y alegórico llevado al plano real por medio de autorretratos intimistas, perfilando su propio cuerpo como una maqueta dispuesta a la transfiguración formal y anímica en la mayor parte de sus obras. Este trabajo está cuidadosamente construido de fuertes pilares tanto humanísticos, carnales y coloquiales como fantásticos, mitológicos y ocultistas; recalcando el manejo de la estética recurrentemente a favor de lo grotesco y lo aparentemente ridículo, con la única finalidad de acercar al espectador a la forma más estridente de ver las cosas fuera del sentido tradicional desde la vena conceptual.

Actualmente su trabajo ha sido reconocido a nivel nacional como internacional, mucho por su aportación hacia la manipulación digital en México como una nueva perspectiva de representación, irrumpiendo violentamente con tradicionalismos del milieu artístico sobre la validez y el alma de la concepción de una obra.

La obra de esta autora es intimista comenzando por el hecho de que sus series se basan  en qutorretratos y representan un estado de transición elemental en la personalidad y vida del artista.

El desarrollo está fundamentado en la confrontación del ser y el reconocimiento de las virtudes y enfermedades que corren dentro de las venas de un individuo, adoptando cada aspecto como un mundo diferente, con sus personajes antagónicos y protagónicos, todos construidos en una cosmogonía donde las cabezas viven lejos de los cuellos y las arterias del corazón; el movimiento se queda grabado en el aire y la conciencia se despierta con los instintos de ver más allá de lo corpóreo.

Plasmado de manera fantasiosa y desapegado irrevocablemente de la gravedad del espacio y tiempo real, esta serie indaga en los aspectos más impalpables de un ente vivo y existente de una manera exorbitantemente misteriosa, enigmática y flotante.

La técnica en esencia es fotografía; es ese momento real que encapota una situación que por el hecho de que no se ve, parece irreal. La fotografía es mágica porque encierra el momento real en chispazos repentinos o prolongados, dejándonos ver cada segundo como un espacio perpetuo. Aquí, detrás de lo real y de la ya por de sí basta interpretación que se pueda dar, nos damos color de las esferas que chocan más allá, en el alma propia de la obra donde la luz juega bajo otras reglas.

Cada pieza es considerada y captada fotográficamente con la finalidad de formar parte de un todo; un todo que no le quita nada a sus partes.

La biografía de esta joven artista emergente se ha obtenido de la página de "Fotoespacio", a quienes muestro mi agradecimiento. De momento no se conoce página propia del la autora.

Adrián Markis

Adrián Markis fotógrafo argentino, nacido en  Buenos Aires en 1979, estudió Bellas Artes e inmediatamente empezó a interesarse por la fotografía, lo que le llevó a asistir a varias escuelas para especializarse, incluida la Escuela Creativa de Andy Goldstein, uno de los fotógrafos más reputados de su país y miembro fundador del Consejo Latinoamericano de Fotografía.

Tras trabajar como asistente de otros fotógrafos durante unos años, en el 2003 decide establecerse como freelance y comienza su carrera en solitario especializándose en publicidad y fotografía editorial. Un año más tarde abre su propio estudio. También realiza labor docente, dando clases tanto en Buenos Aires como en Montevideo y colabora como voluntario con la Fundación Pelota de Trapo y UNICEF.

En su obra personal, de marcada tendencia dramática e inconformista, destacan especialmente dos trabajos: Calle Florida, realizada en la emblemática y famosa calle bonaerense, donde el autor retrata a los personajes que pueblan sus aceras; seres marginados, de manera voluntaria  u obligada, y que cada día se ganan la vida como pueden en las calles. Adrián hace especial hincapié en los niños obligados a trabajar, carentes de educación y salud y sin grandes posibilidades de futuro.

El otro trabajo de Adrián Markis, quizás el más conocido, es Vivan los Muertos, en el que con fina ironía y un gran sentido del humor, el autor traslada una serie de escenas de la vida cotidiana a la ultratumba plasmando así las sensaciones de la vida a través de la muerte. A pesar de que las fotografías, realizadas en auténticos cementerios, son obscuras y sombrías poseen una gran dosis de belleza y serenidad y ayudan a desdramatizar la muerte, o tal vez por el contrario añaden un toque dramático a la vida. La duración del proyecto fue de tres años y aunque los esqueletos se fotografiaron aparte en el interior de un estudio, Adrián tuvo especial cuidado en que tanto la luz como las proporciones fueran las adecuadas al ambiente de los cementerios. 

http://www.adrianmarkis.com.ar/inicio.html

Stop clausulas abusivas a los fotografos | Stop abusive clauses for photographers

This is regarding an important matter for all photographers. This group in Facebook is in spanish, but it is interesting to share with other photographers around the word and to know if in other countries happens the same.
This group in Facebook has now 1415 members (and growing). It's main concern is to start getting together to stop abusive clauses in so many scenarios such us photo contests, touristic and historical places, certain buildings and editorial concerns.
This is a problem not only for professional photographers but for anyone that enjoy street photography and is stopped when trying to photograph with a DSRL o Rangefinder camera at many places.

Ésto nos interesa a todos, uneté y divulgalo entre tus compañeros fotógrafos.

https://www.facebook.com/groups/bastadeabusosconnuestrasfotos

Richard Kalvar

Richard Kalvar es, quizás, uno de los fotógrafos de Magnum menos conocido por el gran público. Nacido en Nueva York en 1944 vive y trabaja en París y lleva décadas captando imágenes cotidianas por Europa, Estados Unidos y Japón.

Tras estudiar literatura inglesa  en la Universidad de Cornell y para ganarse la vida comenzó a trabajar como ayudante del fotógrafo de moda Jérôme Ducrot, en Nueva York. En aquel momento Kalvar desconocía por completo todo lo relacionado con la fotografía y ni siquiera sentía una especial pasión por ella. Sin embargo cuando Ducrot le muestra las obras de Cartier-Bresson y de Robert Frank se muestra inmediatamente cautivado. En 1966 se dedica a recorrer Europa en compañía de una cámara Pentax y empieza a trabajar como profesional. Después de dos años en Nueva York decide instalarse en París y se incorpora a la Agencia Vu. En el año 1972 participa en la creación de la Agencia Viva y en 1975 entra a formar parte de Magnum Photos, en la cual ha ocupado los cargos de vicepresidente y presidente.

Kalvar escoge habitualmente para sus trabajos proyectos de larga duración, temas que estimulan su mirada de depredador, aunque él siempre ha afirmado que no tiene proyectos concretos sino que su proyecto consiste en salir a la calle y reaccionar ante lo que ve. Para él una fotografía es una reacción personal a la realidad.

Las imágenes de Richard Kalvar bajo su apariencia simple y serena, incluso algo banal, tienen algo en común: un elemento desequilibrante que nos perturba, nos fascina y nos invitas a reconocer una revelación inesperada, con pequeños detalles irónicos de la realidad que el autor restituye como pequeñas pinceladas de una sutil sabiduría.

Según la teoría de Roland Barthes que decía que cada fotografía digna de ese nombre posee un punto preciso que atrae nuestra atención y que él denominaba “punctum”,

no cabe ninguna duda de que las imágenes de Kalvar poseen ese misterioso punto de convergencia que se libera de la banalidad para mostrar la mirada del fotógrafo y su capacidad instintiva para inmortalizar un pequeño rectángulo de papel en una imagen digna de ser conservada.

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&l1=0&pid=2K7O3R135GR6&nm=Richard%20Kalvar

Bogdan Zwir

Acababa yo de descubrir a este fantástico artista cuando por casualidades de la vida se publica el último número de una de mis revistas de fotografía favoritas, “Arte Fotográfico”, y me encuentro con que en su especial sobre fotografía creativa se incluye la obra del mismo. Así que tras unos pequeños apuntes biográficos, voy a reproduciros su artículo, que por algo son especialistas en la materia.

Bogdan Zwir es un fotógrafo ruso que reside en San Petesburgo. Se declara autodidacta en sus inicios y confiesa que llego a la fotografía por medio de su amor a la pintura  y de un familiar que le regaló una cámara . Sus trabajos, basados en una idea personal que se debate entre los temas clásicos y surrealistas, se muestran llenos de luz y parecen estar a medio camino entre la pintura y la fotografía.

A continuación reproduzco el artículo de Arte Digital :

“Los valores iconoclastas que se encuentran en la obra de Bogdan Zwir son transferidos a la propia representación que realiza de sus retratos donde los modelos protagonizan papeles asignados sin dejar de ser cómplices con el fotógrafo al transmitir los valores asignados a priori. Es toda una idealización que va más allá de la propia fotografía conceptual ya que todo un montaje creativo da como resultado un trabajo rico en matices y sorprendente en el mensaje que el califica de lo absurdo, aunque sea precisamente lo absurdo lo que le confiere ese aspecto tan particular que le dota de gran creatividad.

El atrezzo adquiere en toda la obra de Bogdan una relevancia significativa pero es necesario contemplar todo el conjunto de la pieza para analizar desde la depurada iluminación a la aptitud de los modelos que aunque muestran la autoría del artista, no se repiten en ninguna ocasión, siendo cada uno de ellos diferente pero a su vez hermanado por la fuerte personalidad que el autor posee.”

A aquellos que estéis interesados en la fotografía creativa os recomiendo que echéis un vistazo a este número de la revista, estoy segura de que os encantará pues la selección de autores que han hecho es variada y muy sugerente.

 

http://www.zwir.ru/#

Alban Lècuyer

 Alban Lècuyer es el más reciente descubrimiento del Festival de Jóvenes Talentos del SFR. Al ganar el concurso Circulation(s) y ser nominado para el Gran Premio el pasado mes de junio,  ha pasado de un relativo anonimato a verse fuertemente expuesto a los medios de comunicación.  Su obra expuesta en el prestigioso Salón de Baile ha marcado al público, por su  enfoque y también debido al poder de sus palabras.

Lècuyer estudió fotografía en la  Escuela Superior de Periodismo de Lille, durante los últimos años de vigencia de la argéntica en el fotorreportaje. Enseguida comenzó a trabajar primero para la prensa local y más tarde para la nacional, conjugando su trabajo de fotógrafo con el de redactor. Paralelamente realizó varios reportajes sobre los fenómenos de exclusión social y prácticas adictivas, para revistas independientes ya desaparecidas. Como periodista se siente comprometido con el papel, con la idea del objeto que se puede conservar en una estantería. Sin embargo hoy en día, utiliza diversos formatos para sus trabajos de encargo, incluidos los pases de diapositivas que acompañan su exposición “Historia de los Extranjeros en Nantes en el siglo XX”. Muestra que se podrá visitar en el Château  de los Duques de Bretaña hasta el mes de noviembre y que relata la historia de los trabajos efectuados por  las mujeres inmigrantes en dicha ciudad.

Aunque dice sentir un gran afecto por aquellos fotógrafos que le hicieron descubrir la fotografía en las tiendas de Les Halles, tales como Berenice Abbot o Andreas Feininger, siente que su verdadera vocación surgió al conocer el trabajo de autores conceptuales como Wolfgang Tillmans y Andreas Gursky; quienes le han permitido descubrir un tipo de fotografía mucho más metafórica, donde el discurso no aparece necesariamente en los límites del cuadro de la imagen. También se siente influenciado por Duane Michals y el fuerte vínculo que éste establece entre la escritura y la imagen de la fotografía. “De hecho, comenta el autor, me resulta difícil pensar en una fotografía libre de la escritura, de cualquier sentido de la narrativa.” 

Lo cierto es que el galardón obtenido en este certamen le está abriendo muchas puertas, de hecho gracias a esta exposición, los organizadores de las Jornadas Fotográficas de Bienne, en Suiza, han reparado en su trabajo y le han invitado a participar en el festival que se celebrará en el mes de Septiembre. 

Downtown Corrida, su actual trabajo, es parte de un sujeto global más amplio consagrado al lugar que ocupa el individuo en la transformación del medio ambiente urbano y al estudio de la representación de dicho entorno. La serie se está realizando en los barrios en rehabilitación con la participación de los habitantes de los mismos.

http://albanlecuyer.weebly.com/projets.html