EL MUSEO ICO Y PHOTOESPAÑA PRESENTAN LOS MISMOS LUGARES, DE JORGE YEREGUI

 

Comisariada por Juan Guardiola, la exposición ‘Los mismos lugares’,  propone una inmersión en la práctica artística de Jorge Yeregui, cuyo eje central es la transformación del entorno en sus dimensiones social, cultural y política. Su trabajo se aleja de la fotografía contemplativa para adentrarse en el ámbito del ensayo visual, utilizando la imagen como una rigurosa herramienta de análisis para explorar cómo los lugares son protegidos, intervenidos o resignificados por las dinámicas de las sociedades contemporáneas.

La exposición reúne una selección de proyectos estructurados en torno a cuatro grandes cuerpos de trabajo. A través de formatos híbridos que van desde la fotografía analítica y el vídeo hasta la instalación espacial, Yeregui propone al visitante rastrear el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

Como es habitual en la programación del Museo ICO, la exposición, que estará disponible hasta el 6 de septiembre,  busca establecer un puente directo con las disciplinas de la arquitectura y el urbanismo, analizando desde la mirada de Yeregui las problemáticas actuales sobre cómo las sociedades modernas habitan y transforman su entorno habitacional y geográfico.

Los mismos lugares parte de una pregunta que Yeregui lleva años formulando desde su doble condición de artista y arquitecto: ¿Qué queda de un lugar cuando las fuerzas que lo transforman han terminado su trabajo? La exposición responde con imágenes, pero también con datos, archivos y una reflexión espacial que involucra al visitante en el proceso de lectura del territorio.

LA FUNDACIÓN MAPFRE EXPONE GROUND RULES, DE ALEJANDRO CARTAGENA

Si hace un par de días hablábamos de la exposición de Richard Avedon en la Fundación Mapfre, hoy le toca el turno a la otra gran exposición que se acaba de inaugurar en la sala de Recoletos de Madrid. Se trata de Ground Rules, una muestra que recorre toda la obra de Alejandro Cartagena, artista nacido en Santo Domingo pero que con 13 años se trasladó a Monterrey, México para reunirse con su madre, lugar donde ha vivido y trabajado desde entonces. 

Al observar el trabajo de Cartagena lo primero que llama la atención es la diversidad de su obra. A lo largo de los últimos 20 años el artista ha ido adaptando su trabajo a los tiempos y las tecnologías vigentes en cada momento, utilizando técnicas como el collage, la apropiación de fotografías encontradas, los NTF, el vídeo generado por IA, o la composición de fotolibros,  Además por supuesto de sus propias fotografías.

Lo que no ha variado en todos estos años es el modo en que realiza su trabajo, siempre en forma de series en las que la acumulación, la repetición y la variación son más importantes que la imagen individual, la cual no duda en sacrificar a favor del todo. Tampoco ha variado su interés por el paisaje y el territorio , y el uso que el Estado y los ciudadanos hacen de él. Al igual que Avedon, en el trabajo de Cartagena podemos ver retratados a los individuos que habitan y trabajan en el área que el fotógrafo explora de continuo en sus diversas series, pero a diferencia de él, Alejandro Cartagena se interesa más por el colectivo al que esas personas pertenecen que por el individuo en sí. 

A lo largo de su trayectoria, Alejandro Cartagena se ha planteado la imagen como

medio para la comprensión de las distintas dinámicas y contradicciones que generan las sociedades capitalistas . En este sentido, sus fotografías desvelan cuestiones clave como las desigualdades laborales, las dificultades económicas o los problemas medioambientales. Sin embargo, en un momento de su trayectoria, el artista comenzó a preguntarse por la validez de la imagen documental. ¿Hasta qué punto documentar la realidad podría ayudar a comprender los hechos y los momentos históricos que estamos viviendo? Con sus obras el artista nos insta a preguntarnos por las normas que nos gobiernan e imaginar cómo podrían trazarse de nuevo.

Es quizás en su Trilogía Invisible, realizada entre los años 2009 y 2017,  donde más podemos apreciar su interés por la forma de vida de los ciudadanos y sus territorios. Realizada en la frontera entre Estados Unidos y México, Alejandro Cartagena examina la frontera entre estos dos estados, desde una perspectiva tanto física como simbólica. En vez de perpetuar los discursos habituales sobre la migración, sus fotografías cuestionan quién cruza, quién permanece en cada lado y qué divide realmente la frontera. 

En Between Borders (2009 -2010), la primera de las series que componen el proyecto, Cartagena retrata a los habitantes de División del Norte, una comunidad mexicana junto al río Bravo, poniendo de relieve cómo, pese a sus dificultades económicas y la cercanía de las rutas de cruce , construyen sus vidas con dignidad y cuestionan do la idea del «sueño americano » como aspiración universal. Por su parte, la segunda serie, Los Americanos (2012-2014), se centra en retratar a estadounidenses que eligen vivir en México, explorando temas como el privilegio y la identidad. Finalmente, Without Walls (2017) aborda las infraestructuras fronterizas y muestra historias de separación y encuentro, como la de una madre y su hija comunicándose a través de una valla ; la frontera se presenta, así, como un espacio de restricción, pero también de resiliencia y conexión humana.

Alejandro Cartagena © Conchita Meléndez

Alejandro Cartagena también aborda en sus trabajos el problema de la vivienda, la masificación, el transporte o la crisis climática. En total esta exposición que podrá visitarse desde el 6 de junio hasta el 30 de agosto, incluye más de 20 series fotográficas con ejemplos de todas ellas reunidas en un magnífico catálogo editado por la Fundación Mapfre. 

LA FUNDACIÓN MAPFRE EXHIBE EN SUS PAREDES EL TOTAL DE LAS FOTOGRAFÍAS CONTENIDAS EN EL LIBRO IN THE AMERICAN WEST , 1979-1984

 

James Martin, Director Ejecutivo de la Fundación Richard Avedon en la ciudad de Nueva York y Clément Chéroux , Director de la Fondation Henri Cartier -Bresson, en colaboración con la Fundación Mapfre inauguran la exposición de uno de los trabajos más icónicos de Richard Avedon, aclamada como la obra maestra del fotógrafo americano.

76 Petra Alvarado, factory worker, on her birthday, El Paso, Texas, April 22, 1982

101 Boyd Fortin, thirteen year old rattlesnake skinner, Sweetwater, Texas, March 10, 1979

Este proyecto surgió a partir de un encargo propuesto en 1979 por el Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth, Texas, tras ver una fotografía que Avedon había publicado en el diario Newsweek. Se trataba de un retrato de  Wilbur Powell, capataz del rancho que el fotógrafo poseía en  Ennis, Montana, La imagen de aquel «hombre normal excepcional» en palabras del propio autor significaba la identidad nacional  y no pasó desapercibida para el director del museo. La institución pensó que el fotógrafo les entregaría unas 30 imágenes, pero el entusiasmo de Avedon fue tal que acabó realizando muchísimas más y culminó con la publicación de un libro y la organización de una exposición en el museo en 1985. En esta ocasión Fundación Mapfre exhibe las ciento diez copias de referencia , que el propio autor seleccionó y trabajó con su equipo, tanto para la elaboración de las copias de aquella exposición , como para publicación que la acompañaba.

Ronald Fischer, beekeeper, Davis, California, May 9, 1981

La serie In the American West surgió en un momento decisivo de la carrera de Richard Avedon, tras décadas dedicado a la fotografía de moda y al retrato de figuras públicas. En el momento de su realización ya había expuesto en el MoMA y en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York , además de ser el fotógrafo oficial de las portadas de Vogue .

El proyecto que respondía al interés del artista por abordar, desde el retrato, una reflexión crítica sobre la sociedad estadounidense, para lo que se centró en la clase trabajadora del oeste de Estados Unidos, no tuvo muy buena acogida en un principio. Las personas que aparecen en el libro no respondían a la imagen que los americanos querían dar de sí mismos. Las miradas torvas, probablemente sugeridas por el autor, el gesto serio, en ocasiones huraño, no contribuían a crear una imagen relajada y feliz que hubiera sido más del gusto de la sociedad estadounidense. 

Avedon se centró para realizar su estudio en aparcamientos de camiones, rodeos o ferias, pues exceptuando las zonas urbanas, el Oeste tiene una baja densidad de población. Los retratos se hacían siempre del mismo modo: la persona colocada delante de una lámina de papel blanco y sin luz directa, medio cuerpo o como mucho plano americano. Avedon solía situarse detrás de la cámara, aunque en ocasiones prefería colocarse a un lado de ella; en estos casos, la toma se realizaba sin que el fotógrafo pudiera observar directamente lo que capturaba, permitiéndole así imaginar la fotografía.

Entre las más de mil personas retratadas, el artista escogió ciento veinticuatro fotografías para la exposición, que también se publicaron en el libro, que son las que se pueden ver ahora en la Fundación Mapfre, junto a algunas de las polaroids que se utilizaban para una primera aproximación a los retratados. 

James Martin, Director Ejecutivo de la Fundación Richard Avedon en la ciudad de Nueva York © Conchita Meléndez

Tras la muerte del fotógrafo en 2004 se creó la Fundación Richard Avedon en la ciudad de Nueva York, que conserva aproximadamente 500.000 negativos, copias y revistas antiguas. Bajo el liderazgo de Martin, la fundación actúa como la depositaria definitiva de la obra del fotógrafo.

LAS PIEDRAS DEL CIELO, DE ISABEL MUÑOZ UNEN LAS GALERÍAS REALES CON EL MONASTERIO DEL ESCORIAL

 

Isabel Muñoz ha estado trabajando durante el último año en el proyecto que se ha inaugurado hoy en Las Galerías Reales dentro del programa de la 29 edición del Festiva PHotoESPAÑA. El encargo realizado por Patrimonio Nacional cierra la trilogía de Cuadernos de Campo, que dirige la mirada a los espacios naturales de los Reales Sitios del Patrimonio Nacional y que se realiza en colaboración con ACCIONA y PHotoESPAÑA. Este proyecto que ha tenido una duración de tres años lo inició Javier Vallhonrat en la Granja de San Ildefonso, le siguió  Bleda y Rosa con los jardines del Monasterio de Yuste y lo finaliza Isabel Muñoz con Las piedras del cielo, resultado de una apasionada y rigurosa investigación de la artista, Premio Nacional de Fotografía 2016, sobre el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, sus jardines de La Herrería y la figura de Felipe II.

Las piedras del cielo es también un homenaje a Felipe II, del que en el 2027  se cumplirán 500 años de su nacimiento. El monarca junto a una serie de personajes fascinantes como son el Padre Sigüenza, Juanelo, Arias Montano, que nace y muere en las mismas fechas que el rey, Juan Bautista de Toledo, que escribió la primera Biblia traducida íntegramente a cuatro idiomas, Juan de Herrera y Antonio de Villacastín, que entre todos consiguieron que ese edificio fuera un centro del saber y un centro de investigación, con una arquitectura destinada a inscribirse en un orden simbólico mayor, conectada con el Templo de Jerusalén y con la idea de la armonía cósmica. 

El arduo trabajo de investigación que ha realizado Isabel Muñoz se ve reflejado en cada una de las imágenes que se pueden ver en cada planta de bajada de la rampa del edificio, y también en los cubos que se han colocado diseminados por el Campo del Moro. En todas ellas podemos ver elementos diversos del Real Sitio del Escorial, sobre los que se han volcado textos de la Biblioteca dando un doble sentido a lo que estamos viendo. Elementos cabalísticos y basados en la geometría, así como  el Trivium y el Quadrivium que eran los dos ciclos educativos fundamentales en la Edad Media, conocidos colectivamente como las Siete Artes Liberales, también están presentes en las representaciones. 

Isabel ha comentado lo mucho que ha disfrutado realizando este trabajo a pesar de que ella nunca antes había estado interesada en El Escorial y tampoco en la figura de Felipe II. Sin duda a quienes visiten la exposición, que estará abierta al público hasta el 6 de septiembre, les sorprenderá el nuevo trabajo de la artista y fotógrafa, claramente diferenciado de sus obras anteriores pero con el toque y la calidad a las que nos tiene acostumbrados. 

Fotografías de prensa © Conchita Meléndez

VIVIANE SASSEN RECIBE EL PREMIO PHotoESPAÑA 2026 DURANTE LA PRESENTACIÓN DE SU EXPOSICIÓN LUX & UMBRA

 

Viviane Sassen. Eudocimus Ruber, 2017 (c) Viviane Sassen

El Teatro Fernán Gómez ha presentado esta mañana dentro del Festival PHotoESPAÑA 2026 la primera muestra individual de la fotógrafa neerlandesa Viviane Sassen en España. En esta edición que se presenta bajo el lema Volver a Imaginar, se ha escogido como país invitado a los Países Bajos, y que mejor representante que una renombrada  fotógrafa que trabaja en el mundo de la moda y de las bellas artes y que ha recibido numerosos galardones entre los que se encuentran el premio de arte neerlandés Prix de Rome en 2007, el premio Infinity del International Center of Photography de Nueva York en la categoría de fotografía aplicada de moda y publicitaria  en 2011. En 2015, la Academia Alemana de Fotografía le otorgó la Medalla David Octavius Hill y fue nominada al premio de fotografía Deutsche Börse por su exposición Umbra. Ahora suma un galardón más al haber recibido el premio PHotoESPAÑA 2026.

Viviane Sassen es conocida por su particular uso de formas geométricas, a menudo abstracciones corporales. Los cuerpos fotografiados aparecen entrelazados en muchas de sus imágenes, inspirándose en el contacto físico diario con desconocidos que ella misma experimentó en África. Consciente de las imágenes estereotipadas de hambruna y pobreza que en muchas ocasiones se divulgan sobre África, suele incluir otros elementos contemporáneos en sus imágenes sobre este continente como teléfonos móviles y coches.

Viviane Sassen  vivió parte de su infancia en África, concretamente en Kenia,  y a su regreso a Europa le costó volver a ubicarse lo que le dejó una sensación de no pertenencia a ningún lugar. Hubo otros episodios en su vida que también la marcaron como fue el suicidio de su padre cuando ella acababa de cumplir 22 años. Probablemente ambas cosas han influido en su trabajo en el que luces y sombras se solapan y se buscan, al igual que los cuerpos retorcidos que se muestran en sus imágenes. 

Después de estudiar moda y trabajar como modelo Viviane Sassen comenzó a interesarse por la fotografía en 1992. Hacía el año 2000 su trabajo empezó a publicarse en distintas revistas. 

En su forma de trabajar podemos observar una mezcla de fotografía documental, con collage, superponiendo múltiples imágenes, recortes, texturas o fragmentos fotográficos para crear una sola composición unificada, en lo que termina siendo una nueva obra más próxima a un elemento artístico que a una pura fotografía. Los colores son también muy importantes en las obras de Sassen, y contribuyen a destacar elementos de sus composiciones  hasta construir imágenes surrealistas en las que luces y sombras se entremezclan con cuerpos y aristas de figuras geométricas que forman parte de un todo y cuya ambigüedad produce una cierta inquietud en quien las contempla. 

LUX & UMBRA,  podrá verse del 3 de junio al 26 de julio en la sala de exposiciones del Teatro Fernán Gómez. 

Fotos de Sala © Conchita Meléndez