MINOR WHITE, EL FOTÓGRAFO QUE DEFINIÓ LA FOTOGRAFÍA COMO UN ESPEJISMO

 

La Fundación Mapfre acaba de inaugurar las tres exposiciones que forman su programa de otoño en la sede de Recoletos en Madrid. Vamos a empezar por la de fotografía, porque a pesar de ser un importante fotógrafo, su autor no es excesivamente conocido en Europa y merece mucho la pena ver su  trabajo. 

Minor White (Minneapolis, 1908 – Boston, EE.UU., 1976), es una de las figuras más complejas e influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX. Junto a una importantísima producción fotográfica, el legado de White se extiende de forma muy significativa a otros ámbitos de la fotografía: el académico, el museístico y el editorial. Fundador y editor de la revista Aperture y profesor en algunos de los centros de enseñanza más relevantes de la escena norteamericana. Entre 1956 y 1964 estuvo enseñando en el Rochester Institute of Technology y más tarde enseñó fotografía en el Instituto Tecnológico de Massachusetts hasta sus últimos días.

Vicinity of East Avenue and Union Street, Rochester, 1958. © Minor White

Barn and Clouds (Vicinity of Naples and Dansville, New York), 1955 © Minor White

72 N. Union Street, Rochester, from Sequence 16 / Steely the Barb of Infinity, 1970 © Minor White

Cape Ann, Massachusetts, from Sequence 1968 © Minor White

Influenciado en un principio por la obra de Alfred Stieglitz y Edward Weston, derivó hacia un formalismo trascendental que a la cuidada descripción del mundo añade una tensión entre el objeto y la imagen que crea. White lleva la abstracción fotográfica a sus límites, manteniendo el rigor de lo real, sirviéndose de la secuencia como vehículo para presentar su obra y para transmitir su experiencia personal y su permanente propósito de tratar de ver más allá de la superficie, de lo intelectual o lo pictórico en la fotografía.

Tom Murphy, San Francisco, 7 de septiembre de 1948 © Minor White

Mark Adams, from Fifth Sequence / Portrait of Young Man as Actor, 1950 © Minor White

McAllister Street, San Francisco, 1950 © Minor White

Su obra transmite tanto belleza como una vida emocionalmente truncada por el no reconocimiento de su homosexualidad, cuyo drama se trasluce en la mayor parte de su obra. White luchará toda su vida por dar coherencia a su fotografía como creación artística y herramienta de autodescubrimiento y expresión.

La obra que se expone en la Fundación Mapfre, comisariada por Carlos Gollonet,  Conservador jefe de fotografía de la Fundación, es la primera gran retrospectiva centrada en el autor en Europa y  dedica una especial atención a sus secuencias fotográficas generalmente presentadas en formato de porfolio. Formato esencial en la obra del autor, que él mismo definió como un “cine de imágenes fijas”. La mayor parte de las fotografías proceden principalmente del Princeton University Art Museum y están incluidas en el catálogo que acompaña la exposición. 

Carlos Gollonet © Conchita Meléndez

Catálogo de exposición

Fotografías de sala © Conchita Meléndez

EL MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA DEDICA UNA GRAN EXPOSICIÓN A CARMEN LAFFÓN

 El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una gran exposición de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021), segunda mujer en ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid como académica de número. La muestra que lleva por título ‘Variaciones’, gira en torno al personalísimo mundo figurativo de la artista, y presenta las ideas o motivos centrales de sus composiciones, que se repiten como variaciones y series a lo largo de sus más de sesenta años de carrera. La exposición está comisariada por Paula Luengo y podrá visitarse del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.

Carmen Laffón fue una de las pintoras y escultoras figurativas más destacadas de España en la segunda mitad del siglo XX. Nacida en Sevilla, fue una figura esencial del realismo contemporáneo, reconocida por sus paisajes andaluces, la luz de Sanlúcar de Barrameda y sus íntimos bodegones. Su pintura es profundamente introspectiva y sutil, centrada en objetos cotidianos, el entorno del Coto de Doñana, el río Guadalquivir y la naturaleza.

Esta muestra monográfica, la primera gran exposición que se le dedica a la artista desde su fallecimiento, a finales de 2021, se centra en la naturaleza muerta y en el paisaje, los dos géneros fundamentales de su extensa obra, realizada entre 1956 y 2021.

La exposición incluye 77 obras, entre óleos, carboncillos y esculturas, que se organizan en nueve secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes –la muñeca Marcelina, la cuna, los cestos, los armarios, el Coto de Doñana, las viñas, la cal y las salinas–, ofreciendo un diálogo entre piezas tempranas y más tardías.

EL MUSEO ICO Y PHOTOESPAÑA PRESENTAN LOS MISMOS LUGARES, DE JORGE YEREGUI

 

Comisariada por Juan Guardiola, la exposición ‘Los mismos lugares’,  propone una inmersión en la práctica artística de Jorge Yeregui, cuyo eje central es la transformación del entorno en sus dimensiones social, cultural y política. Su trabajo se aleja de la fotografía contemplativa para adentrarse en el ámbito del ensayo visual, utilizando la imagen como una rigurosa herramienta de análisis para explorar cómo los lugares son protegidos, intervenidos o resignificados por las dinámicas de las sociedades contemporáneas.

La exposición reúne una selección de proyectos estructurados en torno a cuatro grandes cuerpos de trabajo. A través de formatos híbridos que van desde la fotografía analítica y el vídeo hasta la instalación espacial, Yeregui propone al visitante rastrear el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

Como es habitual en la programación del Museo ICO, la exposición, que estará disponible hasta el 6 de septiembre,  busca establecer un puente directo con las disciplinas de la arquitectura y el urbanismo, analizando desde la mirada de Yeregui las problemáticas actuales sobre cómo las sociedades modernas habitan y transforman su entorno habitacional y geográfico.

Los mismos lugares parte de una pregunta que Yeregui lleva años formulando desde su doble condición de artista y arquitecto: ¿Qué queda de un lugar cuando las fuerzas que lo transforman han terminado su trabajo? La exposición responde con imágenes, pero también con datos, archivos y una reflexión espacial que involucra al visitante en el proceso de lectura del territorio.

LA FUNDACIÓN MAPFRE EXPONE GROUND RULES, DE ALEJANDRO CARTAGENA

Si hace un par de días hablábamos de la exposición de Richard Avedon en la Fundación Mapfre, hoy le toca el turno a la otra gran exposición que se acaba de inaugurar en la sala de Recoletos de Madrid. Se trata de Ground Rules, una muestra que recorre toda la obra de Alejandro Cartagena, artista nacido en Santo Domingo pero que con 13 años se trasladó a Monterrey, México para reunirse con su madre, lugar donde ha vivido y trabajado desde entonces. 

Al observar el trabajo de Cartagena lo primero que llama la atención es la diversidad de su obra. A lo largo de los últimos 20 años el artista ha ido adaptando su trabajo a los tiempos y las tecnologías vigentes en cada momento, utilizando técnicas como el collage, la apropiación de fotografías encontradas, los NTF, el vídeo generado por IA, o la composición de fotolibros,  Además por supuesto de sus propias fotografías.

Lo que no ha variado en todos estos años es el modo en que realiza su trabajo, siempre en forma de series en las que la acumulación, la repetición y la variación son más importantes que la imagen individual, la cual no duda en sacrificar a favor del todo. Tampoco ha variado su interés por el paisaje y el territorio , y el uso que el Estado y los ciudadanos hacen de él. Al igual que Avedon, en el trabajo de Cartagena podemos ver retratados a los individuos que habitan y trabajan en el área que el fotógrafo explora de continuo en sus diversas series, pero a diferencia de él, Alejandro Cartagena se interesa más por el colectivo al que esas personas pertenecen que por el individuo en sí. 

A lo largo de su trayectoria, Alejandro Cartagena se ha planteado la imagen como

medio para la comprensión de las distintas dinámicas y contradicciones que generan las sociedades capitalistas . En este sentido, sus fotografías desvelan cuestiones clave como las desigualdades laborales, las dificultades económicas o los problemas medioambientales. Sin embargo, en un momento de su trayectoria, el artista comenzó a preguntarse por la validez de la imagen documental. ¿Hasta qué punto documentar la realidad podría ayudar a comprender los hechos y los momentos históricos que estamos viviendo? Con sus obras el artista nos insta a preguntarnos por las normas que nos gobiernan e imaginar cómo podrían trazarse de nuevo.

Es quizás en su Trilogía Invisible, realizada entre los años 2009 y 2017,  donde más podemos apreciar su interés por la forma de vida de los ciudadanos y sus territorios. Realizada en la frontera entre Estados Unidos y México, Alejandro Cartagena examina la frontera entre estos dos estados, desde una perspectiva tanto física como simbólica. En vez de perpetuar los discursos habituales sobre la migración, sus fotografías cuestionan quién cruza, quién permanece en cada lado y qué divide realmente la frontera. 

En Between Borders (2009 -2010), la primera de las series que componen el proyecto, Cartagena retrata a los habitantes de División del Norte, una comunidad mexicana junto al río Bravo, poniendo de relieve cómo, pese a sus dificultades económicas y la cercanía de las rutas de cruce , construyen sus vidas con dignidad y cuestionan do la idea del «sueño americano » como aspiración universal. Por su parte, la segunda serie, Los Americanos (2012-2014), se centra en retratar a estadounidenses que eligen vivir en México, explorando temas como el privilegio y la identidad. Finalmente, Without Walls (2017) aborda las infraestructuras fronterizas y muestra historias de separación y encuentro, como la de una madre y su hija comunicándose a través de una valla ; la frontera se presenta, así, como un espacio de restricción, pero también de resiliencia y conexión humana.

Alejandro Cartagena © Conchita Meléndez

Alejandro Cartagena también aborda en sus trabajos el problema de la vivienda, la masificación, el transporte o la crisis climática. En total esta exposición que podrá visitarse desde el 6 de junio hasta el 30 de agosto, incluye más de 20 series fotográficas con ejemplos de todas ellas reunidas en un magnífico catálogo editado por la Fundación Mapfre.