PHOTOESPAÑA 2024: CELEBRANDO LA DIVERSIDAD Y EL MOVIMIENTO EN LA FOTOGRAFÍA

 

© Elena de la Rua - Círculo de Bellas Artes

PHotoESPAÑA afronta su próxima edición con grandes ausencias y bajo una nueva dirección. Aunque no se realizó un homenaje en sí, todos los presentes en la presentación del Festival tuvieron unas palabras de dedicatoria y añoranza para el que fue el creador  del mismo EN 1998. Y es que Alberto Arnaut nos ha dejado un legado cultural y artístico difícil de superar. Tampoco estará este año  Claude Bussac, quien ya en la anterior edición se despidió de su puesto como directora del Festival. En su lugar toma el relevo María Santoyo.

© Boris Savelev - Serrería Belga

El panorama fotográfico se prepara para recibir uno de los eventos más esperados del año: PHotoESPAÑA 2024. Este festival, que se celebrará entre el 10 de mayo y el 29 de septiembre, promete una experiencia única para los amantes del arte visual. Con un total de 84 exposiciones y la participación de 293 artistas visuales, la edición de este año marca el inicio de una nueva etapa bajo la dirección de María Santoyo. Veamos ahora una pequeña aproximación a lo que será el Festival. 

© Erwin Olaf - Centro Cultural Fernán Gómez

Santoyo asume el desafío de llevar el festival hacia nuevas fronteras, con tres objetivos claros en mente: diversificar las prácticas artísticas, abrir diálogos con nuevos públicos y convertirse en un espacio de debate abierto. Bajo el sugerente título "Perpetuum mobile", PHE24 explorará el movimiento en todas sus formas: desde el dinamismo del medio fotográfico hasta los cambios históricos y sociales.

© Iwan Baan - Museo ICO

Una de las propuestas más destacadas es la exposición colectiva "Perpetuum mobile" en el Círculo de Bellas Artes, que reunirá el trabajo de 27 fotógrafas y fotógrafos españoles nacidos en democracia, marcados por el cambio de paradigma analógico/digital. Además, el festival contará con grandes nombres de la fotografía nacional como Gonzalo Juanes, Javier Campano, Pilar Aymerich y Paloma Navares, pioneras en la perspectiva de género en España.

© Javier Campano - Sala el Aguila

PHotoESPAÑA también será un escaparate para la obra de renombrados fotógrafos internacionales como Erwin Olaf, Boris Savelev y Barbara Brändli, cuyas retrospectivas ofrecerán una visión única de su trabajo. La inclusión del Teatro Real como sede del festival, con una exposición dedicada a la faceta fotográfica del compositor Giacomo Puccini, amplía aún más el alcance y la diversidad del evento.

© Filip Custic - Museo Cerralbo

© Lúa Ribeira - Museo Lázaro Galdiano

La alianza renovada con Patrimonio Nacional dará lugar al proyecto "Cuadernos de campo", que promueve el conocimiento del acervo natural de los Reales Sitios. El Premio Nacional de Fotografía Javier Vallhonrat liderará esta iniciativa trienal, que contará con el mecenazgo de ACCIONA.

© Paloma Navares - Real Jardín Botánico

© Masahisa Fukase - Círculo de Bellas Artes

La colaboración entre museos estatales y figuras emergentes de la creación visual contemporánea promete diálogos creativos únicos. Además, la experimentación con nuevos formatos expositivos, como la muestra en camiones de Palibex, agregará una dimensión interactiva al festival.

PHotoESPAÑA no se limitará a Madrid, sino que se extenderá a otras ciudades españolas como Alcalá de Henares, Alcobendas, Almería, Barcelona, Cartagena, Valladolid y Zaragoza. Además, Santander será sede oficial del programa Descubrimientos, apoyando así a la joven creación.

© Elliot Erwit - Fundación Canal

Por primera vez, el festival incursionará en el ámbito audiovisual con la serie documental "¿Qué miras?", producida por La Fábrica y CaixaForum+, con la participación de figuras destacadas como Joan Fontcuberta. Además, se llevarán a cabo encuentros en Espacio Fundación Telefónica Madrid para reflexionar sobre el impacto de la Inteligencia Artificial en las artes visuales.

© Widline Cadet - Casa de América

PHotoESPAÑA también se suma al programa Transcultura de la UNESCO para visibilizar el trabajo de fotógrafos del Caribe, y colaborará con Fotoseptiembre en Ciudad de México. Para celebrar los 100 años del olimpismo femenino español, se organizará una muestra especial en la Fundación Ortega Marañón.

PHotoESPAÑA 2024 promete ser un festival vibrante y diverso, que celebra la fotografía en todas sus formas y abre nuevas puertas para la creatividad visual.

RECUPERANDO EL LEGADO DE CHRISTIAN FRANZEN: FOTÓGRAFO DE REYES Y REY DE LOS FOTÓGRAFOS

 

Infanta Eulalia de Borbón (1864-1958), hija menor de Isabel II, h. 1894

En un homenaje a uno de los maestros olvidados de la fotografía española, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha abierto las puertas de su sala de fotografía para dar vida nuevamente al trabajo de Christian Franzen. Conmemorando el centenario de su fallecimiento en septiembre de 1923, esta exposición busca rescatar del olvido las imágenes que capturaron la esencia del Madrid de la Restauración.

Maternidad h. 1910 

Christian Franzen, un danés que encontró su hogar artístico en las calles de Madrid a finales del siglo XIX, llegó a España con una visión única que cautivó a la alta sociedad de la época. Con apenas 26 años, estableció su icónica Galería Fotográfica en la calle del Príncipe, convirtiéndose en el fotógrafo de referencia para aquellos que ostentaban el poder y la influencia en la capital.

Edificio La Unión y el Fénix en la esquina de las calles Alcalá y Gran Vía.  Madrid, 1910

Su lente no discriminaba entre reyes y artistas, entre aristócratas y literatos; todos eran dignos de ser inmortalizados por su cámara. La amistad que cultivó con figuras como Emilia Pardo Bazán, José María Pereda, Pérez Galdós y Joaquín Sorolla se refleja en los cientos de retratos que componen su legado. En cada fotografía, Franzen capturaba no solo la apariencia física, sino también la esencia y la personalidad de sus sujetos, creando una galería de celebridades que aún hoy perdura en la memoria colectiva.

Autorretrato con su hija Mimi, 1910 

Tras su fallecimiento en 1923, el legado de Franzen pasó a manos de su primo Paul y su hija Mimí, quienes continuaron su trabajo hasta 1970. Sin embargo, el destino de sus archivos tomó un giro inesperado cuando fueron adquiridos por RTVE y relegados al olvido en los sótanos de Prado del Rey. Fue solo en 1984 cuando estos tesoros fueron rescatados y trasladados a Arganda del Rey, aunque muchos de sus mejores trabajos se perdieron en el camino.

Retrato de la reina madre María Cristina de Habsburgo y del rey Alfonso XIII, h. 1905 

Ahora, gracias al esfuerzo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, las obras de Franzen vuelven a ver la luz. Esta exposición no solo rescata su legado artístico, sino que también arroja luz sobre un período crucial de la historia de Madrid y de la fotografía española. A través de sus imágenes, podemos viajar en el tiempo y sumergirnos en la atmósfera de la Restauración borbónica, explorando las vidas y las personalidades que moldearon la sociedad de aquel entonces.

La reina Victoria Eugenia haciendo ganchillo con las infantas  Beatriz y María Cristina, para el ropero de Caridad de Santa Victoria, h.1920 

Cada fotografía expuesta en la sala de fotografía del Museo de la Academia es más que una simple imagen; es un fragmento de historia, un testimonio visual de un pasado que de otra manera podría haber sido olvidado. En este espacio, Christian Franzen cobra vida nuevamente, recordándonos su papel fundamental en la narrativa visual de Madrid y su legado perdurable en la historia de la fotografía española.

La muestra cuenta con un pequeño catálogo que es el número 06 de la colección Maestros de la Fotografía en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y que cuenta con textos de Publio López Mondéjar, (Académico y encargado de la Sección de Fotografía de la Academia), Estrella de Diego (Académica, escritora, comisaria e investigadora de arte) y Carolina Azcue. 

Esta exposición que podrá visitarse en la Sala de Fotografía de la Real Academía de Bellas Artes de San Fernando, forma parte de PHotoESPAÑA 2024.

SOLD OUT PRESENTA LA EXPOSICIÓN ‘THE ART OF MANGA’, EN EL COLEGIO OFICIAL DE ARQUITECTOS DE MADRID (COAM)

La cultura del manga y el anime ha encontrado un hogar en Madrid con la llegada de la exposición "The Art of Manga", una muestra que desvela los secretos y la evolución de este arte excepcional que ha conquistado corazones en todo el mundo. Desde el 4 de abril, Sold Out ha inaugurado esta exposición en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), ofreciendo a los visitantes una oportunidad única para sumergirse en el fascinante universo del manga y el anime, explorando sus orígenes, su evolución y su impacto global.

Con más de 200 piezas cuidadosamente seleccionadas, la exposición traza un viaje a través de la historia del manga, desde sus humildes comienzos hasta su estado actual como uno de los fenómenos culturales más destacados del siglo XXI. Los asistentes tendrán la oportunidad de descubrir la estrecha relación entre el manga moderno y el arte tradicional japonés, así como su influencia en la cultura popular tanto en España como en el resto del mundo.

Desde libros y pergaminos ilustrados hasta xilografías japonesas de los siglos XVIII y XIX, la exposición ofrece una amplia variedad de obras que ilustran la diversidad y la riqueza del mundo del manga. Además, los visitantes podrán admirar pinturas, manuscritos, carteles originales, fotogramas, revistas y cómics raros, así como esculturas de edición limitada, procedentes de colecciones privadas internacionales.

Dirigida a una audiencia diversa, que abarca desde entusiastas del manga y el anime hasta familias y amantes de la cultura japonesa de todas las edades, "The Art of Manga" promete ser una experiencia enriquecedora para todos los visitantes. Esta exposición no solo celebra la creatividad y el talento de los mangakas más influyentes de todos los tiempos, como Osamu Tezuka, conocido como "el Dios del Manga", sino que también reconoce la contribución de otros artistas esenciales como Katsushika Hokusai, Shigeru Mizuki y Kitagawa Utamaro.

Además de explorar la historia y la evolución del manga a nivel internacional, la exposición también destaca la influencia y la popularidad del manga en el panorama cultural de España. Desde las primeras emisiones de series de animación japonesa en televisión española hasta la explosión de títulos modernos como One Piece y Naruto, la pasión por el manga y el anime ha dejado una marca indeleble en la sociedad española, abarcando ya tres generaciones de otakus.

Entre los aspectos destacados de la exposición se encuentra una sala dedicada exclusivamente a Osamu Tezuka, donde se exhibe un inmenso mural con una colección de 400 de sus obras, que abarcan desde 1947 hasta 1982. Esta sección celebra el legado duradero de Tezuka y su impacto global en el mundo del manga y el anime.

La exposición de ‘The Art of Manga’ está dividida en 10 ámbitos temáticos: 

Sala 1 – Los orígenes del manga 

Sala 2 – Libros y grabados del periodo Edo

Sala 3 – El manga en los siglos XIX–XX

Sala 4 – El legado de Osamu Tezuka

Sala 5 – Shigeru Mizuki y los yokai

Sala 6 – Manga shonen

Sala 7 – Manga shojo

Sala 8 – La industria del manga 

Sala 9 – El manga y el anime en España

Sala 10 – Proceso de creación de un manga

‘The Art of Manga’, además, está vertebrada por una serie de sugerentes escenografías, entre las que se incluyen la reproducción de un Torii (puerta tradicional) y de un templo japonés, un deslumbrante pasillo de linternas y hasta un jardín zen.

DOBLE HOMENAJE A COLITA LA FOTÓGRAFA DE LA GAUCHE DIVINE

 

En 1976 dos amigas, reconocidas y respetadas profesionales, activistas culturales, feministas de pro y de facto, empoderadas antes de que existiera el término, decidieron hacer un libro que hablara de la mujer, de sus realidades, sus cotidianidades, sus deseos, sus frustraciones y en definitiva de todo aquello de lo que se debería hablar, denunciar, exponer y reivindicar. 

María Aurelia Capmany e Isabel Steva Hernández, conocida artísticamente como Colita, se pusieron manos a la obra, una con sus escritos y la otra a través de su archivo fotográfico para dar forma a un libro que se publicó un año después con una tirada de 3000 ejemplares, pero que desgraciadamente solo duró unos meses en la calle. Un cambio en la dirección de Editora Nacional que fue quien se ocupó de gestionar el libro, hace que el nuevo director lo considere peligroso y lo retira de la venta. Antifemina, que era el título del libro, desaparece y los pocos ejemplares que sobrevivieron circulan hoy como cotizados objetos de culto para los coleccionistas. 

Cuarenta y tres años después la editorial Terranova, de la mano del Ayuntamiento de Barcelona, vuelve a poner en circulación una nueva edición totalmente regenerada, el tiraje anterior no era precisamente fantástico y como casi todos los fotolibros de la época tenía las fotos empastadas y oscuras. Las técnicas actuales  han devuelto a la imágenes la nitidez y los detalles perdidos logrando de ese modo un libro mucho más depurado que conserva los archivos originales con solo un par de cambios realizados por Colita de un par de fotos que no le gustaban demasiado. 

Es a raíz de la nueva puesta en circulación del libro cuando se decide hacer una exposición que muestre si no todo, una gran parte del contenido del libro. Así pues la exposición que se exhibe en la Sala Goya del Círculo de Bellas Artes desde el día 29 de febrero y que estará abierta al público hasta el 5 de mayo, muestra por primera vez una selección representativa del trabajo fotográfico de Colita que reúne, además de diverso material documental y audiovisual, 94 de las 176 fotografías que contiene el libro. Su estructura obedece a los diez capítulos en los que se divide la publicación y en los que se abordan, en tono crítico y didáctico, la vejez, el matrimonio, el trabajo, la religión, la prostitución, la cosificación, la marginación, las modelos, el disfraz y el piropo. Se trata de la primera muestra celebrada tras el fallecimiento de la autora en diciembre de 2023. Es también su último proyecto, ya que fue trabajado e imaginado con ella hasta el último detalle, lo que convierte la exposición en un homenaje a su trayectoria.

Por otro lado el mismo día de la apertura de la exposición se llevó a cabo otro acto de homenaje, en el que Fracesc Polop, comisario de la muestra del CBA, amigo y responsable del archivo de Colita  depositó en la caja número 1262 el legado de la autora en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes. Fue un acto muy emotivo ya que Colita había dispuesto que un cofre que contenía una serie de objetos seleccionado por ella no se abriera hasta después de su fallecimiento, que desgraciadamente tuvo lugar el 31 de diciembre de 2023. El cofre contenía, como no podía ser de otra manera, una serie de divertidos objetos entre los que se encontraban una foto suya disfrazada de payasa, una pajarita, una cámara en miniatura, unas gafas que distorsionan la realidad y una nariz de broma. Además del cofre , se depositaron también en la caja de seguridad dos libros, un ejemplar de la presente edición de Antifémina y otro de Luces y sombras del flamenco. En el acto estuvieron presentes en el acto Luis García Montero, director del instituto Cervantes y la escritora y periodista Maruja Torres. 

ISABEL QUINTANILLA Y SUS OBJETOS COTIDIANOS

 

Ventana, Isabel Quintanilla

Fueron cuatro las mujeres que formaron parte del grupo conocido como los realistas de Madrid, Isabel Quintanilla, María Moreno, Esperanza Parada y Amalia Avia. Junto a ellas estaban los hermanos Julio y Francisco López Hernández, escultor con quien Isabel se unió en matrimonio en 1960 y el reconocido pintor Antonio López García, que hoy en día es el único que queda vivo del grupo. Todos ellos vivieron y trabajaron en Madrid desde mediados de la década de 1950, y estaban unidos tanto por su formación y trayectoria como por relaciones familiares y de amistad. 

Si hace unos meses la Sala Alcalá 31 de la comunidad de Madrid se propuso asumir la labor de revisar el legado de Amalia Avia, bajo el comisariado de Estrella de Diego, en una exposición que fue casi un inventario de un Madrid ya desaparecido, ahora es el Museo Thyssen Bornemisza quien por medio de la comisaria Leticia de Cos Martín, ha conseguido reunir una sólida muestra de las obras de Isabel Quintanilla, noventa en total, para realizar una exposición monográfica de una de las figuras fundamentales del realismo contemporáneo. La muestra incluye sus pinturas y dibujos más sobresalientes, muchos de los cuales no se han visto nunca en España ya que pertenecen a museos y colecciones de Alemania, donde tuvo gran éxito y reconocimiento en las décadas de 1970 y 1980.  

Jardín, Isabel Quintanilla

La pintura de Isabel Quintanilla es el resultado de un dominio rotundo de la técnica y de un oficio adquirido en distintas escuelas, pero, sobre todo, de un trabajo continuado en el tiempo. La artista se refería con frecuencia a la lucha constante que supone resolver los problemas que la pintura plantea a todo el que quiere valerse de ella para experimentar la realidad de otra manera.

La exposición propone un recorrido por el universo de la pintora, protagonizado por sus objetos personales y por la intimidad de sus viviendas y talleres. Pero estos ambientes y elementos cotidianos forman parte, a su vez, del imaginario colectivo, por lo que apelan directamente a las emociones del espectador, un objetivo que la artista siempre tuvo presente.

Quintanilla empieza a pintar muy joven, su madre consciente del talento que ya se apreciaba  en ella desde niña, la apunta a clases en talleres particulares  y de artistas a los 11 años. A los quince consigue aprobar el examen de ingreso en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Allí conoce a Antonio López, a Julio y Francisco López y a María Moreno, que está en su mismo curso, y con la que traba una buena amistad. Con apenas 21 años, en 1959 obtiene el título de profesora de Dibujo y Pintura y empieza a dar clases como ayudante en un instituto. Además, expone por primera vez en una muestra colectiva organizada por la Fundación Rodríguez Acosta de Granada.

En 1960 se casa con Francisco López y se trasladan a Roma durante cuatro años, ya que el escultor ha obtenido el Gran Premio de Arte de la Academia de Bellas Artes para formarse en Italia. Tras su estadía en el Lacio y viajan por Europa donde se relacionan con otros artistas y  tras su regreso a España, Isabel retoma la docencia al tiempo que continúa pintando y en 1966 protagoniza una exposición en la galería Edurne de Madrid con obras realizadas en su mayoría en Roma, en la que vende casi todo lo expuesto.  

Escultura de Isabel quintanilla realizada por Francisco López

Pero es en Alemania donde Isabel Quintanilla logra su mayor reconocimiento. En 1970 Isabel Quintanilla conoce a Ernest Wuthenow, coleccionista y socio fundador de la Galería Juana Mordó de Madrid, encargado, además, de la promoción de sus artistas en el extranjero. Junto a los galeristas Hans Brockstedt y Herbert Meyer-Ellinger, consigue exponer su obra por toda Alemania durante las décadas de 1970 y 1980, en muestras colectivas como Arte después de la realidad: un nuevo realismo en América y Europa, en Hanover (1974), y la Documenta 6 de Kassel (1977), y en exposiciones individuales en Fráncfort, Hamburgo y Darmstadt, entre otras ciudades alemanas, y es en este país en el que vende gran parte de su producción.  

En España, participa en la gran muestra de la Fundación Marcelino Bon, Otra realidad: compañeros en Madrid (1992); en Santander, expone en el Museo de Bellas  Artes da Coruña junto a Amalia Avia y María Moreno (2005) y concurre en una colectiva  en el Museo del Prado (2007). En 1996, el Centro Cultural Conde Duque de Madrid le dedica una antológica y la madrileña Galería Leandro Navarro, una monográfica.

Quintanilla pintando

En la presente muestra podemos ver un recorrido por las distintas etapas de su pintura, desde sus obras más tempranas como La lamparilla (1956), en la que se observan elementos que la acompañarán a lo largo de su carrera, como la selección de pequeños objetos cotidianos que representa de frente y en un plano algo elevado, hasta aquellas obras que representan la profesión  de su madre a través de una serie de objetos, la máquina de escribir, un dedal, tijeras. También son representativos de la obra de Quintanilla, los rincones de su casa, tanto en interior como en el exterior y la ausencia de sujetos. Es poco habitual que pinte personas porque ella piensa que el vacío que se da sin ellos propicia la imaginación del observador. 

En una de las salas de la muestra se realiza un pequeño homenaje a sus compañeras del grupo de realistas incluyendo varios lienzos de Amalia Avia, María Moreno y Esperanza Prada. 

En general nos encontramos ante una muestra muy acertada y necesaria que pone de relieve que en España también tuvimos pintoras realistas que merece la pena conocer más a  fondo.  

La exposición permanecerá abierta al público hasta el 2 de junio y los sábados por la noche de 21:00 a 23:00 h. podrá visitarse gratuitamente gracias al patrocinio de la marca japonesa UNIQLO.