PRERRAFAELISMO. ITINERARIOS FEMENINOS (1850 -1914)

                  Eleanor Fortescue-Brickdale 

Eleanor Fortescue-Brickdale

El pálido semblante del amor verdadero, 1899

Junto a la exposición de Minor White de la que hablábamos hace unos días, la Fundación Mapfre ha presentado también dos exposiciones de pintura una de las cuales está dedicada a las  mujeres artistas del periodo prerrafaelista, históricamente eclipsada por el protagonismo otorgado a sus representantes masculinos.

El proyecto  explora la estrecha relación entre el surgimiento del prerrafaelismo y la progresiva incorporación de las mujeres al ámbito artístico británico desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. La muestra analiza cómo los cambios sociales vinculados a la denominada «cuestión femenina» coincidieron con la evolución de uno de los movimientos más innovadores del arte victoriano, y cómo las mujeres participaron activamente en su desarrollo, transformándolo desde dentro. 

Elizabeth Siddal

La dama de Shalott, 1853

Pamela Gerrish Nunn (Comisaria) 

Lejos de ocupar un papel secundario, artistas, diseñadoras y otras creadoras de diversos ámbitos contribuyeron de manera decisiva a la definición, expansión y legado del prerrafaelismo . La exposición propone así una revisión del movimiento que sitúa en el centro la experiencia , la determinación y la creatividad de las mujeres, evidenciando su contribución a la renovación de la cultura visual británica entre 1848 y el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Julia Margaret Cameron                                                                                              Alethea, 1872

Artistas como Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys, Kate Greenaway, Fanny Bunn, May Morris o Julia Margaret Cameron desarrollaron su actividad artística en la senda del movimiento y algunas de ellas contribuyeron a expandir el prerrafaelismo hacia ámbitos como la ilustración, las artes decorativas, el diseño y la fotografía. 

 

Edith Martineau                                                                                                     Descansando, 1886

La exposición cuenta con cerca de 130 obras, entre pintura, acuarela , grabado,

fotografía , tejido , cerámica o vidriera , con préstamos de 65 colecciones tanto

particulares como públicas. 

Imágenes de sala © Conchita Meléndez

MINOR WHITE, EL FOTÓGRAFO QUE DEFINIÓ LA FOTOGRAFÍA COMO UN ESPEJISMO

 

La Fundación Mapfre acaba de inaugurar las tres exposiciones que forman su programa de otoño en la sede de Recoletos en Madrid. Vamos a empezar por la de fotografía, porque a pesar de ser un importante fotógrafo, su autor no es excesivamente conocido en Europa y merece mucho la pena ver su  trabajo. 

Minor White (Minneapolis, 1908 – Boston, EE.UU., 1976), es una de las figuras más complejas e influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX. Junto a una importantísima producción fotográfica, el legado de White se extiende de forma muy significativa a otros ámbitos de la fotografía: el académico, el museístico y el editorial. Fundador y editor de la revista Aperture y profesor en algunos de los centros de enseñanza más relevantes de la escena norteamericana. Entre 1956 y 1964 estuvo enseñando en el Rochester Institute of Technology y más tarde enseñó fotografía en el Instituto Tecnológico de Massachusetts hasta sus últimos días.

Vicinity of East Avenue and Union Street, Rochester, 1958. © Minor White

Barn and Clouds (Vicinity of Naples and Dansville, New York), 1955 © Minor White

72 N. Union Street, Rochester, from Sequence 16 / Steely the Barb of Infinity, 1970 © Minor White

Cape Ann, Massachusetts, from Sequence 1968 © Minor White

Influenciado en un principio por la obra de Alfred Stieglitz y Edward Weston, derivó hacia un formalismo trascendental que a la cuidada descripción del mundo añade una tensión entre el objeto y la imagen que crea. White lleva la abstracción fotográfica a sus límites, manteniendo el rigor de lo real, sirviéndose de la secuencia como vehículo para presentar su obra y para transmitir su experiencia personal y su permanente propósito de tratar de ver más allá de la superficie, de lo intelectual o lo pictórico en la fotografía.

Tom Murphy, San Francisco, 7 de septiembre de 1948 © Minor White

Mark Adams, from Fifth Sequence / Portrait of Young Man as Actor, 1950 © Minor White

McAllister Street, San Francisco, 1950 © Minor White

Su obra transmite tanto belleza como una vida emocionalmente truncada por el no reconocimiento de su homosexualidad, cuyo drama se trasluce en la mayor parte de su obra. White luchará toda su vida por dar coherencia a su fotografía como creación artística y herramienta de autodescubrimiento y expresión.

La obra que se expone en la Fundación Mapfre, comisariada por Carlos Gollonet,  Conservador jefe de fotografía de la Fundación, es la primera gran retrospectiva centrada en el autor en Europa y  dedica una especial atención a sus secuencias fotográficas generalmente presentadas en formato de porfolio. Formato esencial en la obra del autor, que él mismo definió como un “cine de imágenes fijas”. La mayor parte de las fotografías proceden principalmente del Princeton University Art Museum y están incluidas en el catálogo que acompaña la exposición. 

Carlos Gollonet © Conchita Meléndez

Catálogo de exposición

Fotografías de sala © Conchita Meléndez

EL MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA DEDICA UNA GRAN EXPOSICIÓN A CARMEN LAFFÓN

 El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una gran exposición de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021), segunda mujer en ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid como académica de número. La muestra que lleva por título ‘Variaciones’, gira en torno al personalísimo mundo figurativo de la artista, y presenta las ideas o motivos centrales de sus composiciones, que se repiten como variaciones y series a lo largo de sus más de sesenta años de carrera. La exposición está comisariada por Paula Luengo y podrá visitarse del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.

Carmen Laffón fue una de las pintoras y escultoras figurativas más destacadas de España en la segunda mitad del siglo XX. Nacida en Sevilla, fue una figura esencial del realismo contemporáneo, reconocida por sus paisajes andaluces, la luz de Sanlúcar de Barrameda y sus íntimos bodegones. Su pintura es profundamente introspectiva y sutil, centrada en objetos cotidianos, el entorno del Coto de Doñana, el río Guadalquivir y la naturaleza.

Esta muestra monográfica, la primera gran exposición que se le dedica a la artista desde su fallecimiento, a finales de 2021, se centra en la naturaleza muerta y en el paisaje, los dos géneros fundamentales de su extensa obra, realizada entre 1956 y 2021.

La exposición incluye 77 obras, entre óleos, carboncillos y esculturas, que se organizan en nueve secciones dedicadas a sus iconografías más frecuentes –la muñeca Marcelina, la cuna, los cestos, los armarios, el Coto de Doñana, las viñas, la cal y las salinas–, ofreciendo un diálogo entre piezas tempranas y más tardías.

EL MUSEO ICO Y PHOTOESPAÑA PRESENTAN LOS MISMOS LUGARES, DE JORGE YEREGUI

 

Comisariada por Juan Guardiola, la exposición ‘Los mismos lugares’,  propone una inmersión en la práctica artística de Jorge Yeregui, cuyo eje central es la transformación del entorno en sus dimensiones social, cultural y política. Su trabajo se aleja de la fotografía contemplativa para adentrarse en el ámbito del ensayo visual, utilizando la imagen como una rigurosa herramienta de análisis para explorar cómo los lugares son protegidos, intervenidos o resignificados por las dinámicas de las sociedades contemporáneas.

La exposición reúne una selección de proyectos estructurados en torno a cuatro grandes cuerpos de trabajo. A través de formatos híbridos que van desde la fotografía analítica y el vídeo hasta la instalación espacial, Yeregui propone al visitante rastrear el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

Como es habitual en la programación del Museo ICO, la exposición, que estará disponible hasta el 6 de septiembre,  busca establecer un puente directo con las disciplinas de la arquitectura y el urbanismo, analizando desde la mirada de Yeregui las problemáticas actuales sobre cómo las sociedades modernas habitan y transforman su entorno habitacional y geográfico.

Los mismos lugares parte de una pregunta que Yeregui lleva años formulando desde su doble condición de artista y arquitecto: ¿Qué queda de un lugar cuando las fuerzas que lo transforman han terminado su trabajo? La exposición responde con imágenes, pero también con datos, archivos y una reflexión espacial que involucra al visitante en el proceso de lectura del territorio.