IMAGE CITIES. EL PROYECTO GANADOR DE ANASTASIA SAMOYLOVA EN LA FUNDACIÓN MAPFRE

 

Como parte del programa que la Fundación MAPFRE presenta para PHotoESPAÑA 2023 se expone el proyecto Image Cities, de la fotógrafa Anastasia Samoylova, propuesta ganadora de la primera edición del KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE en 2021. El certamen, de carácter bienal, conlleva un importante premio en metálico, la organización y producción de una exposición del proyecto seleccionado en el KBr Fundación MAPFRE en Barcelona, así como en las salas de la Fundación en Madrid, y la edición de un libro.

Arbat, Moscow 2021 © Anastasia Samoylova

Art-Poster-(Magritte), Los-Angeles 2022 © Anastasia Samoylova

El trabajo es un estudio visual de la integración, cada vez mayor, de la imagen fotográfica en el entorno urbano. Nuestras ciudades se están convirtiendo en auténticos collages de imágenes. La publicidad sobre estilos de vida, las vallas promocionales de inmobiliarias y la arquitectura «hiperfotogénica» hacen que el espacio urbano parezca un escenario de fantasía con decorados siempre cambiantes. En él, las marcas internacionales se superponen a la historia local, ahogada bajo el orden visual que impone el capitalismo global. La visión se distrae necesariamente ante este espectáculo, que Anastasia Samoylova fotografía con una mirada a la vez crítica y estética. Sus abigarradas composiciones enmarcan la complejidad urbana en toda su problemática belleza, homogeneizando sus capas en seductores y extraños poemas visuales. En sus imágenes, prácticamente no aparecen seres humanos, y cuando lo hacen suele ser a una escala mínima en comparación con la dimensión de los edificios y los anuncios publicitarios, generalmente de espalda o en cualquier forma que les reste protagonismo apuntando a una suerte de condición de «especie amenazada» ante el consumismo y la especulación. 

 

Construction Fence (Tecnología), Madrid 2022 © Anastasia Samoylova

Beauty Salon, New York 2022 © Anastasia Samoylova

El proyecto, que la artista comenzó en Moscú y en Nueva York a principios del verano de 2021, se ha ido completando en otras quince ciudades como Ámsterdam, París, Londres, Bruselas, Tokio, Madrid o Barcelona gracias al KBr Photo Award.

Graffiti, Barcelona 2022 © Anastasia Samoylova

El recorrido expositivo de Image Cities se despliega a lo largo de cincuenta fotografías, un corpus seleccionado entre más de doscientas imágenes. El sentido como serie nace precisamente de esa desaparición de la individualidad de la ciudad en función de la serialidad puesta de manifiesto entre las imágenes de las distintas metrópolis. Los hombres y las mujeres que aparecen en algunas de las fotografías de Samoylova pasean indiferentes por las calles de esa ciudad global, ensimismados, frente a lonas y vallas publicitarias dedicadas a nuevas promociones de viviendas de lujo, o a anuncios de tecnología, joyas, perfumes o moda. En esa secuencia de collages de vivos colores y nítidos contornos, juegos de reflejos o composiciones en sucesión de planos, destaca la monumentalidad de los edificios o rascacielos frente a cualquier otro motivo que aparezca en la imagen.  

Historic Theater Poster, Barcelona 2022 © Anastasia Samoylova

Newly painted wall, Barcelona, 2022 © Anastasia Samoylova

Pink Coat, Moscow 2021 © Anastasia Samoylova

La muestra podrá visitarse desde el 1 de junio al 27 de agosto y se acompaña de un catálogo que reproduce una selección de imágenes de la serie Image Cities más amplia que la presentada en las dos ediciones de la exposición y que incluye un ensayo de David Campany

Sally Martin Katz, Nadia Arroyo, Anastasia Samoylova y Victoria del Val

ANTONI MIRALDA MUESTRA SUS FOTOGRAFÍAS EN EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES PARA EL FESTIVAL PHOTOESPAÑA

Coney Island, 1979 © Antoni Miralda

La sala Goya del Círculo de Bellas Artes acogerá desde el 29 de mayo y hasta el 17 de septiembre la exposición Cowboy´s dreams, una muestra que explora la faceta fotográfica del artista Antoni Miralda.

Esta exposición nació del encuentro casual de un completo archivo fotográfico, con mas de 75.000 negativos, descubierto por Ignasi Duarte. Sin embargo Antoni Miralda no se considera fotógrafo. Sus imágenes son en realidad imágenes encontradas, no buscadas.

Basel, 1969 © Antoni Miralda

Bronx, 1975 © Antoni Miralda

Cowboy´s dreams cuenta con 116 fotografías realizadas por el artista en Europa y Estados Unidos entre 1961 y 1991. Aunque él cree que es en Londres donde mejor se ha sentido al fotografiar la calle desde la primera vez que visitó la ciudad en 1962.

Fotografías en blanco y negro que permiten al espectador descubrir la posición de Miralda sobre la fotografía y sus usos. Aunque reconoce que si las hubiera hecho hoy en día seguramente las habría realizado en color. Para él lo importante son las texturas, expresión que utiliza para referirse al conjunto de la imagen y su significado dentro de la sociedad y la época en que se desarrolla. 

New York, 1976 © Antoni Miralda

New York, 1975 © Antoni Miralda

Como señala el comisario de la exposición el hallazgo de estas imágenes permite “comprender el uso que Miralda hace de la imagen cuando esta se inscribe en el ámbito de lo estrictamente privado. Miralda fotografía para poder ver. Parapetado detrás de la cámara construye la realidad, la inventa.”

Miralda utiliza la fotografía como una herramienta con la que diseccionar la sociedad, en imágenes que recogen manifestaciones religiosas o militares con un profundo sentido crítico y humor.  Sus fotografías están llenas de vida. 

París, 1964 © Antoni Miralda

Viena, 1976 © Antoni Miralda

En palabras del comisario: “su archivo fotográfico confecciona un amplio repertorio de lo ajeno gracias al cual atestiguamos cómo profundiza en las particularidades culturales que definen a los distintos grupos humanos que retrata.”

Junto con el centenar de imágenes de España y Estados Unidos, la exposición incluye sesenta y una fotografías vintage de las series de Soldats Soldés, imágenes que documentan las esculturas e intervenciones públicas que el artista realizaba con soldados de plástico. Además, se presentan una selección de dibujos del célebre Cuaderno de Castillejos (1965) y tres obras sobre papel pensadas para la exposición en la galería Zunini de París (1967), una de las cuales —un gouache de temática soldadesca— nunca llegó a exhibirse. El Cuaderno de Castillejos es un dietario dibujado de la vida cotidiana en el campamento donde Miralda hizo el servicio militar. Supone un registro fundamental para comprender el origen de las temáticas —u obsesiones— que definirán su obra en los años por venir.

La inclusión de estas obras históricas es crucial para contextualizar la actividad de Miralda en los años en que realizó, de forma casual y sin darle mayor importancia, muchas de las instantáneas que ahora salen a la luz.

© Conchita Meléndez

«COMO UN TORBELLINO» EL UNIVERSO ÍNTIMO DE LAS FOTÓGRAFAS NORUEGAS MARIE HØEG Y BOLETTE BERG

Escalera

La exposición Como un torbellino presenta por primera vez en España el archivo privado de las fotógrafas noruegas Marie Høeg Y Bolette Berg. Un documento único que descubre la faceta más íntima de dos artistas y activistas que en el siglo XIX desafiaron los roles de género y las convenciones de la sociedad.

Ambas trabajaron como fotógrafas en la ciudad de Horten, en el sur de Noruega, entre 1894 y 1903, tras lo cual se trasladaron a Oslo y fundaron una editorial. La pareja pasó toda su vida adulta trabajando y viviendo junta: estaban totalmente comprometidas con la lucha por los derechos de la mujer. Marie alcanzó especial notoriedad, tanto localmente como a escala nacional.

© BERG & HØEG. COLLECTION OF PREUS MUSEUM

© BERG & HØEG. COLLECTION OF PREUS MUSEUM

Marie y Bolette se conocieron en Finlandia, donde Marie, que ya era fotógrafa, dirigía dos estudios de fotografía y Bolette se formaba en esa profesión. A finales del siglo XIX, la fotografía era una de las pocas ocupaciones consideradas respetables para las mujeres. En 1894, fundaron en Horten el estudio de fotografía Berg & Høeg, en el que hacían retratos bastante convencionales de personas, así como paisajes, que más tarde publicaban en forma de tarjetas postales, un formato del que se convertirían en especialistas al ver sus grandes posibilidades de negocio.

En esta exposición, en cambio, se reúnen unas sorprendentes imágenes que las autoras realizaron en su ámbito privado. Con sus familiares y amigos y con ellas mismas como protagonistas en unas imágenes en las que, mediante el travestismo y el humor, desafiaron los férreos roles de género de la sociedad de aquella época.

© BERG & HØEG. COLLECTION OF PREUS MUSEUM

© BERG & HØEG. COLLECTION OF PREUS MUSEUM

En la década de 1970, algunos negativos pertenecientes a su legado salieron a subasta y fueron adquiridos por el Preus Museum. Entre las cajas repletas de negativos de vidrio de paisajes y reproducciones de obras de arte, se encontraron dos marcadas como «privadas». En su interior había una serie de negativos de vidrio que muestran a Marie, Bolette, sus hermanos y amigos posando ante la cámara, cuestionando los ideales decimonónicos de feminidad y los estereotipados roles de género de la época. A diferencia de los retratos que hacían por aquel entonces en su trabajo diario, sus fotografías privadas son alegres y divertidas y, aún hoy, ofrecen una estampa inesperada.

© BERG & HØEG. COLLECTION OF PREUS MUSEUM

Originalmente, las imágenes privadas no estaban destinadas al público, por considerarse demasiado provocativas para aquella época. Sin embargo, en la actualidad estas imágenes han ido cobrando cada vez mas notoriedad convirtiéndose además en un símbolo para la comunidad queer. La presente exposición incluye algunas imágenes inéditas, nunca vistas antes fuera de Noruega.

MADRID: CRÓNICA CREATIVA DE LOS 80

 

Sin duda La Movida marcó un hito en la historia de Madrid pero La tormenta creativa que se desarrolló en Madrid en la década de los ochenta fue mucho más que La Movida, en esos años surgió un ecosistema creativo en el que todos los artistas de diferentes disciplinas colaboraron entre sí: pintores, músicos, fotógrafos, cineastas...  

La exposición Madrid: crónica creativa de los 80, que podrá visitarse en La Fundación Canal en Mateo Inurria desde el 19 de mayo hasta el 20 de agosto y que forma parte del Festival PHotoESPAÑA,   plantea un gran retrato coral y colectivo por aquellos elementos que configuraron el Madrid moderno y cosmopolita que hoy conocemos. Una memoria visual y sentimental de esos años de gran transformación social e intensidad en el arte, la música, el cine, la fotografía, la sociedad y la política. Una década excitante, atractiva, convulsa y, sobre todo, creativa. Diez años repletos de energía que fueron el germen de una nueva sociedad.

Las reinas de la barra © Javier de Juan

Comisariada por Ana Berruguete, Madrid: crónica creativa de los 80 presenta más de 300 piezas procedentes de colecciones privadas y públicas que se organizan en dos grandes apartados. En el cuerpo central de la exposición se analiza la efervescente creatividad artística de los 80 a través de siete ámbitos: Artes plásticas, Fotografía, Literatura e ilustración, Música, Moda, Cine y TV y publicidad. En ellos se muestra el trabajo de más de 80 grandes creadores de la época.  Esta parte de la exposición se completa con una galería de retratos de artistas y agentes culturales de todos estos ámbitos y con una cronología con algunas de las noticias y hechos más destacados de la década.

Trapos sucios © Ceesepe

El Hortelano. Serie Peluquería © Ouka Leele

Con motivo de la conmemoración del 40º aniversario del Estatuto de Autonomía de la Comunidad de Madrid (25 de febrero de 1983), esta exposición invita a realizar un recorrido multidisciplinar por el Madrid de la década, poniendo de manifiesto la evolución de la región desde los años 80 hasta nuestros días y analizando los grandes retos a los que tuvo que enfrentarse la región para consolidarse como Comunidad y avanzar en el proceso de modernización del país tras la Transición.

Nacha Pop © Alejandro Cabrera

Ana Curra y Alaska © Jose Antonio Rojo

Nieves baila © Ana Arabaolaza

Pedro Almodobar, Loles León, Rosy de Palma y María Barranco © Jordi Socias

En la exposición puede verse obra de artistas plásticos e ilustradores como Miquel Barceló, Guillermo Pérez Villalta, Costus, Ceesepe, Aurelia Muñoz, El Hortelano, Carlos Franco, Alberto Corazón, Eduardo Úrculo, Pedro García Ramos, Fernando Bellver, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Óscar Mariné o Juan Ramón Yuste, entre otros; o de destacados fotógrafos de la época como Ouka Leele, Alberto García-Alix, Javier Campano, Alberto Schommer, Alejandro Cabrera, Mariví Ibarrola, Gorka Dúo, Cristina García Rodero, Pablo Pérez Mínguez, Nines Mínguez, Jose Antonio Rojo o Miguel Trillo. Además de numerosas personalidades presentes en obras como Pedro Almodóvar, Alaska, Rossy de Palma, Carmen Maura, Antonio Banderas, Andy Warhol, Luz Casal, Miguel Bosé, Antonio Alvarado, Mecano, Nacha Pop, Radio Futura, Carlos Saura, José Luis Garci, Fernando Colomo, Muelle, Juana de Aizpuru, Chus Burés, Jesús del Pozo o Sybilla.

VOGUE ESPAÑA SE SUMA A LA PROGRAMACIÓN DE PHOTOESPAÑA 2023 CON LA CONVOCATORIA PHOTOVOGUE

 

Vogue España se suma por primera vez a la programación de PHotoESPAÑA, en su edición de 2023, con el lanzamiento de la primera convocatoria de PhotoVogue en nuestro país.  

PhotoVogue es una plataforma digital global de Vogue que muestra las voces más interesantes en la fotografía contemporánea. Los fotógrafos pueden subir sus fotos a la plataforma, y estas son seleccionadas por un grupo de especialistas para que su trabajo pueda ser descubierto por la industria de la moda, la publicidad o el periodismo en todo el mundo. La misión de PhotoVogue siempre ha sido defender el talento, llegar a las comunidades que han sido excluidas tradicionalmente y mejorar la educación visual, pero también dar forma a un mundo visual más justo, ético e inclusivo. 

Cada año PhotoVogue lanza a nivel global una Open Call bajo un mismo tema. En la edición de 2023 invita a artistas de todo el mundo a presentar obras que cuestionan las nociones tradicionales de belleza y se hace la pregunta de qué significa hoy el concepto de belleza y cómo representarlo.

PhotoVogue en PHotoESPAÑA 2023 

Para conmemorar su 35º aniversario, Vogue España lanza la primera edición en España de PhotoVogue y lo hace en el marco del festival internacional de fotografía y artes visuales PHotoESPAÑA.  

Bajo la temática de La mujer española: un retrato contemporáneo de fuerza y belleza, esta convocatoria invita a artistas españoles a presentar su propia imagen y percepción de la mujer española en el sentido más amplio, libre y poético posible. 

Cualquier creador mayor de edad y de nacionalidad española podrá participar en la convocatoria, que estará abierta hasta el próximo 27 de junio. Las bases completas pueden consultarse en la web de Vogue

Las obras seleccionadas se incluirán en la exposición del Festival PhotoVogue 2023, que tendrá lugar en Milán, y se publicarán en la edición española de Vogue. Además, también formarán parte de la exposición de Vogue Fashion 's Night Out en Madrid, que tendrá lugar en septiembre, y ocuparán un papel central en las redes sociales de Vogue España y PhotoVogue, y en otras activaciones que se dispondrán a nivel local.

Sobre el origen de PhotoVogue

Desde que se fundara en Italia en 2011, más de 350.000 creadores visuales emergentes y profesionales de todo el mundo se han acercado a PhotoVogue, una iniciativa que ha contribuido a impulsar las carreras de grandes fotógrafos como Luis Alberto Rodríguez, Camila Falquez o Nadine Ijewere. 

En 2022 esta plataforma adoptó una dimensión mundial, que posteriormente se tradujo en la primera open call orquestada por todas las ediciones globales de la revista. Los trabajos seleccionados fueron exhibidos en el festival de PhotoVogue en Milán y obtuvieron una gran visibilidad en las distintas plataformas digitales e impresas de las publicaciones involucradas.

PICASSO EN FOTO. ARCHIVOS DEL MUSEU PICASSO DE BARCELONA

 

PHotoESPAÑA y el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa presentan la exposición Picasso en Foto. Archivos del Museu Picasso de Barcelona. La exposición que forma parte del programa de la presente edición del Festival presenta por primera vez, los fondos del archivo fotográfico del museo que permiten acercarse a la vida y los procesos creativos del genio y que otorgan una completa y desconocida visión sobre el artista. Picasso en foto. Archivos del Museu Picasso de Barcelona se aproxima a todos los aspectos del genio a través de la obra de autores profesionales de gran importancia en la historia de la fotografía y también de imágenes vernaculares de amigos y familiares. Entre las primeras la exposición incluye imágenes de los fondos de dos grandes autores de la fotografía contemporánea: Lucien Clergue y David Douglas Duncan.

El proyectyo está dirigido por Emmanuel Guigon, director del Museu Picasso de Barceslona, en palabras del cual “Esta exposición permite una aproximación a la figura de Pablo Picasso, el hombre y el artista, sus procesos de trabajo y la génesis del museo, con fotografías de grandes maestros contemporáneos que fueron a la vez amigos del genio y que le siguieron de cerca a lo largo de su carrera y su vida.” 

El Museu Picasso de Barcelona es, sin duda, el testimonio más evidente del vínculo afectivo de artista con la ciudad Condal. Vínculo que estuvo presente desde la llegada del artista a la ciudad en 1895 y que se mantuvo vivo hasta su muerte en 1973.

La muestra se desarrolla como una especie de documento notarial del genio en todos sus aspectos. Una oportunidad única de descubrir al artista y también al hombre. 

Imágenes cedidas por © Succesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid para promoción de la exposición.