Von Brandis

Von Brandis es un artista sudafricano conocido sobre todo por su trabajo “Vintage Obscene Interiors”, en el cual ha pretendido desmitificar la fina fisura que existe entre la pornografía y el arte.

El artista se dedicó durante un tiempo a recoger fotografías pornográficas de los años 60 y 70, realizadas en escenarios claramente identificativos de la época, para sustituir a las parejas protagonistas de las imágenes por espacios en blanco. De este modo y mediante la “autocensura” del autor,  sería el observador quién diera forma a la imagen, y sería por tanto su mente quien delimitara la línea entre arte, erotismo y pornografía.

La propuesta de Von Brandis fue más tarde recogida por otros artistas, entre ellos Justin Jorgensen, quién ha publicado el libro “Obscene Interiors: Hardcore Amateur Decor”.

El hecho de que cada vez sea más frecuente que determinados artistas se dediquen a recopilar imágenes ya existentes, de otros autores, para incluirlas en su propia obra mediante la manipulación, me plantea una enorme cantidad de dudas. En primer lugar, está la cuestión de la autoría. Las imágenes resultantes de tales procesos ¿pertenecen a quien las realizó en primer lugar o a quien se ha permitido transformarlas? En caso de que se reconociera su valor artístico y se valorara monetariamente, ¿Una parte de los ingresos percibidos por el modificador debería ser para los autores originales? 

Supongo que es difícil llegar a un acuerdo en estos y otros muchos conceptos que plantean este tipo de trabajos, como también lo es el determinar si realmente pueden considerarse artísticos. Cada cual opine por si mismo.

 

 

Jaime Mota

Aunque tenía previsto continuar con los autores cuyas exposiciones están presentes en el Festival de PhotoEspaña, un triste suceso ha hecho cambiar mi artículo en el blog, y es que desgraciadamente, ayer falleció Jesús Jaime Mota, un gran fotógrafo y una gran persona.

Quiero dedicarle esta entrada por varios motivos, primero porque su obra se lo merece. Jaime, que comenzó en esta profesión o arte, según quien lo defina, como autodidacta  en 1984, había logrado que sus trabajos fueran conocidos en más de una docena de países de todo el mundo. Había obtenido también diversos galardones, como el Premio al Mejor Fotógrafo de la Comunidad, otorgado por la Federación Andaluza de Fotografía en 1995, o el galardón fotográfico que en los años 1995 y 1997 le concedió el diario el País, la Medalla del London Salón de Photography o el Premio G. Schmidt, entre otros muchos. También la Federación Internacional de Arte Fotográfico supo apreciar y distinguir sus imágenes.

La obra de Jaime Mota, de gran sensibilidad, está principalmente centrada en los trabajos que realizó en los continentes africano y asiático. Sus series “Rostros” o “La Mirada Africana”, nos muestran una realidad desnuda pero a la vez desprovista de toda sensiblería o sensacionalismo. En la línea del reportaje pero de un modo personal, Jaime ha conseguido captar la vida y el alma de los personajes que forman ya parte de su universo fotográfico.

Fue también en uno de estos viajes donde tomó conciencia de las necesidades de los países vecinos y en el año 2003, junto a su amigo J. Luís García, puso en marcha un proyecto de ayuda humanitaria para la construcción de un colegio-orfanato en el norte de Tanzania. A este proyecto se suma la Fundación de Clubes de Leones Internacional quien colabora en la financiación del mismo.

Ese mismo año ingresa como socio en la Fundación y dos años mas tarde cede a la misma, para su campaña “Ayúdanos a darles un hogar”, el material del reportaje realizado como consecuencia del tsunami de Sri Lanka.

Cuando ayer me enteré del fallecimiento de Jaime Mota, que tan sólo tenía cuarenta y siete años, sentí una gran perdida. Le había conocido en la Feria de ENTREFOTOS  y aunque apenas habíamos charlado un rato pude notar que era una persona de gran sensibilidad y un gran profesional. Debe ser por eso, que echo de menos la repercusión de la noticia de su muerte en los medios de comunicación. Esta mañana he realizado una búsqueda en las ediciones online de los principales periódicos nacionales y  ni el País, quién como ya he comentado antes le había concedido dos premios, ni el Mundo, hacen mención alguna de este hecho. El ABC, lo hace mínimamente, en su edición Sevillana.

Debe de ser que para que la muerte de un fotógrafo sea noticia, tiene que haber recibido un tiro en alguna guerra o por lo menos tener el buen gusto de volar por los aires al pisar una mina.

Como a mi y estoy segura de que a todos sus compañeros de profesión  y amantes de la fotografía si que nos importa, desde aquí me gustaría mandar un hasta siempre, que no un adiós, a Jaime Mota, porque él siempre permanecerá con nosotros y en nuestra memoria a través de su obra.

http://www.jaimemota.com/

Eugène Atget

"Sin haber recibido nunca una formación sólida como fotógrafo, Atget abrazó esa profesión después de pasar sin éxito por otras, como la de actor o las de redactor y dibujante para una revista satírica." Así es como nos introducen Frits Gierstber, Carlos Gollonet y Françoise Reynaud, comisarios de la exposición, en la maravillosa muestra que acoge estos días la fundación MAPFRE y que lleva por título El Pintoresco Viejo París. 

Lo cierto es que Eugéne Atget, nacido en Libourne en 1857,   había fracasado en diversos intentos de acercarse al mundo del arte. Después de recorrer diversos países de África y América Latina  como marino mercante, intento ingresar sin éxito en el Conservatoire National de Musique et d'Art Dramatique, con la idea de convertirse en actor, profesión para la cual se creía dotado. Formó parte de una compañía teatral de provincias hasta que una afección de garganta le hizo renunciar de forma definitiva a la que creía su vocación. Es entonces cuando decide ser pintor y comienza a realizar dibujos, pero tampoco en ésto destaca y poco después, acuciado por las necesidades cotidianas, adquirió una vieja cámara de placas de 18x24 y empezó a realizar lo que el denominaba "documentos para artistas".

De este modo Atget, casi sin darse cuenta, empieza a documentar París, una ciudad que estaba llamada a desaparecer por la llegada de la modernidad. Su trabajo incluye no sólo un muestrario de la arquitectura de la ciudad, con sus patios, jardines y edificios, sino que se extiende más allá dando cabida también a los vehículos, escaparates y oficios, entre otras cosas. De hecho, el propio Atget estableció una división de su obra en cinco series principales: Topografía del viejo París, Paisajes-documentos, Alrededores, El arte en el viejo París y París pintoresco. 

Fue esta última serie la que hizo, que un fotógrafo como Atget,  anclado a la tradición, llamara la atención de aquellos que formaban el movimiento surrealista, que supo reconocer en su metódico trabajo una mirada nueva e innovadora. De éste modo jóvenes fotógrafos como Brassai, Man Ray, Cartier-Bresson o Berenice Abbot recibieron una gran influencia por parte de Eugène Atget, no sólo por su forma de componer sino también por la forma en que éste abordaba el tratamiento fotográfico de los lugares que plasmaba en imágenes, así como por su estética documental totalmente contraria a la fotografía artística que tanto despreciaban los surrealistas.

Las imágenes de la muestra, que son sin duda un referente para generaciones posteriores, incluso hoy en día, abarcan todos los temas reflejados por el autor y provienen,  de la Colección de la propia Fundación MAPFRE, del Musée Carnavalet-Historire de París y de los fondos de la George Eastman House de Rochester de Nueva York. Incluyen además el Álbum de Man Ray que es, por un lado, un compendio de los temas que preocuparon a Atget y, por otro, una buena pista para entender la fascinación de los surrealistas por su obra.

Fernell Franco

Algunos amigos que no viven en Madrid, me han pedido que les mostrara algo de las exposiciones que se están celebrando durante este mes en el circuito de PhotoEspaña. En principio no había pensado hacerlo ya que es mucha la información que circula por la red al respecto, pero entiendo que no todo el mundo tiene acceso a estas muestras así que intentaré reunir a algunos de los autores que forman parte de la exibición.

Me gustaría empezar por Fernell Franco y su "Cámara ardiente: prostitutas", cuya muestra se exibe en la Sala Minerva  del Círculo de Bellas Artes. Reproduzco el contenido del texto que acompaña a la exposición.

Fernell Fraco supo como ningún otro fotógrafo colombiano registrar la ciudad invisible que una sociedad esquiva de provincia no quería ver. Su trabajo se centra en las calles, recorre espacios abandonados y ambientes sociales marginados que, junto con sus procesos de revelado -que incluyen experimentación con químicos, tintas y collage-, ostentan un vigor artístico muy vanguardista en relación con la fotografía realizada en Latinoamérica a principios de la década de los setenta. Sus imágenes revelan urbes en proceso de descomposición, así como los seres transhumantes que las habitan. Los prostibulos e inquilinatos del barrio La Pilota, en el puerto de Buenaventura, ubicado en la costa Pacífica colombiana, son el escenario para la serie que se presenta en el marco de PhotoEspaña 2011.

La serie Prostitutas se expuso por primera vez en marzo de 1972 en Ciudad Solar, espacio interdisciplinario y experimental en torno a las artes visuales en el que confluían los intelectuales de la época en la ciudad de Cali. No se ha mostrado completa desde entonces. La serie original estaba compuesta por dieciséis imágenes que resultaron de un proceso casi etnográfico en el cual Franco se inmiscuyó en la cultura tropical y salsera del puerto. Con su aire tímido y amable, logró mimetizarse con ese trágico entorno de la prostitución, no para presentarlo en una versión sensacionalista de la miseria, sino para destacar esa belleza que se manifiesta en el deterioro y que está tan presente en ciudades de modernidad frustrada. El contraste, metáfora poética que nos revela su obra, está presente no sólo en imágenes en blancos y negros altamente marcados, sino también en una temática social que golpea al presentar la atmósfera decadente del puerto que suponía ser un emblema del desarrollo del país.

Las fotografías expuestas están cargadas de una estética "gótico-tropical", que estuvo igualmente presente en trabajos cinematográficos realizados en Cali entre las décadas de los setenta y ochenta, y aquí se manifiesta en los retratos de éstas mujeres vampiro que nos muestran su cuerpo, casi desnudo sobre catres de burdel en ambientes corroídos. Fernell Franco, y su oficio de tinieblas, destaca la sombra y ese deterioro negro que según él, tenía Buenaventura. Esa oscuridad lograda desde las tomas e intensificada en el laboratorio, será a lo largo de su obra síntoma de desaparición y olvido. El proceso fotográfico se vuelve entonces una alegoría para hablar del contexto retratado, una ciudad que desaparece, una urbe mutante que, como él mismo dijo, es víctima de "una violencia comparable a la que se vive contra los hombres".

Os dejo la página del autor para aquellos que deseen profundizar más en su obra.

http://fernellfranco.org/index.html

Cecilia del Val

Cecilia del Val  es una fotógrafa española afincada en Zaragoza, que si bien se dio a conocer hace relativamente poco tiempo, ya ha conseguido ser algo más que una joven promesa pues sus obras están presentes en casi todas las muestras y ferias de arte del territorio nacional e incluso en algunas del exterior.

En el año 2009 le fue concedido el primer premio de Estampa-Photográfica  de la Feria de Estampa en Madrid y un año antes había sido galardonada con el premio de Arte Santa Isabel de Portugal, por su trabajo, Nunca te prometí un jardín de rosas. 

En sus trabajos Cecilia se representa a si misma dentro de diversos escenarios que son construidos con infinito cuidado y detalle, como si se tratara de escenas de películas o recreaciones de cuentos soñados. Su interés por la literatura, el cine y la música están presentes en todas sus obras, así como una búsqueda de la propia identidad que a veces la lleva a desdoblarse en múltiples personajes dentro de un mismo entorno. La fantasía y el dolor están presentes en sus imágenes, como si fueran  una evocación de la vida a través de un sueño, lo cual les da un aire perturbador e inquietante que nos hace pensar y preguntarnos que hay detrás de esas escenas. De una manera conceptual, el discurso de Cecilia del Val nos lleva a cuestionarlos la propia identidad individual y el desdoblamiento de la misma a través de sus otros yos. 

Cecilia no deja nada a la improvisación, cada una de sus imágenes ha sido cuidadosamente pensada y estudiada, incluso llega a realizar maquetas previas a la ejecución de las fotografías. Del mismo modo selecciona las localizaciones que utilizará y el vestuario o atrezo necesario para realizar cada trabajo. También la postproducción de sus obras requiere de tiempo y paciencia hasta lograr el resultado deseado por esta artista, que no duda en utilizar, según ella casi obsesivamente, el PhotoShop para conseguirlo. 

Con un buen número de exposiciones individuales y colectivas realizadas a lo largo de su carrera y con obras presentes en colecciones tan importantes como las del Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid o el Museo de Bellas Artes de Santander, Cecilia del Val está representada por las Galerías Cámara Oscura de Madrid y   Spectrum Sotos de Zaragoza.

http://ceciliadeval.com/

МАТУШКА МЕДОУЗ

 

МАТУШКА МЕДОУЗ es el nombre artístico de Anna Shishkina, una artista rusa, nacida en San Petesburgo, que ha pasado por varias disciplinas artísticas. En el año 1994 creó un grupo de músicos callejeros, cómicos y animadores dedicados a la farsa. La empresa tuvo un gran éxito y creció hasta llegar a convertirse en un grupo teatral que ha actuado no sólo en Rusia, sino también en múltiples festivales europeos.

Al mismo tiempo y en paralelo a esta actividad, desde 1995 hasta el año 2000 trabaja como profesora de arte en el proyecto DDI nº1, con niños con síndrome de Down. También por esa época se inicia en la fotografía. 

Poco después monta su propio estudio, donde se dedica especialmente al retrato y a la ilustración fotográfica. Como podéis observar su trabajo, ciertamente interesante y realizado con gran cuidado de detalles tanto en la ejecución como en la postprodución, tiene grandes connotaciones pictorialísticas y en él se deja ver la influencia de su pasado teatral. 

Ha realizado múltiples exposiciones tanto en galerías rusas como extranjeras y en el año 2007 fue galardonada con el premio "Descubrimiento del año" en San Petesburgo, por su trabajo "Juego de Metamorfosis".

Dado que me ha resultado imposible encontrar información sobre esta fotógrafa escrita en otro idioma que no sea el ruso, y también que no existen demasiados traductores para esta lengua, espero haber cometido los menos errores posibles y os ruego me disculpéis por los que pueda haber. En cualquier caso estoy segura de que disfrutaréis con sus imágenes.

 

 

http://prophotos.ru/photographers/7596-matushka-medouz-%28shishkina-anna%29/images

Joel Peter Witkin

Antes que nada quiero advertir que las imágenes que se muestran a continuación pueden resultar algo agresivas para personas sensibles, sin embargo las fotografías de Witkin, aunque perturbadoras y grotescas generan una cierta atracción para quienes las contemplan.

Joel Peter Witkin nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York. Sus padres se divorciaron cuando el era muy joven debido a irreconciliables ideas religiosas ya que el padre era de procedencia judía y la madre católica. Este hecho y un accidente que presenció siendo pequeño en el que una niña resultó decapitada, marcarían su forma de trabajar y su visión de la vida.

Entre 1961 y 1964 trabajó como fotógrafo de guerra en la Guerra de Vietnam. En 1967 decide trabajar como freelance y se convierte en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. En 1974 obtiene un título en Artes en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn y consigue una beca de la Universidad de Columbia para realizar un Master de Bellas Artes en la Universidad de Nuevo Mexico, en Alburquerque.

Su trabajo, generalmente relacionado con temas de muerte, sexo, hermafroditas o personas con deformaciones físicas, suele en muchas ocasiones evocar pasajes bíblicos o pinturas famosas. En numerosas ocasiones ha provocado consternación en la opinión pública y le ha llevado a la marginación en el mundo artístico. Sin embargo también ha causado admiración en otros sectores. El poeta Charles Mann, actual editor asistente de The Photo Review ha comentado: “En algún lugar entre lo depravado y lo divino, Joel Peter Witkin ha creado un espacio que no ocupa ningún otro fotógrafo vivo.” “Lo que distingue a Joel Peter Witkin de sus contemporáneos es una inquietud y un deseo que le llevan a lugares temidos por otros, el lado oscuro donde cada resplandor es auténtico…..Witkin crea un arte que no se puede desechar o ignorar. De hecho alcanza la condición a la que aspira todo artista: nadie, al ver una imagen de Witkin, puede permanecer ambivalente.”

Aquellos que deseéis profundizar en la obra de este autor podréis encontrar un amplio reportaje en la web de “zonecero” la cual os aconsejo visitar asiduamente pues en mi opinión es una de las mejores páginas de fotografía que existen en la red. También podréis encontrar allí el artículo completo de Charles Mann, del cual han sido extraídos los párrafos que contiene esta entrada.

http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/witkin2/index.html