LA REVISTA TEMÁTICA DE CINE VERSIÓN ORIGINAL PRESENTA EN MADRID EL NÚMERO ESPECIAL 354 DEDICADO A PALESTINA

La revista de cine Versión Original comenzó su andadura en 1993 siendo en la actualidad la revista cultural más longeva de Extremadura.

Una publicación mensual donde todos los trabajadores desarrollan su labor de forma desinteresada, con el doble objetivo de la difusión cultural y la ayuda humanitaria. 

Coincidiendo con el “33 aniversario” de la revista la Fundación ReBross publica el número especial 354 dedicado a Palestina que se presentó en la Embajada del Estado de Palestina en España.

En los últimos cien años, cada vez que la humanidad ha estado al borde del colapso como ahora, el cine ha respondido brillando con mayor fuerza: en el neorrealismo italiano, en la Gran Bretaña thatcheriana, en el Irán de los años noventa del pasado siglo o en la Argentina de la primera década del presente, por sólo poner algunos ejemplos. Ahora, por el mundo, en una diáspora cultural que no es dispersiva, sino más bien, todo lo contrario, el cine palestino vuelve a hacer lo propio. Sin duda, este se erige, quizás no tan sorprendentemente como cabría esperar, en una de las luminarias del cine contemporáneo. En las páginas de Versión Original se lleva estudiando desde julio de 2024, antes del Óscar a No Other Land y más aún de la ovación histórica en el Festival de Venecia y del León de Plata a La voz de Hind. Por todo ello, “el limón maduro estaba”, como dice una canción de liberación palestina, para un número completo de Versión Original dedicado a una de las filmografías más deslumbrantes de nuestro presente.

Marce Apolo, Husni Abdel Wahed (Embajador de Palestina), Esther García y Paco Rebollo ©Conchita Meléndez

El genocidio cultural no pasará, los violentos no vencerán en él, y este número da cuenta de treinta razones concretas para ello; treinta películas que son treinta victorias concretas de la mejor resistencia, la de la cultura, de la Palestina hecha por los palestinos de origen, o por los de adopción. Palestina es una cultura de paz y de belleza, de una paz, la única posible, que sólo se puede construir sin armas y con cultura. Este número de Versión Original representa una concreta crónica de esa belleza y de esa paz, desconocida demasiadas veces para las masas, con el deseo de que los lectores la disfruten en tanto el fragor de las bombas y el rugido del hambre lo permitan.

Se pueden consultar todos los números de la revista en la página: 

https://fundacionrebross.org/revista-vo/

 

‘DES-CARADAS’, UNA EXPOSICIÓN QUE REIVINDICA EL PAPEL DE LA MUJER EN LA HISTORIA

Covadonga S. Leyva ©Conchita Meléndez

 

La artista Covadonga S. Leyva presenta Des-Caradas, una exposición que reivindica el papel fundamental de la mujer en la construcción del patrimonio histórico y cultural de España. La muestra, compuesta por diez retratos de gran formato, puede visitarse desde el 16 de enero hasta el 26 de abril en la Cátedra Cavanilles (Pabellón Villanueva) del Real Jardín Botánico-CSIC. El proyecto está comisariado por Juan Antonio Ramírez, con textos de Luis Fernández Cifuentes y coordinación y diseño de Natalia Dolz.

La inauguración contó con la presencia de diversas autoridades, entre ellas la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, el consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, y el concejal presidente del Distrito Centro del Ayuntamiento de Madrid Carlos Segura Gutiérrez, subrayando la relevancia institucional y cultural de la iniciativa.

Carlos Segura Gutiérrez, Mariano de Paco Serrano, Covadonga S. Leyva e Isabel Díaz Ayuso ©Conchita Meléndez

A lo largo de la historia, muchas mujeres que desempeñaron papeles clave en ámbitos como la política, el arte, la ciencia o la literatura han sido invisibilizadas, silenciadas o relegadas a un segundo plano, a menudo asociadas a figuras masculinas o reducidas a simples notas a pie de página. Des-Caradas nace precisamente con el propósito de cuestionar ese relato parcial y devolver protagonismo a mujeres cuya huella ha sido decisiva.

Covadonga S. Leyva e Isabel Díaz Ayuso

Según explica la propia artista, el proyecto surge de su interés, como mujer y como creadora, por reivindicar “el extraordinario papel histórico de las mujeres, tantas veces silenciado o desfigurado en los relatos de nuestro pasado”. Para Leyva, se trata de un homenaje contemporáneo a los logros políticos, sociales e intelectuales alcanzados por mujeres en épocas aparentemente dominadas por el poder masculino.

La directora del Real Jardín Botánico-CSIC, María-Paz Martín, ha calificado la exposición como “interesante y necesaria”, destacando que, aunque desde instituciones científicas y culturales se trabaja para rescatar estas figuras del olvido, aún es imprescindible darlas a conocer al gran público. En este sentido, ha agradecido que el proyecto se exhiba en un espacio comprometido con la igualdad y la visibilización del trabajo de las mujeres, especialmente en el ámbito científico.

Eugenia Martínez de Irujo ©Conchita Meléndez

Para esta muestra, C.S. Leyva ha seleccionado diez figuras femeninas ordenadas cronológicamente: Inés de Castro, Beatriz de Bobadilla, Isabel la Católica, Beatriz Galindo “La Latina”, Juana I de Castilla, Catalina de Aragón, la princesa de Éboli, la infanta María Teresa de Austria, la duquesa de Alba y Mariana Pineda. Los retratos, inspirados en técnicas del cuatrocento italiano y los primitivos flamencos, combinan precisión formal y una intensa luminosidad al servicio de lo enigmático y lo inquietante.

Una de las modelos posa ante su retrato de la Infanta María Teresa de Austria ©Conchita Meléndez

Un rasgo singular de la exposición es que ninguna de las modelos aparece identificada por su nombre, una decisión que parece buscar que la atención se centre en las figuras históricas representadas y no en la notoriedad contemporánea de quienes posan.

El acceso a la exposición es gratuito, con la entrada al Real Jardín Botánico. Des-Caradas se presenta así como una invitación a mirar de nuevo la historia y a reconocer el legado de mujeres que contribuyeron decisivamente a configurarla.

ORIOL MASPONS EL GRAN INNOVADOR DE LA FOTOGRAFÍA DEL SIGLO XX

 

La sala de fotografía de la Real Academia de Bellas artes de San Fernando recoge una pequeña muestra del trabajo de uno de los fotógrafos españoles más destacado del siglo XX. Son en total 12 fotografías que forman parte de los fondos de la Academia, más una selección de material bibliográfico y hemerográfico procedente de la colección Pedro Melero / Marisa Llorente.

Oriol Maspons supo reflejar la España profunda de finales de los años cincuenta. Dotado de un genuino sentido del humor y alimentado por el doble juego de inocencia y provocación, retrata los estratos sociales más humildes de la ciudad condal. Con el transcurso del tiempo, su trabajo inmortalizó a las primeras chicas hippies de Ibiza y a las señoritas de la élite social del movimiento de la Gauche Divine catalana de los años sesenta y setenta.

En 2011, Oriol Maspons (1928-2013) cedió al MNAC (Museo Nacional d'Art de Catalunya) su archivo fotográfico, compuesto por 7.000 imágenes en papel, negativos y diversos materiales, muchas de ellas inéditas. Tras ocho años catalogando y digitalizando su legado, el museo inauguró la exposición «Oriol Maspons, fotografía útil. 1949 – 1995», comisariada por Christina Zelich. Una gran retrospectiva que abarcaba cuatro décadas vistas a través de 530 instantáneas y 200 documentos que retratan con su particular lenguaje visual desde la Ibiza de los 50 hasta la isla de Cuba o la Sudáfrica de los 70, pasando por Las Hurdes de Cáceres o el barraquismo del Somorrostro sin dejar de capturar también las calles de París o Londres con fotografías nunca publicadas, como las del terremoto de Managua de 1972.

En esta nueva exposición no podremos ver esa gran muestra que se le dedicó en Cataluña, la pequeña sala en la que se exhiben sus imágenes no lo permite, pero al menos nos encontramos con algunas de sus fotos más icónicas y también con algunos de los libros de autor  y con aquellos otros a los que les puso portada o incluso colaboró a incrementar su valor con sus imágenes, como es el caso de Poeta en nueva York, de Federico García Lorca o La ciudad y los Perros, de Mario Vargas Llosa. 

Autor de libros y portadas de discos, colaborador de revistas como La Gaceta Ilustrada ,  Destino , Triunfo , Interviu , Boccaccio o Paris-Match ; Oriol Maspons convirtió su afición en profesión, demostrando con su obra que fue uno de los grandes innovadores de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

La exposición podrá visitarse del 17 de diciembre 2025 - 12 de abril de 2026

PICASSO Y KLEE EN LA COLECCIÓN DE HEINZ BERGGRUEN

 

Tras la inauguración hace unos días de la exposición Warhol, Pollock y otros espacios Americanos, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen, una muestra realizada junto al Museum Berggruen de Berlín que revela la conexión artística entre dos genios del arte moderno, Pablo Picasso y Paul Klee.

Pablo Picasso

Arlequín sentado, 1905

Sin duda son dos duelos que merece la pena visitar. Si en el primero nos enfrentamos a una visión entre el arte abstracto y el arte figurativo, en esta ocasión es más difícil delimitar las diferencias entre ambos artistas. Paul Klee fue un pintor alemán nacido en Suiza,  cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Pablo Picasso por su parte, malagueño de nacimiento y creador del cubismo, a lo largo de su extensa carrera, experimentó con una gran variedad de estilos, incluyendo el expresionismo, el surrealismo y el academicismo. Así pues aunque ambos poseían personalidades muy distintas  coincidieron en determinados momentos en su forma de ver y de expresar el mundo.

Paul Klee

Despertar, 1920

Pablo Picasso

Naipes, tabaco, botella y vaso, 1914

A ambos les une el espíritu de experimentación, la facilidad para el dibujo, el interés por los mismos géneros y temas, la inclinación por la sátira y el sarcasmo como medio de transgresión y la deformación de las formas y el cuerpo humano. A través de un lenguaje plástico cargado de radicalidad, contribuyeron a transformar la manera de mirar y acercarse al mundo, dejando una profunda impronta en el desarrollo del arte contemporáneo.

Paul Klee

Dama con lacre, 1930

Comisariada por Paloma Alarcó, jefa de Pintura Moderna del Museo Thyssen, y Gabriel Montua, director del Museo Berggruen, la exposición rinde homenaje al legado de Heinz Berggruen, uno de los marchantes y coleccionistas más relevantes del siglo XX, a través de más de 60 obras, la mayoría de ellas pertenecientes al museo alemán. Cuenta, además, con la colaboración de la Comunidad de Madrid.

Pablo Picasso

Dora Maar con uñas verdes, 1936

Con motivo de la remodelación de su edificio, el Museo Berggruen ha organizado desde 2022 una serie de exposiciones internacionales en Japón, China, Australia y en Europa para mostrar lo más destacado de su colección. En el caso del Museo Thyssen, se propone un diálogo visual e intelectual entre estos dos artistas, los favoritos del coleccionista.

La exposición se podrá visitar del 28 de octubre de 2025 al 1 de febrero de 2026 en las salas de las exposiciones temporales de la primera planta.

WARHOL, POLLOCK Y OTROS ESPACIOS AMERICANOS

 

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organiza una exposición que reúne la obra de Andy Warhol y Jackson Pollock, dos nombres clave en el arte del siglo XX, quienes plantean problemas relacionados con las nuevas estrategias espaciales. Se trata de dos figuras extraordinariamente complejas, en apariencia muy distintas, pero unidas, igual que otros artistas de esa generación también presentes en la muestra, por sus preocupaciones hacia los cambios en la tradición pictórica, lo espacial y, en algunos casos, el uso de los grandes formatos.

En opinión de Guillermo Solana hay tres razones para que esta exposición sea especial e imprescindible. La primera de ellas es que Pollock no había tenido nunca una exposición propia en España, si bien en 2016 el Museo Picasso de Málaga expuso la obra monumental “Mural” dentro de una exposición titulada ‘La energía hecha visible’, ésta sería la primera vez que se muestran varias de sus obras en un mismo espacio y además se da la circunstancia de que el Museo Thyssen-Bornemisza es el único lugar en nuestro país en el que Pollock está representado, ya que posee la obra Marrón y plata I.

En segundo lugar, hay que apreciar que si bien ha habido varias exposiciones de Warhol en España, incluso en Madrid, se da la coincidencia de que la actual comisaria Estrella de Diego ya había comisariado otra muestra de este autor en nuestro territorio, Warhol sobre Warhol (La Casa Encendida de Madrid, 2007). Y también vivió en primera persona aquella primera y mítica exposición  Pistolas, Cuchillos, Cruces,  una exhibición creada para el galerista Fernando Vijande que supuso un símbolo de apertura para el arte contemporáneo y ubicó a España dentro del exclusivo circuito artístico internacional.

En los últimos años ha habido una cierta banalización del trabajo de Warhol y se ha tendido más a convertir sus exposiciones en meros espacios con intereses comerciales que auténticas muestras de su obra. El Thyssen-Bornemisza vuelve a los orígenes para traer algunas de las obras más significativas del autor, en las que no solo podremos ver su trabajo figurativo sino también algunas de los cuadros abstractos que realizó y que en algunos aspectos tienen ciertas similitudes con el trabajo de Pollock, de tal modo que podría decirse que la exposición está concebida como Warhol mirando a Pollock. 

Y en tercer lugar y quizás la más importante de las razones para visitar la muestra es el hecho de haber juntado a estos dos grandes artistas con otros contemporáneos suyos, como Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Marisol Escobar, Sol LeWitt,  Cy Twombly, Robert Rauschenberg  o Mark Rothko. Es esta una exposición que cuestiona el canon del arte moderno. Pintura sin imagen en el caso de Pollock e imagen sin pintura en el caso de Warhol. 

Es también una exposición con la que la comisaria, Estrella de Diego llevaba veinte años soñando. Escritora, investigadora y catedrática de la Universidad Complutense de Madrid, Estrella de Diego es Académica de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y además de haber comisariado múltiples exposiciones, es autora de varios libros entre los que se encuentra Tristísimo Warhol, publicado por al editorial Anagrama en 1999, en el que se hace mención a la una mítica frase de Andy Warhol: «Quiero ser tan famoso como la reina de Inglaterra», comentaba Warhol. Esta frase, banal en apariencia, podría estar cargada de significados. No quiere ser el presidente de Estados Unidos, ni un millonario, ni una estrella: aspira a ser la reina de Inglaterra. Quiere, en suma, tener un pasado no solo con testamento, sino con testamento ante notario. No quiere ser únicamente famoso o rico: aspira a crear un pasado lleno de pasado –el que reproduce en su casa– y quiere, además, ser inglés, ajustándose al mito por excelencia de glamur en América.

La exposición que podrá visitarse desde el 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026 reúne más de cien obras, muchas nunca vistas en España. Proceden de una treintena de instituciones de Norteamérica y Europa y el recorrido de la muestra abarca seis salas que permiten revisar la ruptura que tradicionalmente ha establecido la historia del arte entre la abstracción y la figuración del arte pop, mostrando conexiones y diálogos entre ambas. 

Para la ocasión se ha realizado un catálogo con el apoyo de la Pollock-Krasner Foundation, con textos de Estrella de Diego y Patrick Moore ex director de The Warhol Musseum. 

Fotos de Sala ©Conchita Meléndez

LAS FERIAS DEL CAMPO. PAISAJES Y ARQUITECTURAS MODERNAS EN LA CASA DE CAMPO

 

Aunque todos hemos echado un vistazo a la Historia en algún momento de nuestra vida, bien de niños al estudiar, o bien de adultos por puro interés, lo cierto es que conocemos mejor lo ocurrido hace varios siglos que los hechos  más recientes transcurridos en el último siglo. Sobre todo en lo referente a nuestra propio país. 

El Museo ICO nos ofreció en el 2024 una interesantísima exposición sobre los pueblos de colonización en España en el siglo XX, comisariada por Ana Amado y Andrés Patiño, en la que se mostraba una parte de esa historia totalmente desconocida para las nuevas generaciones y casi olvidada por nuestros padres y abuelos y que sin embargo forma parte de nuestras raíces. 

Este año vuelve a mostrarnos otra parte de nuestra historia con la exposición ‘Las Ferias del Campo’, un recorrido por apenas 25 años del pasado siglo, pero que tuvo un gran impacto no solo en la capital, sino también en el resto de España e incluso resultó una apertura hacia otros países. Y es que a pesar del subtítulo de la exposición: ‘Paisajes y arquitecturas modernas en la Casa de Campo’, esta muestra es mucho más que una exhibición de arquitectura, es un recordatorio de las políticas llevadas a cabo durante la dictadura, de las tradiciones y costumbres de las distintas regiones españolas, y de la necesidad de esparcimiento de las clases populares.  

Comisariada por el arquitecto José de Coca Leicher la muestra nos ofrece una honda y rigurosa mirada sobre lo que fue el recinto ferial de la Casa de Campo, del que aún quedan algunos vestigios y en el que confluyeron arquitectura, arte, paisaje y modernidad entre los años 1950 y 1975. 

Como una continuidad de las ferias de ganadería, la Feria del Campo se concibió como un lugar de reunión para agricultores, ganaderos y público en general. Era el lugar al que se acudía para conocer los avances tecnológicos en materia de todo aquello que pudiera mejorar el trabajo agrícola, para exhibir los mejores ejemplares de nuestra cabaña ganadera y también para que el público pudiera disfrutar de un tiempo festivo, regocijándose con danzas costumbristas y cocina regional de los distintos puntos de España. 

Las Ferias del Campo parte de una investigación que documenta 115 pabellones proyectados a lo largo de varias décadas, 61 de los cuales aún se conservan en el recinto. El recinto, diseñado por Francisco de Asís Cabrero, se inauguró en 1950,  para acoger la primera Feria Nacional del Campo. Su trazado original incluía arquitecturas de arcos y bóvedas de ladrillo, con una estética moderna y radicalmente distinta a los lenguajes de la arquitectura española del momento. Entre 1953 y 1975, el recinto se amplió para acoger nuevas ediciones de la Feria Internacional del Campo, organizadas por la Delegación Nacional de Sindicatos, en paralelo al fin de la autarquía. Sobre ese trazado paisajista se construyeron pabellones proyectados por jóvenes arquitectos, convirtiendo el espacio en un auténtico “laboratorio de arquitecturas”. Entre ellos se encontraban Miguel Fisac, Alejandro de la Sota, José Antonio Corrales o Ramón Vázquez Molezún. 

La muestra también explora la colaboración entre arquitectos y artistas, responsables de las artes decorativas de los pabellones, otro de los grandes atractivos de las ferias. Entre ellos destacan los pintores Carlos Pascual de Lara, Antonio Rodríguez Valdivieso, Antonio Lago Rivera, Amadeo Gabino, Manuel Suárez-Pumariega Molezún o Jesús de la Sota.

La exposición reúne más de 300 piezas: fotografías, planos, maquetas, documentos inéditos y obras de arte y se podrá visitar hasta el 11 de enero de 2026. La muestra viene acompañada de una publicación, editada por la Fundación ICO en colaboración con Ediciones Asimétricas, que recoge las claves de la rigurosa investigación desarrollada en torno al recinto ferial de la Casa de Campo de Madrid.

Fotografías © Conchita Meléndez