EL DALÍ MÁS GRANDE DEL MUNDO

 

El Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes muestra de manera integral y por primera vez en España los telones originales, diseñados y pintados por Salvador Dalí para el ballet Bacchanale. Salvador Dalí calificó Bacchanale como el primer ballet paranoico. Él mismo escribió el libreto y diseñó los decorados y el vestuario. La obra, desarrollada con la compañía del Ballet Russe de Montecarlo, se estrenó el 9 de noviembre de 1939 en el Metropolitan Opera House de Nueva York. El éxito de Bacchanale fue rotundo y permaneció en el repertorio desde 1939 hasta 1941, siendo representado de nuevo en 1945 y posteriormente en 1967, esta vez en Mónaco, última vez que se tuvo la oportunidad de ver.

En este ballet, Dalí colaboró con Léonide Massine, coreógrafo y director de la compañía. La producción contó con otras figuras de renombre como Coco Chanel, que trabajó en la realización de parte del vestuario y de los accesorios, así como Barbara Karinska, que fue quien finalmente los confeccionó. En cuanto al decorado lo realizaron en estrecha colaboración Salvador Dalí y el príncipe Alexandre Schervachidze, quien trabajó con gran fidelidad a partir de la maqueta realizada por el artista. La música del ballet consistió en una adaptación de la ópera Tannhäuser de Wagner.

Dalí pensó el espectáculo como una trilogía que incluía también los ballets Laberinto y Sacrificio, de los cuales solo el primero se llevó a cabo. En Laberinto se escenificaba el “resurgir de la tradición”; Bacchanale se planteaba como la representación de un “caos romántico” y Sacrificio concluía con el “triunfo de la religión y de los valores espirituales”.

Bacchanale relataba la llegada de Luis II de Baviera, protagonista de la obra y personaje histórico, al Monte de Venus. A lo largo del ballet, Luis II, en su locura, se identificaba con Tannhäuser, protagonista de la leyenda medieval en la que se inspiró Wagner y que Dalí interpretó a través de su método paranoico-crítico y del psicoanálisis de Sigmund Freud. En este sentido, el solapamiento de personajes e imágenes no solo se hace patente en la narración sino también en el propio decorado, enmarcado en la pintura que Dalí estaba realizando desde los años treinta donde la iconografía adquiere una gran potencia simbólica con numerosas posibilidades de lectura.

El decorado de Dalí incluye un telón y cuatro lienzos que refuerzan la perspectiva, con el Monte de Venus como elemento central, vinculado al mito de Leda y el pecado femenino. La composición integra referencias renacentistas, como Los Desposorios de la Virgen de Rafael, y contrastes entre amor y muerte, acompañados por detalles característicos como calaveras inquietantes, cajones alusivos al inconsciente y figuras fantasmagóricas. Dalí emplea recursos de la pintura flamenca del siglo XV y del Renacimiento para explorar los límites de la visión, solapando imágenes que combinan lo sensual con lo espectral. El decorado teatral refleja su interés por la mirada como un juego de ambigüedades y superposiciones.

Tras el cierre del Ballet Russe de Montecarlo en 1968, los decorados fueron donados a la Universidad Butler, aunque el cisne de madera que formaba parte de la escenografía y que medía más de 6 metros de altura fue destruido para reducir espacio de almacenaje ya que no cabía en la caja que contenía el resto del material. 

Esta exposición podrá visitarse en horario de 11 a 14h.

Para acceder a la exposición deberá disponer de una entrada general.

Junto a la exposición y bajo la dirección de Jaime Vallaure y la coreografía de Tania Arias, se llevará a cabo una experiencia daliniana única: un ballet performativo que contextualiza la creación de esta invención daliniana, reinterpretando algunas de sus partes más significativas. A través de una interpretación visual y sensorial, la danza se adentrará en el universo surrealista de Dalí, fusionando el arte del movimiento con su innovadora visión artística. La propuesta busca capturar la esencia de su obra, envolviendo al público en una experiencia inmersiva que estará profundamente impregnada por el genio creativo de Salvador Dalí. Una oportunidad única para explorar su fascinante mundo de manera diferente y emocionalmente intensa.

La representación estaría catalogada entre danza y performance y será realizada por Jaime Vallaure, Tania Arias Winogradow y María Santuzzo. El Diseño de vestuario, máscaras y atrezzo son de  Rafael Suarez y el Diseño de iluminación y coordinación técnica es de  Clavija Estudio (Inés de la Iglesia- Carlos Carpintero)

Fechas de la visita teatralizada: 22, 26, 27, 28, 29, 30 de diciembre y del 2, 3, 4, 5, 6 de enero.

Horario: 19 a 20h

Entrada: durante la visita teatralizada el acceso a la exposición será gratuito previa retirada de invitación.

Fotografías © Conchita Meléndez

LA FUNDACIÓN MOP INAUGURA EN A CORUÑA LA MAYOR RETROSPECTIVA DEL FOTÓGRAFO IRVING PENN PRESENTADA HASTA LA FECHA EN ESPAÑA

 

Glove and Shoe, New York 1947 © Conde Nast

La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) abre al público su cuarta gran exposición: Irving Penn: Centennial, organizada por The Metropolitan Museum of Art de Nueva York en colaboración con la Fundación Irving Penn y comisariada por Jeff L. Rosenheim, comisario Joyce Frank Menschel a cargo del área de Fotografía de The Met. La muestra, la más completa de este prolífico fotógrafo mostrada nunca en nuestro país, podrá visitarse hasta el 1 de mayo del próximo año en el centro de exposiciones de la Fundación MOP situado en la zona portuaria de A Coruña. 

Black and White Fashion with Handbag (Jean Patchett). New York, 1950 © The Irving Penn Foundation

Irving Penn: Centennial, creada en 2017 con motivo del centenario del nacimiento del artista, celebra su incomparable carrera en toda su amplitud; desde sus comienzos a finales de la década de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Compuesta por más de 160 fotografías y otras piezas únicas, como el telón de fondo que utilizaba en su estudio, la exposición abarca todas las facetas de la prolífica obra de Penn: fotografías de moda; exquisitos desnudos y composiciones florales; los bodegones por los que sintió predilección toda su vida; muchos de los retratos de personalidades que le valieron la fama; o sus series fotográficas de gente corriente tomadas en distintos rincones del mundo.

Cigarrete nº 37, New Yorl 1972 © Irving Penn Foundation

Doug, Hell's Angel, San Francisco 1967 © Irving Penn Foundation

Más conocido por su fotografía de moda, el repertorio de Penn también incluye retratos de grandes creativos; fotografías etnográficas de todo el mundo; bodegones modernistas de alimentos, huesos, botellas, metales y objetos encontrados; y ensayos fotográficos de viaje. Penn fue uno de los primeros fotógrafos en plantear sujetos contra un fondo gris o blanco, dando de esa manera más simplicidad a la escena y mayor protagonismo a los modelos.  Al expandir sus austeros entornos de estudio, construyó un conjunto de fondos en ángulo vertical que en ocasiones colocaba  para formar una esquina aguda en la que situar a los retratados. Los sujetos fotografiados con esta técnica incluyeron a Martha Graham, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georgia O'Keeffe, W. H. Auden e Igor Stravinsky. 

Marlene Dietrich, New York 1948 © Irving Penn Foundation

Las composiciones de naturalezas muertas de Penn están compuestas por  ensamblajes de alimentos u objetos que articulan la interacción abstracta de línea y volumen, mostrando una gran visión sobre los detalles. El alto grado de contraste de sus imágenes en blanco y negro también contribuyo a delinear las formas. 

Naomi Sims in Scarf, New York 1969 © Irving Penn Foundation

Woman in chicken hatt, New York 1949 © Irving Penn Foundation

Con motivo de la llegada de Irving Penn: Centennial a A Coruña, la Fundación MOP, además, edita en exclusiva el catálogo en español de la exposición, un imprescindible para cualquier admirador de la obra del artista o de la historia de la fotografía del siglo XX. Este volumen ofrece una de las selecciones más amplias de las fotografías de Penn –casi 300 en total–, incluyendo tanto sus imágenes más icónicas como obras inéditas, y una serie de ensayos que permiten conocer los principales temas y trabajos del fotógrafo.  

Three Asaro Mud Men, New Guinea, 1970 © The Irving Penn Foundation

Rochas Mermaid Dress (Lisa Fonssagrives-Penn), Paris, 1950 © Condé Nast

Irving Penn: Centennial podrá visitarse desde el sábado 23 de noviembre hasta el 1 de mayo de 2025 en el Centro MOP del Muelle de Batería. 

Como cada año, los visitantes descubrirán una nueva escenografía en la nave y en el espacio exterior de la Fundación MOP diseñada específicamente para la exposición.

Mouth (for L’Oréal), New York, 1986 © The Irving Penn Foundation

Además, en el interior del Silo, la Fundación MOP reabre su librería especializada en fotografía, moda, diseño y otras disciplinas artísticas: MOP – The Bookstore.

EL MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA EXPONE UNA RETROSPECTIVA DE LA GRAN PINTORA EXPRESIONISTA GABRIELE MÜNTER

 

Gabriele Münter es quizás una gran desconocida para muchos de nosotros a pesar de que fue una de las fundadoras del movimiento Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español), que fue el nombre de un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en 1911 que transformó el expresionismo alemán. También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo, así como los movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo.

Naturaleza muerta delante de la casa amrilla, 1953 © Gabriele Münter

En España, únicamente el Museo Thyssen-Bornemisza, que posee en su colección cuatro obras de la artista, ha expuesto alguna de las pinturas de la misma y ahora nos ofrece una completa retrospectiva que podrá visitarse hasta el 9 de febrero de 2025.

Lucha contra el dragón, 1913 © Gabriele Münter

Niña dormida, 1934 © Gabriele Münter

La exposición es fruto de un proyecto de colaboración del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con The Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation y la Städtische Galerie am Lenbachhaus und Kunstbau de Múnich y cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid y de la Art Foundation Mentor Lucerne. Tras su paso por Madrid, se presentará en el Musée d’Art Moderne de París.

Señora escribiendo en un sillón, 1929 © Gabriele Münter

A través de 145 pinturas, dibujos, grabados y fotografías, esta exposición se propone descubrir no solo su trabajo y la riqueza de su obra, sino también a una artista que se rebeló contra las limitaciones que se cernían sobre las mujeres de su época y que consiguió convertirse en una de las figuras sobresalientes del expresionismo alemán a comienzos del siglo XX. A lo largo de su extensa carrera, Münter demostró en numerosas ocasiones su capacidad de adaptación, su incansable deseo de experimentación y su falta de prejuicios ante lo nuevo o diferente. En sus pinturas, de líneas precisas y colores intensos, la artista sumerge al espectador en su mundo privado y, con su aguda mirada, presenta a amigos, amantes, objetos cotidianos, paisajes, o a ella misma, reducidos a su esencia. Y aunque cuando hablamos de expresionismo tendemos a pensar en lo apocalíptico, Gariele no es una pintora dramática sino que por el contrario nos encontramos con una pintora lírica que en sus obras canta al campo, a las casas de los campesinos, a los lugareños. 

Esta mujer de clase media alta, que viajo desde muy joven por diversos países incluido Estados Unidos donde intentó reencontrar sus raíces no duda en utilizar otros instrumentos además de la pintura para capturar la esencia de los lugares que visita. Así en su búsqueda de identidad por tierras americanas a finales del siglo XIX, llevó consigo una cámara Kodak Bull’s eye, que apenas habían empezado a comercializarse una década antes de la llegada de Gabriele Münter a Estados Unidos. Este instrumento no solo le sirve para captura imágenes sino que además es un soporte para convertir dichas imágenes en pinceladas que impregnarán sus lienzos. 

Futuro (Mujer en Estocolmo), 1917 © Gabriele Münter

También entre los años 1904 y 1908 viajó con el que fuera su compañero de profesión y de vida en aquel momento Vasili Vasílievich Kandinski, por África y por Europa, estableciendo su residencia en París durante un par de años. Fue allí donde Münter vio los cuadros de Henri Matisse y otros fauvistas, lo que cambió su estilo a largo plazo. A partir de 1908 su forma de ver es diferente, el color se libera, las formas se sintetizan y se aplanan, de alguna forma todo se simplifica. Münter comienza a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación.

Paseo en Barca, 1910 © Gabriele Münter

En 1909 Münter compró una casa en Murnau am Staffelsee, donde pasó los veranos con Kandinsky y donde recibieron a numerosos artistas del vanguardismo muniqués como Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Franz Marc, August Macke y el compositor Arnold Schönberg. Münter y Kandinsky vivieron juntos hasta que durante la Primera Guerra Mundial Kandinsky se vio forzado a salir de Alemania por ser ciudadano de una potencia enemiga. Entre 1915 y 1920, Münter vivió en Escandinavia. Su último encuentro con Kandinsky ocurrió en 1916 en Estocolmo.

A partir de 1920 y durante casi una década Münter prácticamente dejo de pintar, aquejada por una fuerte depresión. A su regreso a Alemania su círculo cercano de artistas se había desvanecido, incluyendo a Kandinsky, que había regresado a Rusia durante la guerra e iniciado allí una nueva relación. Sin un domicilio fijo, Münter se centra en esos años en su faceta de dibujante y en retratar a las mujeres libres y emancipadas a las que frecuentaba.

Es en 1932, tras su regreso a  su casa en Murnau, donde vivió con el historiador de arte Johannes Eichner, cuando de nuevo vuelve a pintar, aunque ahora su obra consista sobre todo en flores y obras abstractas. 

Durante la Segunda Guerra Mundial, Gabriele Münter escondió más de 80 obras de Kandinsky y otros miembros de Der Blaue Reiter, además de obras propias, salvándolas de la destrucción. Estas pinturas las regaló en 1957, con motivo de su ochenta cumpleaños, a la ciudad de Múnich, donde ahora son exhibidas en la Lenbachhaus, célebre museo alemán. Su casa es hoy en día un museo.

Imágenes de sala: © C. Meléndez

q v c m v ¿Qué ves cuando me ves?

 

Raúl y Emir © Carmen Ballvé

Algunos temas son más complicados de fotografiar que otros, porque requieren de una especial sensibilidad, porque hay que conseguir un balance entre profesionalidad y empatía o simplemente porque cuando se hace un trabajo sobre colectivos con discapacidad se persigue un doble objetivo, el primero de los cuales sin duda es conseguir concienciar a la sociedad de los problemas de estos colectivos y de la forma en que se puede ayudar a paliar sus necesidades. El segundo objetivo es retratar a estas personas desde la dignidad y porque no desde la belleza. 

Tommy © Carmen Ballvé

Pepe & Hermanos © Carmen Ballvé

Hoy se ha inaugurado en la Sala Anselma del Ateneo de Madrid una exposición que lleva por título ¿Qué ves cuando me ves? Se trata de un proyecto fotográfico sobre personas con síndrome de Down realizado por la fotógrafa Carmen Ballvé y comisariado por María Millán, en el que sin duda se cumplen todos los requisitos ya expuestos. 

Sonia © Carmen Ballvé

El proyecto que se completa con un fotolibro y dos mesas de debate moderadas por Lola Arias, divulgadora y fundadora de la asociación “No te quedarás atrás”, en las que se abordarán temas fundamentales en relación con el síndrome de Down, está compuesto por 80 retratos de personas con síndrome de Down de distintas edades, en algunas de las cuales posan con sus familias. 

Mariana © Carmen Ballvé

Carmen Ballvé comenzó este proyecto hace ya algún tiempo cuando su hermana que padecía Síndrome de Down desarrolló alzheimer. En principio su idea era hacer un seguimiento de como esa terrible enfermedad iba cambiando la vida de su hermana y también de la familia. Al contactar con asociaciones que llevan tiempo ocupándose de este tipo de problema, pues según los datos científicos publicados, las personas con síndrome de Down tienen una probabilidad del 90% de desarrollar la enfermedad de Alzheimer a la edad de 55 años en comparación con el 12% la población general que desarrolla la enfermedad a los 65 años, Carmen decidió extender su proyecto y empezó a fotografiar a los miembros de este colectivo. Lógicamente su cercanía al problema y el haber vivido la experiencia en su propia familia la ha facultado para realizar los retratos expuestos con una especial mirada que invita a reflexionar sobre la diversidad y la inclusión de las personas con síndrome de Down.

Todas las personas que han formado parte de este proyecto tienen gran experiencia en los distintos oficios necesarios para llevarlo a cabo. Carmen Ballvé es una fotógrafa con una sólida proyección internacional que ha expuesto en Nueva York, Londres y Edimburgo entre otras ciudades. También ha colaborado con varios periódicos y revistas españolas. 

Lola Arias es escritora y divulgadora sobre discapacidad intelectual, así como fundadora de la asociación “No te quedarás atrás”. Es además madre de un niño con síndrome de Down.

Carmen Ballvé y Lola Arias © C. Meléndez

En Cuanto a María Millán tiene una amplia experiencia en el comisariado de exposiciones y cuenta en su haber con proyectos como: Malick Sidibé en: La joie de vivre, 2023; George Platt Lynes en: George Platt Lynes, 2022; Unai San Martín en: Nostos, 2022; la exposición ‘Centenario Surrealista’ en PhotoEspaña 2024 o el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León que se lleva celebrando en Palencia desde cuatro años, en los que los dos últimos ella ha sido la comisaria. 

Goya x Lita Cabellut. Misera humanidad, la culpa es tuya.

 

Mañana día 30 La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando abrirá al público una de las exposiciones más esperadas del año en la que la artista multidisciplinar Lita Cabellut, de origen español pero residente en los Países Bajos,  rinde un homenaje a los Disparates de Goya. A la presentación de la muestra esta mañana ha acudido la Reina Letizia, a la que la une una gran amistad con la artista y el ministro de Cultura, Ernest Urtasun. 

Goya x Lita Cabellut es una lectura artística de los Disparates que excede lo convencional, sobrepasa la osadía de las miradas más temerarias, desborda los confines de nuestros principios, expone las incertidumbres por lo que está por venir; porque la capacidad subyugante de su arte nos obliga a vapulear los cimientos sobre los que analizar nuestro propio tiempo. La obra de Lita atraviesa y desata nuestras emociones, nos conmueve e inquieta, nos llena de dudas y nos hace soñar.

Cuando a los 13 años Lita Cabellut descubrió por primera vez la obra de Goya quedo totalmente cautivada por las pinceladas del pintor pero sobre todo por la forma en que era capaz de asimilar la realidad y de trasladarla al lienzo. Ahora bajo el subtítulo ‘Mísera humanidad, la culpa es tuya’, descubrimos a dos creadores capaces de ver el mundo de una manera diferente, de interpretar la realidad que les rodea haciéndose preguntas poco convencionales, donde su arte les proporciona una vía de análisis y reflexión capaz de reciclar, renovar y reinventar la interpretación que hacen de su entorno y de los cambios que se producen en él. 

La exposición que se presenta ahora en la Real Academia podemos entenderla como una conversación que anhela adentrarse en el misterio y hermetismo de los Disparates. Una obra que une a dos artistas, que dos siglos después, revisan juntos los conceptos y valores de la condición humana. Dos procesos creativos con una misma ambición; revisar los valores de una sociedad en crisis. Son dos miradas que analizan el alma del ser humano. Un diálogo entre Francisco de Goya y Lita Cabellut que nos hablan de miedo, de envidia, de amistad, de amor, de violencia, de ideología, de política, del caos, de la vejez, de ambición, de poder, de lealtad. Pero estos dos artistas también nos muestran que, incluso en medio del caos y la violencia, siempre existe la posibilidad de redención.

El origen del trabajo de Lita sobre los disparates es pura casualidad, y parte de una carpeta verde, que figura a la entrada de la exposición custodiada en una vitrina, y que la artista adquirió en la  librería Bardón hace unos años cuando se produjo una inundación en el local. Se trataba de una segunda edición de los Disparates de Goya realizados entre 1875 y1877. Fue a partir de esa adquisición cuando ya en su taller Cabellut empezó a sentir la inmensidad de la labor de Goya a quien describe como el  periodista más arrojado de este país. La artista ha subrayado la labor del comisario Eloy Martínez de la Pera, sin cuya colaboración no habría sido posible esta exposición ya que ambos han trabajado en total armonía al tener los mismos criterios de ética, de estética y de belleza. También ha resaltado la necesidad de que los padres lleven a sus hijos a museos, a teatros, a las fuentes de la cultura que les ayudarán a formarse hoy para el mañana. 

Lita Cabellut, nacida en Aragón al igual que Francisco de Goya,  es una artista de campo amplio que vive y trabaja en los Países Bajos, donde fue reconocida Artista del Año 2021. Su condición de artista en plenitud hace que su actividad artística se desarrolle en múltiples disciplinas. Es reconocida por ser la tercera artista española más cotizada y sus trabajos han sido expuestos en numerosos museos alrededor del mundo.

Fotografías: © Conchita Meléndez