Cabecera La Mirada Fotográfica

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martes, 29 de octubre de 2024

Goya x Lita Cabellut. Misera humanidad, la culpa es tuya.

 

Mañana día 30 La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando abrirá al público una de las exposiciones más esperadas del año en la que la artista multidisciplinar Lita Cabellut, de origen español pero residente en los Países Bajos,  rinde un homenaje a los Disparates de Goya. A la presentación de la muestra esta mañana ha acudido la Reina Letizia, a la que la une una gran amistad con la artista y el ministro de Cultura, Ernest Urtasun. 


Goya x Lita Cabellut es una lectura artística de los Disparates que excede lo convencional, sobrepasa la osadía de las miradas más temerarias, desborda los confines de nuestros principios, expone las incertidumbres por lo que está por venir; porque la capacidad subyugante de su arte nos obliga a vapulear los cimientos sobre los que analizar nuestro propio tiempo. La obra de Lita atraviesa y desata nuestras emociones, nos conmueve e inquieta, nos llena de dudas y nos hace soñar.



Cuando a los 13 años Lita Cabellut descubrió por primera vez la obra de Goya quedo totalmente cautivada por las pinceladas del pintor pero sobre todo por la forma en que era capaz de asimilar la realidad y de trasladarla al lienzo. Ahora bajo el subtítulo ‘Mísera humanidad, la culpa es tuya’, descubrimos a dos creadores capaces de ver el mundo de una manera diferente, de interpretar la realidad que les rodea haciéndose preguntas poco convencionales, donde su arte les proporciona una vía de análisis y reflexión capaz de reciclar, renovar y reinventar la interpretación que hacen de su entorno y de los cambios que se producen en él. 



La exposición que se presenta ahora en la Real Academia podemos entenderla como una conversación que anhela adentrarse en el misterio y hermetismo de los Disparates. Una obra que une a dos artistas, que dos siglos después, revisan juntos los conceptos y valores de la condición humana. Dos procesos creativos con una misma ambición; revisar los valores de una sociedad en crisis. Son dos miradas que analizan el alma del ser humano. Un diálogo entre Francisco de Goya y Lita Cabellut que nos hablan de miedo, de envidia, de amistad, de amor, de violencia, de ideología, de política, del caos, de la vejez, de ambición, de poder, de lealtad. Pero estos dos artistas también nos muestran que, incluso en medio del caos y la violencia, siempre existe la posibilidad de redención.




El origen del trabajo de Lita sobre los disparates es pura casualidad, y parte de una carpeta verde, que figura a la entrada de la exposición custodiada en una vitrina, y que la artista adquirió en la  librería Bardón hace unos años cuando se produjo una inundación en el local. Se trataba de una segunda edición de los Disparates de Goya realizados entre 1875 y1877. Fue a partir de esa adquisición cuando ya en su taller Cabellut empezó a sentir la inmensidad de la labor de Goya a quien describe como el  periodista más arrojado de este país. La artista ha subrayado la labor del comisario Eloy Martínez de la Pera, sin cuya colaboración no habría sido posible esta exposición ya que ambos han trabajado en total armonía al tener los mismos criterios de ética, de estética y de belleza. También ha resaltado la necesidad de que los padres lleven a sus hijos a museos, a teatros, a las fuentes de la cultura que les ayudarán a formarse hoy para el mañana. 



Lita Cabellut, nacida en Aragón al igual que Francisco de Goya,  es una artista de campo amplio que vive y trabaja en los Países Bajos, donde fue reconocida Artista del Año 2021. Su condición de artista en plenitud hace que su actividad artística se desarrolle en múltiples disciplinas. Es reconocida por ser la tercera artista española más cotizada y sus trabajos han sido expuestos en numerosos museos alrededor del mundo.


Fotografías: © Conchita Meléndez

viernes, 18 de octubre de 2024

BENITO ROMÁN, XV PREMIO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA “PIEDAD ISLA 2024”

 

Benito Román, 2024 © Conchita Meléndez

Hoy estaba comiendo con unas amigas cuando hemos recibido una llamada para comunicarnos que se había fallado el XV Premio Nacional de Fotografía ‘Piedad Isla’ de la presente edición y que se lo habían concedido a un buen amigo nuestro. Ni que decir tiene que nos hemos llevado una gran alegría y es que Benito Román se lo merece muchísimo. 

© Benito Román

Este fotoperiodista español lleva toda su vida plasmando la realidad de nuestro país en cada una de sus etapas a partir de los años setenta. Publicó sus primeras obras en la revista deportiva La Palestra y en ANUE, órgano de difusión de la Asociación Nacional de Universitarios Españoles. A partir de 1973 colaboró en Triunfo y Hermano Lobo, donde realizó fotomontajes con el seudónimo Beno. En el año 1974 se traslado temporalmente a París y fue contratado por la agencia Sipa Press. Fue después colaborador de Opinión (1976-77), Reporter (1977-78), Gaceta Ilustrada, Líbera, Posible, La Calle y varias otras. En septiembre de 1978 organizó la sección de fotografía de El Periódico de Madrid y en julio de 1979 se incorporó a la redacción de la revista Dinero como jefe de fotografía (1979-1983).

© Benito Román

Desde entonces ha trabajado como independiente para la agencia Cover y Contact, así como para las publicaciones El País, El Mundo, Interviú, Muy interesante, Época, Panorama, Bauer, Euromoney, Newsweek y Hueber Verlag, y en el sector editorial para Argos Vergara, Salvat, Santillana, Planeta, Plaza y Janés o Espasa. Publicó textos sobre fotografía en las especializadas Flash y Nueva Lente entre 1978 y 1980.

© Benito Román

La fotografía de Benito está repleta de personajes que marcaron un tiempo y una época. Con gran sensibilidad supo mostrar el dolor de las migraciones que dejaron los pueblos de Castilla semi abandonados para establecerse en las grandes urbes en busca de un futuro mejor, aunque ello supusiera dejar atrás familia y amigos. Fue testigo de la transición, de las primeras elecciones, de la llegada del destape, de la transformación de Madrid en una ciudad de grandes bloques de pisos en los que ya no se conocían los vecinos, de un tiempo en el que a los toreros se les idolatraba y eran grandes figuras. 

© Benito Román

Retrató a varias generaciones de políticos, de escritores, de músicos y  su libro “Pequeños” es toda una semblanza de artistas con enanismo que se ganaban la vida con el cine o la televisión pero principalmente dentro del mundo del toreo, recorriendo las pequeñas plazas de los pueblos con sus espectáculos taurinos. Benito Román, buen amigo de muchos de ellos, supo plasmarlo con todo el respeto y la empatía que merecen. De esta serie de imágenes dijo Camilo José Cela: ‘Los personajes de Benito Román,  los títeres, los cristobitas, los fantoches, los dominguillos, los enanos vestidos de luces de Benito Román, no se ganan el parvo pan que comen con el sudor de su frente, como sería de Ley, sino con el sudor del alma de quienes miran y se pasman o se alegran y regurgitan las hediondas letanías y se mueren de asco antes de que pueda remorderles la conciencia.’

© Benito Román

El premio que ahora se le otorga y que lleva el nombre de otra gran fotógrafa española, Piedad Isla, es un galardón que convoca anualmente la Diputación de Palencia a través del Servicio de Cultura, para reconocer toda una trayectoria profesional en la  disciplina artística de la fotografía. Lleva aparejada una dotación económica, pero sobre todo es el reconocimiento de una labor ejercida con gran sentido de la honradez a lo largo de muchos años y es que las fotografías de Benito Román son el fiel retrato de un país en el que los españoles descubrieron la fe en sí mismos. Incluso aquellas imágenes aparentemente sin interés que reflejaban hechos cotidianos con el tiempo, se han convertido en el mejor testimonio gráfico del cambio sociopolítico de España.

© Benito Román

El jurado del XV Premio ‘Piedad Isla’ ha estado presidido por la presidenta de la Diputación, Ángeles Armisén, y lo compusieron, la diputada del Área de Cultura, Carolina Valbuena, los diputados provinciales, Javier Villafruela, Jorge Ibáñez y Domiciano Félix Curiel, Esteban Sainz, Mª Teresa Conesa, directora Filmoteca CyL en representación de la Fundación Piedad Isla, Pablo Sarompás, representante de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFPE), César Blasco, represen-tante de la Federación de Profesionales de la Fotografía y la Imagen (FEPFI), Sofía Moro, José Manuel Navia y Faustino Soriano, ganadores de las últimas ediciones del Premio y Rafael Martínez, jefe del Servicio de Cultura. La vicesecretaria de la institución provincial, Virginia Losa, ha ejercido como secretario del premio y ha levantado acta del fallo.


sábado, 12 de octubre de 2024

LOS RETRATOS DE GÉRARD-PHILIPPE MABILLARD PUEBLAN LOS PASILLOS DEL FERNÁN GÓMEZ


Desde el pasado viernes los retratos del fotógrafo suizo Gérard-Philippe Mabillard se exhiben en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. El autor presenta por primera vez su trabajo en España y lo hace con una doble exposición The Stars’ Share / Prints of Life. La muestra, que lleva el mismo  nombre que el libro publicado por el autor en 2023, recoge cerca de 60 fotografías en blanco y negro de personalidades del mundo del cine, la música, la fotografía, el arte, el diseño, el deporte, el vino y la gastronomía. “Cada fotografía es la historia de un encuentro, en la confluencia entre las personas y las artes, los países y las épocas, las inspiraciones y las aspiraciones”, señala Mabillard, que utiliza el brindis como forma de transmitir emociones.

Alba Flores © Gérard-Philippe Mabillard

Willem Dafoe  © Gérard-Philippe Mabillard

Mabillard, que dice estar encantado con los artistas y los agentes de éstos, especialmente con los españoles, por el trato que ha recibido de los mismos al solicitar que le permitieran retratarlos, cuenta que el título de la exposición, alude a lo que las estrellas comparten, es un guiño a sus recuerdos de infancia: esos momentos mágicos en los que se celebra la amistad con un brindis. “De niño, veía a mi padre y a mi abuelo brindar con sus amigos en señal de alegría y amistad. Levantaban sus copas hacia el brillo infinito de las estrellas, mirándose a los ojos”. Y esas emociones compartidas son las que ha logrado convocar ante su objetivo con los protagonistas de sus retratos, que posan con una copa en la mano.

Antonio de la Torre © Gérard-Philippe Mabillard


Penélope Cruz, Javier Bardem, Jorge Perugorría, Benicio del Toro, Clint Eastwood, Antonio de la Torre, Daniel Brühl, Almudena Amor, Alba Flores, Fatoumata Diawara Christopher Walken, Willem Dafoe, Beth Ditto, Peter Lindbergh… son algunos de los rostros de la muestra ‘The Stars’ Share’, personajes internacionalmente conocidos retratados sin artificios ni producción. Retratos realizados en su mayoría con luz natural y una cámara Leica. Algunos de los cuales le han proporcionado momentos muy agradables por la fácil colaboración de los retratados. Destaca especialmente la sesión con Alba Flores, que no necesita de ningún tipo de iluminación porque ella es pura luz. 

Paul Smith © Gérard-Philippe Mabillard

Sebastiäo Salgado © Gérard-Philippe Mabillard

Junto a esta serie, el fotógrafo también muestra una selección de sus últimas imágenes bajo el título Prints of Life, una colección en la que la mirada de Gérard-
Philippe se encuentra con matices, luces y expresiones que llaman su atención y activan el disparador. “Hay que reinventarse en cada encuentro. Es una hermosa lección de humildad. Aquí desvelo nuevos horizontes, al alcance de la mirada... y de la mano”, explica el fotógrafo. “No fotografío solo los rostros de estos artistas; capto también la intimidad que ofrecen sus manos, hermosas historias de vida que llevan grabadas huellas indelebles”, añade.



Mabillard es un fotógrafo suizo cuya carrera ha estado muy ligada a la moda, vinculado también al mundo del cine y gran amante del vino. Es, además, una
persona muy comprometida y sensible, que ha decidido exhibir sus obras con un fin humanitario: una parte de los beneficios de la venta y todos los derechos de autor se donan a la Fundación Moi Pour Toit, una ONG privada suiza, sin ánimo de lucro, que apoya a los niños de escasos recursos de Pereira (Colombia). Lo hace a través de un programa de acogida, educación y formación integral de niños abandonados, maltratados, abusados o que corren peligros extremos dentro de su propio entorno familiar.


Rozalen © Gérard-Philippe Mabillard

La exposición, de acceso libre y gratuito, se pone en marcha con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid (teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa), la Embajada de Suiza y la Embajada de Colombia en España. Se podrá visitar del 11 de octubre al 15 de diciembre

Fotografías de sala:  © Conchita Meléndez

miércoles, 9 de octubre de 2024

El Centro KBR Fundación Mapfre reúne en Barcelona una completa exposición de la obra de Cartier-Bresson

 


Pintor, dibujante, cineasta, antropólogo y humanista, Henri Cartier-Bresson fue testigo clave de la historia del siglo xx. Nacido en  Chanteloup-en-Brie en 1908, fue conocido como el “ojo del siglo”.  Observador paciente y silencioso, pero al mismo tiempo ágil y expeditivo, el artista captaba escenas de personas y de acontecimientos con su cámara Leica compacta de 35 mm. Con una obra diversa y variada, la exposición que presenta Fundación MAPFRE recorre toda su trayectoria; desde sus inicios, influido por el surrealismo y la Nueva Visión, pasando por el fotorreportaje, donde destacan algunos de sus trabajos menos conocidos de la década 1960 hasta su estilo intimista de sus últimos años. De esta manera, se desgrana el trabajo de Cartier-Bresson mucho más allá del concepto de “instante decisivo” que le hizo famoso.


Murcia, España,1933

El Muro en Berlín Occidental, Alemania, 1962

La muestra bajo el nombre de Watch! Watch! Watch! Ha sido organizada por organizada por Fundación MAPFRE y el Bucerius Kunst Forum en colaboración con la Fondation Henri Cartier-Bresson y permanecerá en los locales del KBr del 11 de octubre de 2024 al 26 de enero de 2025. El comisario encargado de llevar a cabo esta exposición ha sido  Ulrich Pohlmann, Conservador jefe de la colección de fotografía del Stadtmuseum de Múnich.

Coronación de Jorge VI, Londres, Inglaterra, 1937

Henri Cartier-Bresson es uno de los fotógrafos más famosos del siglo XX. Como fotoperiodista, fotógrafo artístico y retratista, creó composiciones atemporales y dio forma al estilo de las generaciones posteriores de fotógrafos. Con su talento para anticipar el momento decisivo, capturó encuentros y situaciones espontáneas y se convirtió en uno de los representantes más importantes de la fotografía callejera. Aunque su amplia carrera proporcionó imágenes mucho más allá de eso. Su obra es tan extensa que ya en 1947, el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicó una retrospectiva a toda su trayectoria. Poco después cofunda la Agencia de fotografía Magnum junto a Robert Capa, David Seymour «Chim», George Rodger, Bill Vandivert, Maria Eisner y Rita Vandivert, que fue la  primera presidenta. La agencia se fundó bajo el modelo de una cooperativa y por primera vez eran los propios fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces la empresa que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin pagar más a los fotógrafos.

Coronación de Jorge VI, Trafalgar Square, Londres, Inglaterra, 1937

Nápoles, Italia, 1960 

A lo largo de su carrera Cartier-Bresson, tuvo la oportunidad de retratar a personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Irène Joliot-Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la guerra civil española, donde filmó el documental sobre el bando republicano Victorie de la vie, la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética, tras la muerte de Stalin.

Palacio de Invierno, Leningrado, Rusia, 1973

En el año 2000 creó junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Varias de las obras que se exhiben ahora en Barcelona provienen de su colección. 

Imágenes: © Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos 

martes, 8 de octubre de 2024

ESPERPENTO. ARTE POPULAR Y REVOLUCIÓN ESTÉTICA

 


La exposición que se ha presentado hoy en el Museo Reina Sofía y que estará abierta al público desde el 9 de octubre hasta el 10 de marzo de 2025, en el edificio Sabatini, presenta una relectura del concepto de “esperpento”, entendido como una concepción literaria creada por Ramón M.ª del Valle-Inclán hacia 1920, en la que se deforma la realidad acentuando sus rasgos grotescos. Aunque el uso del término «esperpento» no es exclusivo de Ramón María del Valle-Inclán ya que el autor extrajo el término del acervo popular y su etimología es de origen incierto. La muestra que nos ocupa explora las principales estrategias estéticas atribuidas a lo esperpéntico a través de una amplia selección de imágenes, documentos, objetos y obras artísticas de diversa índole. 


Lejos de las interpretaciones reduccionistas de quienes consideran el término como  un núcleo de pensamiento estético que propone una perspectiva capaz de entender la realidad  mediante una combinación de distanciamiento crítico  y una deformación grotesca, esta exposición explora su potencial revolucionario basado en un intercambio constante de diversas formas de cultura en sincronía con otros movimientos artísticos de Europa o América Latina que podrían perfectamente situarse, en algunos casos, en la realidad del presente. 


La muestra está articulada en ocho secciones en las que tiene cabida un variado repertorio de objetos, obras de arte, e incluso los primeros dispositivos precinamatográficos. Hay que entender que el esperpento no solo se suscribió a lo literario, sino que dada su faceta popular, estuvo presente en muchos otros ámbitos de la cultura. La prensa satírica, las aleluyas, el romance de ciego, la zarzuela o el teatro de revista son claros ejemplos de ello.


La exposición comienza con tres secciones que articulan una genealogía del esperpento a través de la transformación de las relaciones entre tecnología, visión y corporalidad durante el cambio de siglo del XIX al XX. La caricatura  política, difundida ampliamente en revistas en las que se daba una clara metamorfosis de humanos en animales con ánimo de ridiculizar a algunos personajes, estaba muy presente en aquellos comienzos al igual que en el teatro de marionetas, el guiñol, las estampas de costumbres o las ilustraciones satíricas. 



Otro campo de cultivo que dio paso a la rápida popularización del esperpento fueron los dispositivos ópticos (taumátropo, calidoscopio,  zootropo, etc.) que desde el primer tercio del siglo XIX se difundieron rápidamente entre la población como curiosidades de esparcimiento. Estos juguetes ópticos que creaban ilusiones del movimiento, no representaban la realidad sino que a menudo transcendían a ésta produciendo deformidades de la imagen que se quería mostrar. Lo mismo ocurría con determinados espejos, que en su forma cóncava o convexa transformaban a quienes se miraban en ellos en personas diferentes morfológicamente. 


La exposición incluye obras de artistas españoles como Eugenio Lucas, Velázquez, José Gutiérrez Solana, María Blanchard, Laxeiro o Rosario de Velasco. También de artistas internacionales como Umberto Boccioni,  José Clemente Orozco, André Masson o Caspar Neher. También podemos ver una reconstrucción hecha a escala real del Teatro del Piccoli de Vittorio Podrecca con marionetas originales de la década de 1940. 


En las secciones El honor de don Friolera y Martes de Carnaval, (todas las secciones llevan nombres que refieren a obras clave de Valle- Inclán), se aborda todo lo relacionado con la fiesta popular del carnaval, desde máscaras a todo tipo de artefactos culturales de diversa procedencia, que se contraponen al supuesto honor del mundo militar, que adquiere protagonismo durante la dictadura de Primo de Rivera. Encontramos aquí fotografías de la guerra del Rif tomadas por Alfonso Sánchez García y su hijo Alfonso Sánchez Portela, junto a obras de corte caricaturesco  como las de Feliu Elías o Juan Gris.


La compañía mexicana Lagartijas tiradas al sol, presenta como epílogo de la muestra una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas, a partir de la versión en bululú (género teatral en el que un solo comediante represeta la totalidad de la obra) ideada por Rivas Cherif, bajo el título No tengo porqué seguir soñando con los cadáveres que he visto.  

Fotografías: © Conchita Meléndez