Cabecera La Mirada Fotográfica

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domingo, 21 de diciembre de 2025

ORIOL MASPONS EL GRAN INNOVADOR DE LA FOTOGRAFÍA DEL SIGLO XX

 

La sala de fotografía de la Real Academia de Bellas artes de San Fernando recoge una pequeña muestra del trabajo de uno de los fotógrafos españoles más destacado del siglo XX. Son en total 12 fotografías que forman parte de los fondos de la Academia, más una selección de material bibliográfico y hemerográfico procedente de la colección Pedro Melero / Marisa Llorente.


Oriol Maspons supo reflejar la España profunda de finales de los años cincuenta. Dotado de un genuino sentido del humor y alimentado por el doble juego de inocencia y provocación, retrata los estratos sociales más humildes de la ciudad condal. Con el transcurso del tiempo, su trabajo inmortalizó a las primeras chicas hippies de Ibiza y a las señoritas de la élite social del movimiento de la Gauche Divine catalana de los años sesenta y setenta.



En 2011, Oriol Maspons (1928-2013) cedió al MNAC (Museo Nacional d'Art de Catalunya) su archivo fotográfico, compuesto por 7.000 imágenes en papel, negativos y diversos materiales, muchas de ellas inéditas. Tras ocho años catalogando y digitalizando su legado, el museo inauguró la exposición «Oriol Maspons, fotografía útil. 1949 – 1995», comisariada por Christina Zelich. Una gran retrospectiva que abarcaba cuatro décadas vistas a través de 530 instantáneas y 200 documentos que retratan con su particular lenguaje visual desde la Ibiza de los 50 hasta la isla de Cuba o la Sudáfrica de los 70, pasando por Las Hurdes de Cáceres o el barraquismo del Somorrostro sin dejar de capturar también las calles de París o Londres con fotografías nunca publicadas, como las del terremoto de Managua de 1972.




En esta nueva exposición no podremos ver esa gran muestra que se le dedicó en Cataluña, la pequeña sala en la que se exhiben sus imágenes no lo permite, pero al menos nos encontramos con algunas de sus fotos más icónicas y también con algunos de los libros de autor  y con aquellos otros a los que les puso portada o incluso colaboró a incrementar su valor con sus imágenes, como es el caso de Poeta en nueva York, de Federico García Lorca o La ciudad y los Perros, de Mario Vargas Llosa. 



Autor de libros y portadas de discos, colaborador de revistas como La Gaceta Ilustrada ,  Destino , Triunfo , Interviu , Boccaccio o Paris-Match ; Oriol Maspons convirtió su afición en profesión, demostrando con su obra que fue uno de los grandes innovadores de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

La exposición podrá visitarse del 17 de diciembre 2025 - 12 de abril de 2026





jueves, 25 de septiembre de 2025

14 MILLONES DE OJOS

Willy y Rosa, 1979 ©Alberto García Alix

La Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid acoge a partir del 24 de septiembre de 2025 y hasta el 11 de enero de 2026 la exposición 14 millones de ojos. Colección, fotografía, público, un recorrido por la colección fotográfica de la Comunidad de Madrid, comisariada por Olga Fernández López, y que se conserva en el CA2M. Museo Centro de Arte Dos de Mayo.




Distribuida en las diferentes plantas de la Sala Canal de Isabel II, la muestra presenta una historia de la configuración de la colección a través de 175 fotografías, 15 fotolibros y material de archivo. Las obras de más de un centenar de fotógrafos –Ramón Masats, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Javier Vallhonrat, Carmela García, Bleda y Rosa y Tanit Plana, entre otros – se organizan en torno a cuatro temas: Madrid, la fotografía española en los noventa, el cuestionamiento del medio y los cuerpos que la habitan.




En palabras de la comisaria, Olga Fernández López, “uno de los aspectos evidentes que destacan al reconstruir el relato de la exposición es que la conformación de la colección de la Comunidad de Madrid no ha respondido solo a un proceso de adquisiciones, sino que ha estado entrelazado con una serie de políticas sobre fotografía, desarrolladas a lo largo de estos más de treinta años, que han contribuido no solo a su patrimonialización, sino también a la popularización de este medio. En este doble proceso, de institucionalización y popularización, los siete millones de habitantes de la comunidad se han convertido no solo en copropietarios de este patrimonio, sino también en sus principales espectadores potenciales”, explica.



La Sala Canal de Isabel II, una de las primeras sedes especializadas en fotografía de nuestro país, acoge 14 millones de ojos. Colección, fotografía, público, con el deseo de homenajear la labor desarrollada en ella a lo largo de estas décadas, especialmente las muestras que se han celebrado en la misma y que están en el origen de la colección.




La muestra según Mariano de Paco es un homenaje a muchos nombres; un reconocimiento a artistas, comisarios, agentes y distintos prescriptores que han ayudado a conformar la colección de los fondos fotográficos de la Comunidad de Madrid a lo largo de los años.

Cigonya (Serie: Violencia aplicada), 2005 © Tanit Plana

Fotografías de Sala © Conchita Meléndez

martes, 27 de mayo de 2025

‘DUANE MICHALS. EL FOTÓGRAFO DE LO INVISIBLE’

Andy Warhol © Duane Michals Inc. Cortesía de Admira Milano

La Fundación Canal presenta, del 28 de mayo al 24 de agosto de 2025, la exposición Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, una retrospectiva única, incluida en la sección oficial de PHotoESPAÑA 2025. La muestra, comisariada por Enrica Viganò y creada en estrecha colaboración con el propio artista, reúne 51 obras compuestas por 150 fotografías que recorren seis décadas de trabajo ininterrumpido, desde 1964 hasta sus creaciones más recientes, incluyendo una secuencia de este mismo año.


Duane Michals (McKeesport, Pensilvania, 1932), figura clave en la renovación de la fotografía contemporánea, es considerado el precursor de la fotografía conceptual y filosófica. Autodidacta y ajeno a las normas del medio, introdujo narrativas visuales a través de secuencias que cuentan una historia, y textos manuscritos que acompañan sus imágenes, desafiando el canon documental y desplazando el foco hacia lo emocional, lo metafísico y lo poético.


Su fotografía, más próxima al cine o a la literatura que a la tradición fotoperiodística, pone en cuestión el estatuto de la imagen como registro de la realidad y representa conceptos abstractos como la espiritualidad, la filosofía, el paso del tiempo, la muerte, el amor y el propio yo.


Duane Michals es un ser humano con fuertes opiniones sobre lo que le rodea; toma partido y busca la manera de sacudir conciencias de una manera totalmente original. El resultado son obras inquietantes y poéticas al mismo tiempo sobre temas como el racismo, la guerra, la homosexualidad, la muerte. 


Duane Michals trabaja en equilibrio entre la fotografía conceptual y la poesía visual. Michals materializa lo intangible, lo que no se ve. Subvierte la lógica documental de la fotografía para explorar aquello que no tiene forma: evoca emociones, sensaciones, pensamientos, deseos, sueños o recuerdos.


La muestra Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible es una ventana a su mundo interior, intenso, complejo, un constante cuestionamiento de la experiencia humana, de la propia y de la ajena. “Yo creo en lo invisible. No creo en lo visible. La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Para mí, la realidad está en la intuición, la fantasía, y en esa pequeña voz en mi cabeza que me dice: ¿no es acaso esto extraordinario?”.


Si hay algo que le caracteriza es que rompe con la idea de fotografía estática e inmutable. Es precursor de lo que se conoce como «fotografía fabricada»: más que salir al encuentro de un evento casual o fortuito, construye el escenario como si se tratara de la toma de una película, y dirige a los protagonistas para crear la acción. A veces, los modelos son desconocidos o amigos, y otras, es él mismo el que interpreta el momento. A menudo fragmenta la imagen y compone secuencias –que incluyen desde tres instantáneas hasta quince– que cuentan una historia. Como una concatenación de herramientas, fotograma a fotograma crea una narrativa escenificada que se acerca más al formato cinematográfico que a la fotografía tradicional.


Otro componente distintivo es que incorpora textos manuscritos en los espacios blancos alrededor de algunas de sus fotografías. Estos textos, con autonomía propia, no son meros pies de foto, sino que son el vehículo para poner de manifiesto lo que no se puede fotografiar; son un añadido al significado que ya de por sí tienen las imágenes.


La exposición, incluída en la sección oficial de PHotoESPAÑA, podrá visitarse en la Fundación Canal del 28 de mayo al 24 de agosto.

Fotografias de sala © Conchita Meléndez




jueves, 3 de abril de 2025

LA VÍA DE LA PLATA AIRES DEL SUR

 


En el siglo VII a. de c. ya existía una ruta que, utilizando un corredor natural que articulaba el occidente de la Península Ibérica, permitía comerciar al pueblo tartesio con el norte de la meseta, pero no fue hasta la época del emperador Augusto y sobre todo durante los reinados de los emperadores Trajano y Adriano cuando se configura como una calzada romana que en sus inicios unía Emerita Augusta (Mérida) con Asturica Augusta (Astorga), extendiéndose ésta posteriormente hasta Sevilla por el sur y hasta Gijón por el norte. Aunque se desconoce el origen de su nombre, pues no fue la plata parte de las mercancías que transitaban por esta calzada, se dio en llamar Vía de la Plata, aunque se cree que su nombre deriva del árabe balat, «camino empedrado»

Mucho tiempo después la Vía de la Plata entra en Galicia por A Mezquita y es el camino jacobeo gallego de mayor recorrido. En la segunda mitad del s. XIII, después de la toma de Sevilla y Córdoba a los árabes,  este itinerario comienza a ser utilizado por los peregrinos de Andalucía y Extremadura. Unos seguían hasta Astorga, enlazando aquí con el Camino Francés; otros tomaban la desviación de Puebla de Sanabria-A Gudiña y desde aquí, bien por Laza o bien a través de Verín,  hasta Ourense y Santiago. Y una tercera posibilidad llevaba a los peregrinos por el noreste de Portugal hacia Verín. 

Son muchos los peregrinos que a lo largo de los años han pisado el suelo de este camino y también muchos los que de un modo u otro han dejado documentado no solo el camino sino también las costumbres de los pueblos que atraviesa. La Casa de Galicia en Madrid ha querido rendir un homenaje a la Vía de la Plata con una exposición que reúne un total de 75 fotografías de diferentes autores, tomadas desde principios del siglo XX hasta nuestros días, en las que las imágenes nos invitan  a reflexionar sobre la soledad, la distancia y el paso del tiempo a través de un diálogo entre la fotografía del pasado y la de autores más contemporáneos.

Desde fotógrafos clásicos como Jeant Lauren, Otto Wunderlich, Jean Poujade o Nicolás Müller, a los más actuales como Carmenchu Alemán, Andrés Marín o Luis Vioque, pasando por aquellos que para muchos de nosotros  son referentes de la fotografía española como Cristina García Rodero, José Manuel Navia, Castro Prieto o Vicente Lopez Tofiño, entre otros muchos, las obras reunidas dejan un claro testimonio de las fiestas, las costumbres, los monumentos, los paisajes y las gentes que pueblan el camino de la Vía de la Plata, dejándonos con ganas de ver mucho más. 

La Vía de la Plata. Aires del Sur fue exhibida originalmente en el Museo Centro Gaiás de la Cidade da Cultura en 2022, como la segunda entrega de un díptico expositivo sobre las rutas xacobeas que se acercó además a la ruta del Camino Portugués.


Posteriormente, y con el objetivo de una puesta en valor de este camino conjunto, la muestra inició una serie de itinerancias por distintos lugares, que comenzó en 2023 en el Palacio Toledo Moctezuma en Cáceres, continuó en el Centro Cultural Marcos Valcárcel de Ourense en 2024 y llega ahora a la Casa de Galicia en Madrid.

Lucía Laín, historiadora, comisaria, guionista y documentalista, ha sido la encargada de dotar de vida esta exposición a través de la selección de autores y la puesta en marcha de la muestra, que se completa con la pieza audiovisual A travesía dun verso, producida de manera exclusiva para esta ocasión por el Laboratorio NUMAX con guion de Lucía Laín.

Carmenchu Alemán

Existe también un catálogo que compila las imágenes que conforman la muestra, acompañadas de las citas literarias que recogen el interés que el camino despertó en grandes figuras de las letras. Autores como Cristóbal de Mesa, Luis de Góngora, Antonio de Nebrija o Gustavo Adolfo Bécquer han puesto voz a las miradas de los 28 autores que se reúnen hoy en los salones de la Casa de Galicia. 



martes, 4 de febrero de 2025

SAKIKO NOMURA. TIERNA ES LA NOCHE

 

Naked Time © Sakiko Nomura

La Fundación MAPFRE inaugura la temporada de exposiciones fotográficas en su sede del Paseo de Recoletos de Madrid con una muestra de la fotógrafa japonesa Sakiko Nomura, que podrá visitarse desde el 6 de febrero hasta el 11 de mayo. 

Black Darness © Sakiko Nomura

La muestra está comisariada por Enrique Juncosa escritor, comisario de exposiciones y gestor cultural que fue director del Irish Museum of Modern Art de Dublín de 2003 a 2012, labor por la que recibió del Estado Español la Orden al Mérito Civil. Con anterioridad fue subdirector del Museo Reina Sofía, Madrid (2000-2003) y del IVAM, Valencia (1998-2000).

Go West © Sakiko Nomura

Flower © Sakiko Nomura

Lo primero que uno observa al contemplar las fotografías de Sakiko Nomura es oscuridad, y también una sensación de tristeza. Hay oscuridad en sus flores, en sus bodegones, en sus paisajes, todos ellos fotografiados sobre fondos negros o en la penumbra de la noche, pero sobre todo hay oscuridad en sus retratos masculinos, en la forma de emerger dentro de  esas habitaciones de hotel en los que posan para ella. Son desnudos sutiles, nada explícitos, pero que sin embargo muestran una cierta carga erótica y al contemplarlos, al menos a mí me ha ocurrido, sientes una ola de soledad, incluso cuando están acompañados, de tristeza. Tal vez sea por la dureza de las sombras, o por las miradas directas de los modelos que parecen clavarse en el objetivo de la cámara sin ningún tipo de concesión como si desafiaran a la persona que está del otro lado. 

Fate in spring @Sakiko Nomura

Sakiko, una fotógrafa muy conocida en Japón pero no tanto fuera de sus fronteras,  comenzó su andadura en el mundo de la fotografía de la mano de Nobuyoshi  Araki, al que admiraba y se atrevió a escribir pidiéndole ser su ayudante. Araki estuvo de acuerdo y Nomura se convirtió en su asistente durante varios años. Sakiko afirma que una de las cosas que más le atrajo de Araki fue su expresión del dolor y sin duda ese modo de ver la vida  ha influido en ella y se deja ver en su obra. Del mismo modo notamos la influencia de Araki en los desnudos masculinos que forman una gran parte del trabajo de Sakiko. También en los grandes contrastes, en la falta de nitidez, en lo sutil de las imágenes, incluso en el placer de fotografiar flores, aunque las de Nomura carecen de la carga erótica que tienen las de Araki. 

Granada © Sakiko Nomura

Sakiko Nomura es una fotógrafa apasionada, compulsiva,  que necesita fotografiar todo lo que ve. Cuenta ella a modo de anécdota durante su intervención en la rueda de prensa, que ha pasado una semana en Granada y que durante ese tiempo ha utilizado 200 carretes, sin duda ha tenido que ver muchas cosas que le han llevado a querer guardar en los fotogramas de su cámara todo lo que le rodea. 

Nude a room flowers © Sakiko Nomura

Sakiko no fecha las fotos en el momento que las toma, sino en el momento que se publican, generalmente en forma de fotolibro, que es el formato que más le gusta. Eso conduce a que a veces puede verse a alguno de sus modelos en un libro, más joven que en libros publicados con anterioridad. El tiempo es relativo. A veces, mezcla con los desnudos, fotografías de paisajes urbanos o de flores, dando de este modo una sensación de vanitas, resaltando la vacuidad de la vida. Hasta ahora la autora ha publicado un total de 40 libros algunos de los cuales pueden verse en una de las salas de exposición expuestos en una vitrina. 

My last remaing drean © Sakiko Nomura

My last remaing drean © Sakiko Nomura

Una de las partes que más llama la atención son las copias de plata en gelatina solarizada, a las que la autora a denominado ‘Another Black Darkness’ realizadas en 2024. Al igual que los retratos del actor de Kabuki Koshiro Matsumoto X, a quien Sakiko ha fotografiado durante años. Matsumoto pertenece a una familia en que la tradición ha llevado a todos los miembros varones de la misma a dedicarse al Kabuki, una forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores. La serie se llama ‘My Last Remaining Dream’ y de algún modo simboliza el final de la vida artística del actor. 

Majestic © Sakiko Nomura

La exposición se cierra con otra serie perteneciente al libro Majestic publicado en 2022 y para el cual Namuro fotografió a miembros de una asociación tatuados, llamada Edo-choyucai. Esta tradición de decoración del cuerpo surgió en Japón durante el período Edo(1603-1868). Los miembros de la misma se reúnen una vez al año para ducharse en una cascada, con intención purificadora, y luego subir en peregrinación a una montaña venerada, el monte Oyama, llevando solo un turbante y ropa interior tradicional. Sakiko  les  acompañó en una de sus peregrinaciones. Las fotografías resultantes muestran a hombre con rostros serios y se alternan con paisajes de gran belleza, que comienzan con una visión de la espuma en movimiento sobre la superficie de un río caudaloso. 

La exposición podrá visitarse desde el 6 de febrero hasta el 11 de mayo y la Fundación Mapfre ha elaborado un catálogo que contiene las obras expuestas en la misma.