Cabecera La Mirada Fotográfica

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sábado, 27 de marzo de 2021

LA SALA EL ÁGUILA ACOGE, DEL 26 DE MARZO AL 30 DE MAYO, LA EXPOSICIÓN NICOLÁS MULLER. LA MIRADA COMPROMETIDA.

 

Comida de Empresa. Madrid, 1950

Es relativamente frecuente que un tiempo después del fallecimiento de un artista se encuentre alguna obra inédita del mismo. Podría tratarse de una partitura, un cuadro, un poema, un manuscrito o como ocurre en este caso el soporte de una serie de fotografías. Cuando Ana Muller se encargaba de vaciar el último estudio que su padre Nicolás Muller, uno de los más importantes y reconocidos documentalistas del pasado siglo XX, tuvo en Madrid, se dio de lleno con una caja que contenía montones de negativos acumulados a lo largo de los años. A pesar de que éstos no estaban en muy buen estado inmediatamente se dio cuenta del valor de los mismos tanto a nivel documental como fotográfico. 

Con la ayuda de Juan Manuel Castro Prieto, la también fotógrafa y colaboradora de su padre desde principio de los años sesenta Ana Muller, digitalizó los negativos que fueron intervenidos por éste para conseguir un resultado óptimo con el que poder trabajar. A partir de ahí comienza a fraguarse lo que culminará en una muestra que hoy podemos ver en la Sala El Águila de Madrid, pero que previamente ha pasado por Tánger y Tetuán y que seguirá su andadura por los países en los que Nicolás Muller vivió y trabajó una vez finalizada la exposición de Madrid el 30 de mayo. 

Labrador. Hungría, 1935

Con los archivos gravados en un pendrive Ana se dirigió al Instituto Cervantes, institución que siempre estuvo muy interesada en el trabajo de su padre y cuyo anterior director Juan Manuel Bonet quiso ya organizar una exposición con los trabajos que el fotógrafo realizó en Marruecos. Es el poeta Martín López Vega, actual responsable del área de cultura quien se reúne con ella en esta ocasión y queda encantado con el material que está visionando. A partir de aquí y con la colaboración de la Comunidad de Madrid, en cuyo Archivo Regional está depositado el mayor fondo de imágenes del autor, y de el Ministerio de Cultura se empieza a trabajar en plena pandemia hasta llegar al resultado que hoy podemos contemplar y que está compuesto de 125 imágenes, la mayoría inéditas y que abarcan desde las primeras tomas que Nicolás Muller realizó cuando siendo estudiante de derecho y de ciencias políticas recorría con un grupo de amigos, escritores y poetas su país natal, Hungría, andando y en bicicleta y que él aprovechaba para documentar todo aquello que le llamaba la atención, hasta mediados de los sesenta. 

Construcción de Diques. Hungría, 1936

La Madelaine. París, 1938

Hungría era por aquel entonces un país semi feudal de ámbito rural y con una pobreza extrema. Muller documenta está situación retratando a los trabajadores y a las gentes que encuentra a su paso en sus tareas cotidianas. Ya desde estas primeras imágenes se puede observar una mirada profunda y una precisión técnica que iría perfeccionando con los años pero que para un aficionado, absolutamente autodidacta sorprende por su gran calidad. Como sorprende también la sensibilidad y el respeto con que refleja las duras condiciones de vida de niños y adultos, trabajadores en su mayoría desde una edad muy temprana y que va encontrando por igual en los distintos países que va visitando. 

Campesino del Alto Saboya. Francia, 1938

Mercado de Vilar Formoso. Portugal, 1939

Una de las cosas que llama la atención al visitar la exposición es lo increíblemente bien que funciona la composición en todas las imágenes de Muller. Las líneas juegan un papel muy importante en la fotografía, nos ayudan a dirigir la mirada hacía los puntos más importantes, crean dinamismo, nos dan un sentido del ritmo. En las imágenes de Nicolás Muller las líneas no se ven, pero se intuyen. La mayoría de sus fotografías siguen a la perfección la llamada regla de los triángulos, en donde todos los elementos están colocados de manera que cada persona u objeto tiene un peso específico en la imagen. Eso hace que la imagen tenga estabilidad y un mayor impacto visual. También el uso que el fotógrafo hace de los planos picados y contrapicados resalta aquello que quiere mostrarnos. 

Bajo la lluvia. Portugal, 1939

Las fotografías que llenan la sala, fueron realizadas en los distintos países en los que el fotógrafo vivió antes de asentarse en España. Así podemos ver imágenes de Paris, Oporto, Lisboa, Marruecos, la ciudad de Tánger donde tuvo su residencia durante varios años y desde donde dio el salto a España en el año 1948. Fue en Paris en 1938 cuando Nicolás Muller comienza a trabajar como profesional realizando encargos para  Regards, Marianne o Paris Match. Sobre todo se trataba de trabajos relacionados con las colonias infantiles, pero también con otro tipo de fotografía social que refleja la labor de dentistas, labradores, escuelas, etc. De allí saltó a Portugal, con un encargo de una revista francesa, pero allí pasó poco tiempo ya que se encontró con una serie de problemas personales. Y como no pudo volver a París, que había sido ocupada por el ejercito alemán, desde Lisboa recaló en Marruecos en el año 39 donde permaneció por un período de nueve años. 

Tanger, 1942

Grupo de niñas. Tanger, 1945

Ya en Madrid instaló su gabinete en el Paseo de la Castellana, por aquel entonces Paseo del Generalísimo, esquina con la calle Ayala y empezó a trabajar realizando retratos que se encontraban fuera de lo que se estilaba entonces para fotografía comercial, usando planos más cortos, más directos, sin retoques, sin posturas forzadas. Su relación con escritores, filósofos y otros intelectuales le ayudó a posicionarse, al colocar los retratos que realizaba a estos personajes en las vitrinas que daban a la calle, lo cual atraía nuevos clientes a su estudio. Utilizaba un equipo muy básico con iluminación de lámparas fresnel, práctimente sin trípode y con una Rolleiflex que años más tarde, en el 62, cambiaría por una Hasselblad.

El río Huecar. Cuenca, circa 1952

El conjunto de las imágenes que forman la exposición, que ha sido comisariada por la propia hija del fotógrafo Ana Muller y por  José Ferrero, suponen una perfecta muestra del trabajo de Nicolás Muller, que invita a reflexionar y a querer conocer un poco más de una época pasada, pero reciente, y de la obra de este fantástico fotógrafo. Además, de forma exclusiva para esta ocasión, en la Sala El Águila acompañan a estas imágenes numerosos documentos, fotogramas y publicaciones del Fondo Nicolás Muller que se custodia en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid y que cuenta con más de 80.000 fotografías.

Ana Muller y José Ferrero

Junto con la exposición se ha editado un libro que próximamente podrá adquirirse tanto en la sede del Instituto Cervantes como en la librería de LA FABRICA y que contiene el total de las obras expuestas. 

martes, 16 de febrero de 2021

LAS UTOPÍAS DE CARMELA GARCÍA

 

Still del vídeo Seres equívocos, 2020

Nada más entrar en el espacio de la Sala Canal de Isabel II nos encontramos con un enorme móvil colgado del techo en el que mujeres de todo tipo y condición nos devuelven la mirada. Se trata de una instalación fotográfica compuesta por una serie de imágenes procedente de la colección de mujeres históricas y sus relaciones, cuyo título es ‘Todas las almas’,  que la autora Carmela García ha ido adquiriendo a lo largo del tiempo en rastros y mercadillos y que representan a la mujer en su esencia más pura. De este modo y mediante una estrategia  apropiacionista,  la autora descontextualiza  las imágenes y las exhibe formando una cascada de fotografías, en transparencias o duratrans, configurando una potente instalación visual que transita desde el pasado hasta el presente, en una especie de presente continuo. 


A lo largo de todo el recorrido por la exposición se observa  que la obra de Carmela García se enmarca dentro de los discursos de la reivindicación de género y de la exploración de la representación de la mujer en el ámbito social y artístico. Éste hecho es aún más evidente en el video que puede verse en la última planta en el que además se hace patente la reivindicación del ecosistema. La obra proyectada en una gran pantalla es un mediometraje audiovisual en torno a la figura de Victorina Durán (Madrid, 1899-1993) y los tres volúmenes de su obra autobiográfica en los que narra su vida, su biografía más íntima y sus relaciones homosexuales con otras mujeres. Todo ello va acompañado de imágenes oníricas sobre un paisaje desértico.


Desde el principio de su trayectoria Carmela García se ha interrogado acerca de las imágenes de las mujeres en la sociedad, investigándolas y cuestionando la mirada masculina con discursos visuales claramente feministas. Mediante ese posicionamiento ha construido sus distintos trabajos artísticos, desde sus primeras series fotográficas hasta las últimas, en los que ha mostrado un mundo femenino donde ellas son absolutas protagonistas de sus trabajos. 

Serie I Want To Be

Serie I Want To Be

En sus distintos proyectos se mezclan la ficción y la realidad, y su representación de distintos tipos de mujer rompen los esquemas de los géneros binarios, indagan en construcciones de una identidad de género más abierta y flexible, rompiendo la hegemonía social de la heterosexualidad y ofreciendo imágenes en las que son protagonistas otras opciones de interrelación. 

Serie Chias, Deseos y Ficción


La exposición, que abarca varios de sus trabajos está repartida por las tres plantas de la sala de tal modo que en la planta baja nos encontramos con Chicas, deseos y ficción, en donde Carmela ha intervenido sobre reproducciones fotográficas antiguas de su propia colección, que muestran a mujeres que realizan distintas actividades  y que tienen en común el afecto que se muestran.



La primera planta ofrece una selección de fotografías y dos vídeos del proyecto Chicas, deseos y ficción (1998). Mujeres que ocupan espacios públicos y privados en actitudes cotidianas, relacionándose desde la sororidad y la complicidad hasta las muestras de afecto y de deseo. Escenas de encuentros, de esperas, de sensualidad, de miradas, de instantes congelados  de gran belleza compositiva y estética, en los que se muestra ese mundo de chicas lesbianas en su variedad y multiplicidad visibilizándolas y normalizándolas, sobre todo en la concepción de la identidad de género como algo performativo, transformable y nómada. 

Serie I Want To Be

Las nietas del Lyceum o Tertulia

La segunda planta acoge una selección de fotografías de la serie Paraísos (2002-2005) y la proyección Espacio de silencio (2004), en los que la autora reflexiona sobre planteamientos eco feministas, al plantear un universo futuro en armonía, respeto y encuentro de las mujeres libres con la naturaleza.

Por su parte, la tercera planta presenta tres series de obras fotográficas de la primera década de los 2000, pertenecientes a los proyectos Escenarios, Casting y I Want to Be, en las que indaga sobre la representación de las mujeres y los discursos sobre las identidades genéricas, y sus capas, así como los juegos visuales entre la realidad y la ficción.

Memoria. Serie I Want to Be

Serie Paraísos

Lugar: Sala Canal de Isabel II

Fechas:  16 febrero - 2 mayo 2021

Horario de la exposición

Martes a sábados: de 11.00 a 20.30 h.

Domingos: de 11.00 a 14.00 h.


Encuentros con la fotógrafa y la comisaria:

Fechas: miércoles 10 de marzo y 28 de abril de 2021

Horario: de 19.00 a 20.00 horas

Participantes: Carmela García (fotógrafa) y Margarita Aizpuru (comisaria)

Dirigido a: mayores de 13 años



viernes, 12 de febrero de 2021

LA EXPOSICIÓN N5 DEL FOTÓGRAFO OMAR AYYASHI SE ADENTRA EN LA IGUALDAD DE GÉNERO

Ana Castillo

El Real Jardín Botánico (RJB-CSIC) de Madrid acoge en el Pabellón Villanueva una muestra artística realizada en colaboración con el diseñador Manuel Fernández y enmarcada en ‘Madrid Design Festival’. La muestra podrá visitarse hasta el próximo 14 de marzo. 

La exposición consta de 16 fotografías de actrices como Belén Rueda, Mina El Hammani, Anna Castillo, Paz Vega, Rossy de Palma, Ester Expósito, Amaia Salamanca, Elena Furiase, Cayetana Guillén Cuervo, Juana Acosta, Bárbara Lennie y Jedet Sánchez, que visten diseños de Manuel Fernández, intervenidos por artistas como Phil Akashi, Luis Gordillo, Olga Sinclair o Jesús Zurita.

Juana Costa

Se trata de un proyecto solidario cuyos beneficios irán destinados a Cruz Roja Española para proyectos que tengan una relación directa con la igualdad de género”, ha señalado Omar Ayyashi.

La igualdad real de mujeres y hombres es un principio jurídico universal reconocido en diversos textos internacionales sobre derechos humanos. La Agenda 2030 para el Desarrollo Sostenible impulsa el compromiso de la comunidad internacional para el logro de la igualdad de género y el empoderamiento de todas las mujeres y niñas a través de un objetivo específico y de forma transversal en otros objetivos.

A pesar de la igualdad reconocida en la Constitución española y en nuestro ordenamiento jurídico, y de los significativos progresos hechos en los últimos años, persisten discriminaciones que van desde las formas más extremas -como las que padecen las mujeres víctimas de violencia-, a las menos perceptibles que se dan día a día en todos los ámbitos.

Paz Vega

En estas fotografías las actrices visten diseños de Manuel Fernández, unos trajes-lienzo intervenidos por artistas como Luis Gordillo, Jesús Zurita, Grimanesa Amorós, Olga Sinclair, Okuda San Miguel o Phil Akashi, entre otros.

El acto ha contado con la presencia del director del Real Jardín Botánico (RJB-CSIC) de Madrid, Esteban Manrique Reol; el vicepresidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio Aguado; el consejero de Políticas Sociales, Familias, Igualdad y Natalidad de la CAM, Javier Luengo; el presidente de la Academia de las Artes Escénicas, Jesús Cimarro; el director de Madrid Design Festival, Álvaro Matías: el secretario autonómico de Cruz Roja España, Francisco G. Sánchez y la directora general de Igualdad de la CAM, Cristina López-Cobo.

Rossy de Palma

También han querido acompañar a Omar Ayyashi y Manuel Fernández, las actrices y artistas Juana Acosta, Elena Furiase, Cayetana Guillén Cuervo, Paz Vega, Okuda San Miguel y JARR.

El vicepresidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio Aguado, ha mostrado su satisfacción por la puesta en marcha de una exposición “que conjuga arte, moda, fotografía y un fin solidario”. Para Aguado, “el objetivo de la obra de Omar Ayyashi nos interpela a seguir actuando y a combatir las desigualdades”, una tarea que “nos incumbe a todos como sociedad”. 
 
Belén Rueda

Sobre Omar Ayyashi


Omar Ayyashi, fotógrafo de origen palestino nacido en Bilbao y afincado en España, estudia Ciencias Empresariales y Dirección y Administración de empresas Turísticas para no ejercer ninguna de las dos carreras. Tras trabajar en marketing y publicidad, ve que se ahoga en una oficina y decide echar a volar. La fotografía siempre le ha dado alas y se traslada a Madrid y a Barcelona para comenzar su formación como fotógrafo profesional.

Actualmente es colaborador fijo en diversas publicaciones capturando moda, personajes y rincones del mundo.

Manuel Fernández, Paz Vega y Cayetana Guillén

Siempre sensible a las injusticias cometidas con los mas desfavorecidos, a los 29 años le proponen ser embajador de "Ayuda en Acción" con sus campañas gráficas y empieza viajar con la ONG hasta llegar a conseguir una serie de imágenes que muestran la realidad de la vida en distintos lugares del mundo.

No es la primera vez que Omar Ayyashi realiza una exposición de su obra fotográfica vinculada a proyectos solidarios. En 2018 expuso #ReciclaFuturo en la Real Fábrica de Tapices por el que recibió el premio a la ‘Mejor Comunicación Social 2018’ por parte de La Fundación para el Fomento del Desarrollo y la Integración (FDI). Un año después, en 2019, realizó la exposición X_ELLAS cuyos beneficios se destinaron a la lucha contra la trata de mujeres.



Sobre Manuel Fernández

 
Manuel Fernández lleva 35 años apostando por el Desarrollo Sostenible como Diseñador y Artista. Ha sido pionero -a nivel internacional- en la implantación de las 3 dimensiones de la sostenibilidad: la económica, la social y la ambiental. Fiel a este triple principio, su trayectoria demuestra que es posible fomentar la generación de riqueza; a la vez que se impulsa la prosperidad de las personas y se lucha por el respeto hacia el entorno. 

Elena Furiase

Su contribución más disruptiva ha sido la materialización de Fashion Art hace 20 años, convirtiéndose en el creador de la fusión de la moda y el arte y en el inventor de un nuevo lenguaje. Fashion Art es el canal de comunicación que está concienciando sobre valores de sostenibilidad de una forma rápida y contundente a una ciudadanía que responde a la sensibilización social y ambiental de la mano de la moda y el arte. FASHION ART es el vehículo que transmitirá a las generaciones futuras, tanto el legado de Manuel Fernández, como el de otros artistas y líderes comprometidos con el desarrollo sostenible.

Esta forma innovadora de enriquecer el sector de la moda mediante la integración y su efecto sensibilizador, aportan décadas de experiencia en el compromiso con la moda y el arte responsables. Experiencia que Manuel Fernández ha sabido llevar a una madurez muy valiosa porque es capaz de atraer a los ciudadanos; poniendo en valor múltiples disciplinas y culturas.

Okuda

Las evidencias a lo largo de su carrera posicionan a Manuel Fernández como un gran “Embajador de la Agenda 2030 y sus 17 ODS” ya que ha demostrado tener la inquietud de divulgar responsabilidad social y la capacidad diferencial de convencer a los ciudadanos y a los profesionales llamados a cambiar hábitos en su forma de vivir y trabajar para que nuestro mundo sea sostenible.

martes, 9 de febrero de 2021

LA FUNDACIÓN MAPFRE EXPONE LA OBRA DE TOMOKO YONEDA

 

Crisantemos / De la serie Cúmulos / 2011

Probablemente Tomoko Yoneda no sea una fotógrafa muy conocida en nuestro país, por eso la Fundación MAPFRE se ha encargado de traernos por primera vez su obra hasta casa y lo ha hecho a través de una retrospectiva que abarca una gran parte de sus trabajos, en los que la historia y la memoria están unidos a partes iguales con la belleza. La exhibición podrá visitarse entre el 11 de febrero y el 9 de mayo, en las plantas cero y menos uno de la sede de Recoletos. 

Como dice Ignacio Baeza Gómez, vicepresidente de la Fundación MAPFRE, la antropología es una disciplina que estudia al ser humano como miembro de una comunidad a través de todas sus manifestaciones biológicas, sociales y culturales. En este sentido, y como si de una antropóloga cultural se tratara, la fotógrafa japonesa Tomoko Yoneda ha asumido, a través de la fotografía la tarea de estudiar la historia reciente tanto de Japón como de Europa. En sus imágenes, la artista se plantea como las naciones pueden tomar conciencia de su forma de observar su propio pasado, preguntándose sobre su país y su cultura, pero también acerca de cómo miramos al “otro” y cómo ese “otro” nos ve. 

Amantes, Dunaujvaros (antes, Sztalinvaros, ≪ciudad de Stalin≫), Hungría 2004

De la Serie Después del Deshielo

La exposición Tomoko Yoneda que Fundación MAPFRE presenta en sus salas de Recoletos de Madrid ofrece, por primera vez en España, un extenso recorrido por la obra de la artista a través de más de cien imágenes, incluyendo sus últimos trabajos, como «Diálogo con Albert Camus», «Correspondencia. Carta a un amigo» o «Cristales». Se presenta una nueva serie inédita sobre la guerra civil española y la figura de Federico García Lorca, resultado de un encargo específico de Fundación MAPFRE.

El recorrido por la exposición engloba diecisiete proyectos fotográficos. Además, la selección cuenta con material documental perteneciente a la propia artista: libros, postales, cámaras de fotografía, un vídeo y otros objetos.

Bosque. Lugar de la batalla del Somme, Delville Wood, Francia 2002

De la Serie Escenario


Aldea. Vista de la línea del frente occidental entre Corea del Norte y Corea del Sur 2006

De la Serie Escenario

Siempre recomiendo a mis amigos y conocidos que dentro de lo posible cuando vayan a una exposición lean los cárteles que acompañan las imágenes porque a veces el título de una obra o el cartel explicativo puede decirnos mucho de lo que la artista pretende contarnos, de las historias que encierran sus imágenes. En el caso de Yoneda creo que este pequeño acto es fundamental. Saber que un idílico bosque fue en realidad el terrible campo de la batalla del Somme, o que un calmado paisaje marino fue el lugar donde desembarcaron las tropas respaldadas por la CIA en un intento de iniciar contra el gobierno de Castro una contrarrevolución, en la Bahía de Cochinos en Cuba, se nos podría escapar si no fuera por esos pequeños cuadros blancos situados junto a las fotografías. Y es que esas imágenes rezuman tanta belleza que invitan a mirar sin ver lo que esconden detrás. Las fotografías de esos paisajes, naturales o urbanos, con cielos nublados sobre zonas industriales, podrían parecer a primera vista lugares intrascendentes. Sin embargo, Yoneda crea una tensión entre lo que se retrata en ellos y lo que sucedió en estos lugares. La fotógrafa elige emplazamientos asociados con catástrofes humanas, desde la primera y la segunda guerra mundial hasta la segunda guerra sino-japonesa y las guerras de Corea, de Bosnia y del Líbano.

Las gafas de Freud, viendo un texto de Jung II 1998

De la serie Entre lo visible y lo invisible

Una de las series que más me ha llamado la atención es la llamada “Entre lo visible y lo invisible”, en la que Yoneda invita al espectador a mirar a través de las gafas de destacadas figuras del siglo XX para ver detalles de páginas de libros, cartas o fotografías que tuvieron un profundo impacto en la historia de la humanidad. Las fotografías sitúan al espectador en la posición de estas figuras históricas y lo invitan a imaginar qué podrían estar pensando mientras leen estos documentos.

Entre las series que la Fundación MAPFRE nos ofrece de las fotografiadas por Tomoko Yoneda, hay una realizada especialmente para esta exposición, la llamada ‘El sueño de las manzanas’ en la que la fotógrafa recorre los campos de batalla de la guerra civil española, desde Granada hasta los enclaves donde tienen lugar las batallas del Jarama y de Brunete en las afueras de Madrid, en las que lucharon y murieron los integrantes de la Brigada Abraham Lincoln que atravesaron el Atlántico para apoyar la causa republicana. En la lucha feroz que se libra alrededor del cerro del Mosquito a principios de julio de 1937, mueren Jack Shirai, único brigadista estadounidense conocido de origen japonés, y el comandante afroamericano Oliver Law.


El mono y el maletín de Federico García Lorca 2020
De la Serie El Sueño de las Manzanas

La otra muerte a la que alude Yoneda en estas fotografías es el asesinato a manos de soldados del bando nacional del poeta, dramaturgo y director de teatro Federico García Lorca, acaecido en Granada un año antes. Yoneda fotografía diversos objetos y el mono azul que García Lorca lleva durante su recorrido por distintas provincias con el grupo de teatro La Barraca representando obras del repertorio clásico español. Con su mezcla de formas teatrales populares y experimentales y sus referencias a la cultura y los mitos andaluces, García Lorca desafía la ortodoxia de la representación teatral para crear el teatro de lo imposible.

Ventana de estilo occidental, Kitano 1995

De la Serie Una década después

Observando el epicentro, isla de Awaji 1995

De la Serie Una década después

Como es costumbre en la Fundación MAPFRE, la exposición viene acompañada de un catálogo que reproduce la totalidad de las obras expuestas —más algunas otras que no se exhiben— y un ensayo principal a cargo del comisario del proyecto, Paul Wombell. El libro se completa con los reveladores escritos de la propia Tomoko Yoneda, que acompañan y explican cada una de las series que conforman la muestra, y con un texto de Satomi Fujimura que sitúa la obra de la artista dentro de la historia de la fotografía japonesa. Además, se incluyen también la reedición de un artículo de Albert Camus en Combat (del 8 de agosto de 1945), un poema de la autora polaca Wisława Szymborska, un extracto de El libro de la risa y el olvido de Milan Kundera y una completa línea de tiempo sobre la Historia de Japón antes y después del lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima.

Pista de hielo. Vista de una ciudad minera que formaba parte de la zona ferroviaria del sur de Manchuria durante la ocupación japonesa, Fushun, China 2007

De la Serie Escenario

Antigua casa del general Wang Shu-ming, jefe del Estado Mayor bajo el mando de Chiang Kai-shek, Cidong Street I  2010

De la Serie Casa Japonesa



Reducción de aforo
Uso obligatorio de mascarillas
Señalización de seguridad en todos los espacios
Dispensadores de gel hidroalcohólico
Medidas de limpieza especiales


IMPORTANTE:

No se facilita servicio de consigna.
Botellas de agua y cualquier tipo de comida serán retiradas antes de acceder a la sala y no se podrán recuperar a la salida.
No se podrá acceder con mochilas, maletas, bolsos de gran tamaño o cualquier otro objeto que por su tamaño se considere un riesgo para la seguridad de las obras expuestas.




sábado, 30 de enero de 2021

PHotoESPAÑA GALLERY Sede Permanente del Festival


 

PHotoESPAÑA inaugura en febrero su nueva sede permanente, PHotoESPAÑA Gallery. Un nuevo punto de encuentro para la fotografía en Madrid con el objetivo de seguir destacando el papel fundamental de esta disciplina y acercarla al público. Exposiciones, cursos especializados, seminarios, talleres, charlas, presentaciones y venta de obra fotográfica, tendrán lugar en las dos salas multifuncionales de la sede situada en C/ Alameda, 9. 


PHotoESPAÑA Gallery nace como un espacio permanente de venta de obra fotográfica que irá renovándose a lo largo del año. Se inicia con una selección de nombres desde clásicos como Català-Roca, Carlos Saura, Alex Weeb o Barbara Brandli, a otros grandes nombres de la fotografía como Bernard Plossu, Ron Galella, Miguel Trillo, Javier Campano o Marta Soul. 

Durante este primer año, el programa de exposiciones individuales se dedicará a la obra de autores españoles de media-larga trayectoria, como David Jiménez, Linarejos Moreno y Matías Costa, y contará con la presencia de una autora internacional, estableciendo así un diálogo entre fotógrafos contemporáneos de una misma generación. 

Alternando con las exposiciones individuales, se creará una sección que, bajo el nombre de "Porfolio", centrará la mirada en un autor o proyecto concreto, tanto de creadores emergentes como de autores con más recorrido, pero siempre con el denominador común de la excelencia artística y la originalidad.

La primera muestra que tendrá lugar en la PHotoESPAÑA Gallery rinde homenaje a los 25 años de la revista MATADOR. Un proyecto arriesgado, único y finito, que terminará dentro de tres años con la última letra del abecedario y que atesora en sus más de 5.000 páginas el testimonio de una época. La exposición MATADOR 25 AÑOS podrá visitarse del 3 al 28 de febrero en la nueva sede. 

Simultáneamente a las exposiciones, en el Campus de PHotoESPAÑA Gallery se ofrecerá una programación de cursos especializados, seminarios, talleres exprés y charlas pensadas para todo tipo de públicos con el objetivo de aprender, divertirse y generar lazos de unión. Apostando por la fusión entre los encuentros presenciales y online, dadas las circunstancias actuales originadas por la crisis sanitaria, el programa arrancará con una programación formativa 100% online.


PROGRAMACIÓN ONLINE FEBRERO:
 
Los días 15, 17, 18, 19, 26 de febrero y 1, 2, 3 de marzo, de 17h a 19.30h. Duración de 20h distribuidas en 8 sesiones. Javier Riera es director del Máster PHotoESPAÑA.
Precio IVA incluido: 200 €


Javier Riera

Los días 22, 23, 24 y 25 de febrero, de 17h a 19.30h. Duración de 10h distribuidas en 4 sesiones. Gloria Moure es historiadora del arte, crítica, comisaria y editora.
Precio IVA incluido: 120 €



Pablo Couso

El viernes 12 de febrero de 16h a 20h. Duración de 4h. Pablo Couso es profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.
Precio IVA incluido: 80 €


Gihan Tubbeh

Charla La Poética del Paisaje: la transformación de lo físico en lo psicológico con la fotógrafa peruana Gihan Tubbeh. El martes 16 de febrero de 18.30h a 19.30h (Hora española).
Precio IVA incluido: 0,00 €





lunes, 18 de enero de 2021

EL VOLUMEN W DE MATADOR CELEBRA EL 25 ANIVERSARIO DE LA REVISTA


La revista Matador cumple 25 años. Nacida en 1995, se publica una sola edición cada año, siguiendo las letras del abecedario, por lo que su ciclo de vida terminará en 2023.

Desde su nacimiento, ha creado un estilo contemporáneo y singular, con unos estándares de calidad muy altos, lo que la ha convertido en un proyecto único a nivel internacional.

A lo largo de su historia, la revista ha convocado a pintores, fotógrafos, escritores, músicos, arquitectos, historiadores, cineastas y científicos de nivel internacional. Nombres como Yves Saint Laurent, Oliver Stone, Rafael Alberti, Henri Cartier-Bresson, Cees Nooteboom, Enrique Morente, Nobuyoshi Araki, James Nachtwey, Ramón Masats, Juan María Arzak, entre otros muchos, han participado con proyectos realizados en exclusiva para la revista. Casi 1.000 autores, grandes nombres de la cultura, han participado en la revista.

En el número especial del 25 aniversario participan, entre otros, Marina Abramovic, Sebastião Salgado, Zhang Huan, Daido Moriyama, Tacita Dean, Martin Scorsese, Byung Chul-Han, Antonio Lucio, Ferran Adrià, Alberto García-Alix, Javier Marías o Javier Gomá. Este número especial de Matador brinda un especial homenaje a una serie de artistas vinculados de manera muy especial a la revista, que acompañan al espíritu de la publicación desde su fundación: Eduardo Chillida, Eduardo Arroyo y Joselito el Gallo, en el año del centenario de su muerte, con una serie de imágenes, textos y obras de arte de cada uno de ellos.

© Marina Abramovic

Los dosieres visuales son la gran seña de identidad de Matador. El volumen 25 aniversario es en este sentido excepcional. Sebastião Salgado (Brasil) desvela las primeras imágenes de Amazônia, su testamento fotográfico, que está terminando en estos momentos después de 10 años de trabajo y prepara en un gran lanzamiento internacional en 2021. Zhang Huan (China) presenta imágenes de su extraordinaria obra de 37 metros sobre Mao Tse Tung realizada con cenizas. Tacita Dean (Gran Bretaña), una de las artistas contemporáneas más celebradas, publica en Matador una serie de obras realizadas con tiza y pizarra. Daido Moriyama (Japón), uno de los mitos vivos de la fotografía, ha seleccionado imágenes de sus últimos trabajos para publicar en Matador. Marina Abramovic (Serbia) abrirá la revista con la serie completa de la performance que realizó en España inspirada en Santa Teresa.

© Daido Moriyama

Para adentrarse a las páginas en blanco del futuro, Matador 25 cuenta con tres autores: Antonio Lucio, presidente de WWF España, firma un texto sobre la urgencia de respetar los ecosistemas para nuestro futuro como especie; el historiador italiano Salvatore Settis, uno de los mayores expertos sobre el mundo clásico, reflexiona sobre el pensamiento occidental; y el filósofo surcoreano Byung Chul-Han analiza el concepto de copia y falsificación en el mundo oriental.

Junto con el número se ha editado un cuaderno de artista extraordinario de Miquel Barceló que recoge su trabajo Le gran verre de terre, un gigantesco fresco de 190 metros de largo por 6 metros de alto que realizó en arcilla sobre los cristales de la Biblioteca Nacional de Francia en 2016 y que fue borrado por el artista poco después.
© Sebastian Salgado

Con motivo del aniversario de Matador, La Fábrica ha realizado una película de 135 minutos, un largo monólogo de Miquel Barceló en el que el artista habla de su vida, su trabajo y las ideas que le mueven. El documental estará disponible a partir de la próxima semana en la página web y las redes sociales de La Fábrica.

La Fábrica acogerá una exposición que recorre los 25 años de la revista durante Madrid Design Festival

La Bodega Matador, que elabora cada año un vino único homenaje a un artista, presenta en esta ocasión el Vino Barceló, embotellado con etiqueta del artista y creado por Ricardo Pérez Palacios y Álvaro Palacios en la zona vitivinícola del Bierzo (León).

Taller online “Leer las imágenes. Análisis de los discursos que atraviesan la fotografía” por José Gómez Isla

 


El Máster PHotoESPAÑA en Fotografía, en colaboración con el Ayuntamiento de Alcobendas, lanza el taller online "Leer las imágenes. Análisis de los discursos que atraviesan la fotografía" impartido por José Gómez Isla.

Este taller pretende dar algunas pautas de lectura crítica y competencia comunicativa para realizar interpretaciones adecuadas en torno a los distintos discursos que han atravesado la fotografía. Veremos cómo los discursos fotográficos son siempre móviles, múltiples y maleables: varían constantemente en función de la institución que los reformule, de la innovación tecnológica que los redefina, de la intencionalidad comunicativa y del caldo de cultivo cultural y la época en el que se enmarquen.

José Gómez Isla es licenciado y doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Profesor titular e investigador en diversas Facultades de Bellas Artes y de Comunicación Audiovisual del territorio español: Universidad Complutense de Madrid, Universidad Europea de Madrid y Universidad de Salamanca. Ha impartido seminarios, cursos de doctorado y clases de máster y maestría en programas oficiales de universidades extranjeras como la Universidad de Puerto Rico, Universidad de Buenos Aires, Universidad de la Plata o Universidad de Porto. Ha sido Visiting Scholar en la Universidad de Harvard durante el curso 2017-18. Compatibiliza su labor docente con la crítica de arte y el comisariado de exposiciones.

Ha publicado diversos libros y monografías de arte y fotografía (Fotografía de Creación (2005), Cuestión de Imagen (2013) o Álbum de familia y prácticas artísticas (2019), así como numerosos artículos en catálogos de exposiciones, ensayos colectivos y revistas especializadas en arte, comunicación, fotografía y cultura audiovisual. Sus líneas de investigación se centran en la cultura visual, el arte contemporáneo, el medio fotográfico, la tecnología y sus implicaciones sociales y culturales.

Actualmente es Profesor Titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca (España).


Fecha: del lunes 15 al viernes 19 de febrero, de 2021

Horario: 17:00 a 19:00 h (hora española)

Modalidad: online

Precio: 120 euros