Cabecera La Mirada Fotográfica

Cabecera La Mirada Fotográfica

sábado, 28 de mayo de 2022

LOS PAISAJES DE SEBASTIÄO SALGADO SE UNEN A LOS DE LAS COLECCIONES REALES PARA CELEBRAR EL 25 ANIVERSARIO DE PHOTOESPAÑA

 

Isla de Siberut, Indonesia 2008 © Sebastiäo Salgado

Por primera vez en los 25 años que lleva celebrándose el Festival de PHotoEspaña, Patrimonio Nacional se une a la cita para presentar en los salones Génova del Palacio Real la exposición Sebastiäo Salgado y las Colecciones Reales, Encuentros en torno a la fotografía de paisaje. La muestra está patrocinada por Acciona y podrá visitarse entre el 31 de mayo y el 4 de septiembre. 

En el acto inaugural, la presidenta de Patrimonio Nacional, Ana de la Cueva, ha destacado que la exposición es un doble encuentro, porque no solo conecta a los pioneros de la fotografía con la mirada contemporánea de Salgado, sino que también une a Patrimonio Nacional con PHotoEspaña. También ha afirmado que los fondos del Archivo General de Palacio y de la Real Biblioteca son fundamentales para entender la historia de la fotografía en España y en Europa. 

Balete Castaños en el bosque de Tinunkup. (Mindanao,Filipinas).-Autor desconocido, 1892

Cascada de la Caprichosa, Monasterio de Piedra - Jean Laurent, 1862

Salto del Ángel, 2006 © Sebastiäo Salgado

Por su parte Claude Bussac, directora del festival, ha comentado que la exposición crea una relación inédita, ya que aporta a la vez una mirada hacia la fotografía del XIX, pero también una mirada hacia la fotografía contemporánea, en la que vemos también unas notas de lo sublime. 

La muestra reúne 12 imágenes de Sebastiäo Salgado con 67 piezas de fotógrafos pioneros del siglo XIX: Clifford, Laurent, William Atkinson, Adolphe Braun, Isaiah West Taber y otros archivos históricos procedentes del Archivo General del Palacio y la Real Biblioteca. A través del tiempo y el espacio, se teje un hilo conductor que conecta el trabajo de más de veinte autores y sus particulares acercamientos a la naturaleza. En su mayoría estos trabajos son obra de fotógrafos extranjeros instalados en España, bajo el encargo de documentar escenas, retratos y vistas urbanas. Sin embargo su mirada también recayó sobre la naturaleza que encontraban a su paso: refugios que todavía pervivían ajenos al torbellino del progreso. 

Cocoteros a orillas del mar, Ceilán - Plateco, 1930

Coleccion de la Real Biblioteca

Desierto de Tadrart, Argelia 2009 © Sebastiäo Salgado

Pero es al contemplar la obra de Salgado y ponerla en paralelo con los ejemplos tempranos de la fotografía cuando podemos apreciar de forma sorprendente como imágenes de diferentes autores, épocas y escenarios comparten un enorme parecido. Es aquí donde emerge la noción de lo sublime formulada por Edmund Burke en su tratado Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y lo bello, describiéndola como esa sensación de insignificancia que nos invade al contemplar la inmensidad de la naturaleza.


Leticia Ruiz (Directora de las Colecciones Reales, Representante de Acciona y Claude Bussac (Directora de PHotoEspaña)

Ana Cueva (Presienta de Patrimonio Nacional)


En definitiva, la fotografía de paisaje no solo constituye un acercamiento hacia lo sublime, con el que indagar en nuestra esencia y nuestra relación con la naturaleza, sino también un importante documento histórico con el que explorar los hitos y avatares de nuestra historia. 




miércoles, 25 de mayo de 2022

LOS COLORES DE OUKA LELE SE DIFUMINAN


Serían sobre las diez y media de la noche cuando empezaron a entrarme WhatsApps a mogollón. Había dejado el móvil cargando en otra habitación y al principio no me molesté en ir a ver qué ocurría pero ante la insistencia del soniquete que no acababa de parar me levanté del sillón y fui a por él. Fue un shock encontrarme con la terrible noticia de la muerte de Bárbara, más conocida en el ambiente fotográfico y cultural como Ouka Lele. La muerte de cualquier persona siempre nos deja un regusto amargo, si además esa persona es joven y la conocemos el dolor es mucho mayor. 

Yo conocí a Bárbara Allende Gil de Biedma hace ya muchos años en una fiesta prenavideña en casa de una amiga común. Por aquel entonces ella ya era una artista de renombre pero a mí me pareció una persona sencilla, divertida, original y con una gran personalidad. Estuvimos charlando de todo un poco como suele ocurrir en este tipo de eventos y me contó que estaba preparando un nuevo proyecto, se trataba de un libro del cual traía una maqueta  elaborada de forma artesanal que me pareció sumamente interesante, aunque en este momento no recuerdo exactamente de cual de sus trabajos era, probablemente del El nombre de una estrella. 

No puedo decir que fuéramos amigas íntimas más bien si buscamos un símil sería algo así como fijas discontinuas, es decir que a lo largo de los años nuestros caminos se han ido encontrando en repetidas ocasiones, algunas veces como consecuencia de nuestros respectivos trabajos, he asistido a ruedas de prensa, presentaciones y homenajes en los que ella era la protagonista, pero sobre todo en ocasiones festivas rodeadas y arropadas por amigos comunes. Me caía bien, era de esas personas con las que es fácil congeniar, con las que te sientes a gusto, a las que se echa de menos. 

En cuanto a su trabajo poco hay que añadir que no se haya dicho ya, Bárbara entendió la fotografía como «poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras», al menos así la describió ella y yo estoy totalmente de acuerdo. Para muchos fue una de los protagonistas principales de la Movida madrileña de principios de la década de 1980, pero en realidad fue mucho más, fue una artista multidisciplinar que supo imprimir a su obra carácter e identidad, algo de lo que no muchos artistas pueden presumir. 

He buscado en mi archivo una imagen que ilustrara este artículo y finalmente he optado por utilizar un retrato informal, en la que posa acompañada de un amigo en una de las fiestas que compartimos otrora. Así es como yo la recuerdo y como quiero recordarla, con una sonrisa y no detrás de un micrófono. 

Como he leído en un comentario de Facebook, Bárbara se ha ido y la echaremos de menos pero Ouka Lele permanecerá para siempre. 

jueves, 12 de mayo de 2022

ALEIX PLADEMUNT PROTAGONIZA LA PRIMERA EXPOSICIÓN INAUGURADA PARA PHOTOESPAÑA EN LA SALA CANAL DE ISABEL II

 


Aunque oficialmente el festival de la que será la veinticinco edición de PHotoEspaña tendrá lugar entre los días 1 de junio y 28 de agosto, ya empiezan a dibujarse en el horizonte fotográfico algunas de las exposiciones que podremos ver a lo largo de estos dos meses. Esta mañana se ha presentado la primera de ellas, que cuelga de las paredes del emblemático edificio que es el antiguo depósito de aguas del Canal de Isabel II. 

La sala viene haciendo especial hincapié en la escena fotográfica actual, tanto de los creadores de trayectoria más consolidada como de los más jóvenes y emergentes. En esta ocasión le ha tocado el turno a Aleix Plademunt, artista plástico catalán, nació en Gerona en 1980, que colgó los estudios de ingeniería para dedicarse a la fotografía. 



La muestra que ha sido comisariada por Antonio M. Soubanova, lleva por nombre Matter, del latín mater (madre) y hace referencia a la sustancia primera con la que están hechas las cosas. Así la obra de Plademunt se muestra desde un conjunto de imágenes de vocación científica que remite al mundo que nos rodea. El proyecto Matter analiza una de las cuestiones más antiguas de nuestra existencia: el origen.




Durante los últimos nueve años, Aleix Plademunt ha realizado miles de fotografías y decenas de viajes  por países de todo el mundo entre los que destacan España, Islandia, Francia, Suiza, Bélgica, Hungría, Eslovaquia, Holanda, Irán, Japón, México, Estados Unidos, Brasil, Perú, Argentina y Bolivia. Por tanto, se trata de una obra magna y ambiciosa que, partiendo de una base científica, propone una pausa profunda para revisar, explorar y extraer nuevas conclusiones sobre nuestra especie, nuestras relaciones, nuestras acciones y nuestro entorno. Tal y como la sofisticada combinación de la materia ha dado lugar a las complejas estructuras actuales, Matter crea una red de contenidos que, a través de sus minuciosas interacciones, genera un ciclo de reflexión crítica en el sujeto receptor.


La exposición Matter de Aleix Plademunt en la sala Canal de Isabel II se presenta como un viaje en torno al origen de la materia, su transformación y su devenir.  En la planta baja se propone una experiencia inmersiva en torno a cuatro piezas que dialogan sobre el concepto de origen. Se muestra una proyección de 6 metros de alto con una imagen provocada por la radiación de fondo cósmico, procedente del Big Bang hace 13 800 millones de años. Se presentan dos imágenes montadas en cajas de luz; una fotografía de una puesta de sol el último día del año, y la fotografía más lejana que existe de la Tierra, realizada a 6000 millones de kilómetros. Con la intención de introducir el Sol en el interior de la sala, se han instalado unas placas solares en el exterior del edificio que almacenan energía solar e iluminan estas dos cajas de luz. En diálogo con estas tres piezas se presenta una fotografía de gran tamaño de un tzompantli escultórico en piedra.  


En la primera planta se presenta una sucesión de imágenes en gran formato. Se trata de una selección de fotografías que, a modo introductorio, presenta la materia en sus diferentes estados. 

En la segunda y tercera planta se muestra una serie de combinaciones generadas con pliegos del libro AntiMatter (Ca l'Isidret + Spector Books, 2022). En la pared se recombinan estas páginas como si se tratase de “átomos de imágenes", desplegando ideas en forma de dípticos trípticos y poli-dípticos.

Aleix Plademunt © Conchita Meléndez

En la cúpula, se proyecta la película Un árbol es un árbol, dirigida y realizada por Aleix Plademunt y Carlos Marques-Marcet. Tiene una duración de 40 minutos, se reproduce en dos pantallas y está dotada de una voz en off que, a modo de ensayo, narra una serie de reflexiones, pensamientos y citas vinculadas directamente a conceptos introducidos a lo largo de toda la exposición, y que inciden principalmente en el gesto de mirar y observar.

© Fotografías de Aleix Plademunt
© Fotos de Sala de Conchita Meléndez



sábado, 7 de mayo de 2022

VIVALDI REDISEÑADO POR ARA MALIKIAN PARA LOS PASEOS MUSICALES DEL BOTÁNICO

 

Estebán Manrique, Ara Malikian, Claude Bussac

El músico de origen libanés pero que lleva asentado en España más de veinte años ha ideado una propuesta, para todos los públicos, en la que tres formaciones de metales, cuerdas y maderas interpretarán, respectivamente La primavera, El verano y El otoño, de Las cuatro estaciones, de Antonio Vivaldi.


Las notas de las Estaciones de Vivaldi inundarán las tardes y noches del 19 de mayo al 25 de septiembre en Madrid, en una nueva edición de los Paseos Musicales del Real Jardín Botánico. Una edición muy especial que ha contado con la dirección artística de Ara Malikian y en la que  fragmentos de La primavera, El otoño y El verano se mezclaran con el aroma de los tulipanes, los narcisos, los lirios y las magnolias. 


El músico libanés se ha inspirado en los colores, plantas y árboles de este museo vivo del centro de la capital para concebir una propuesta musical, en la que música clásica y naturaleza se dan la mano en una experiencia que permitirá al público descubrir algunos de los entornos más especiales del Real Jardín Botánico, en grupos reducidos y en un horario excepcional. 

Lope Morales Moya (Flauta), Sebastián Armas (Violín), Carlos Martín (Violín), Cristina López (Chelo)

La Rosaleda, la Glorieta de los Plátanos y la Glorieta de los Castaños, son los emplazamientos que contarán con “paradas musicales” en estos paseos en los que tres formaciones de metales, cuerdas y maderas interpretarán respectivamente La primavera, El verano y El otoño.


Sin duda las Cuatro estaciones es una de las obras más representativas de Antonio Vivaldi (1678 – 1741). Concebidas como un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta, se las puede considerar cuadros musicales que narran el ciclo y alteración de las estaciones, cada una con sus propias características, desde la luz pura y cálida de la primavera; el calor del verano y los colores del otoño. La obra original fue publicada junto con unos poemas de acompañamiento, posiblemente escritos por el propio Vivaldi, que describían lo que el músico sentía ante la explosión de la naturaleza en cada una de aquellas etapas. Así la primavera estaría plena de color, de trinos de pájaros, de luz abriéndose paso, mientras que el invierno estaría descrito en tonos oscuros y tétricos, todo ello representado por el sonido del violín, la viola, el chelo y el contrabajo a los que Ara Malikian ha incorporado la flauta travesera.


Vivaldi divide cada concierto en tres movimientos, rápido-lento-rápido, y de la misma manera cada soneto se parte en tres secciones. Dos de estos movimientos, el primero y el tercero, están en tiempo de Allegro o Presto, mientras que el segundo está caracterizado por un tempo de Adagio o Largo, según un esquema que Vivaldi ha adoptado en la mayor parte de sus conciertos.


Sobre Ara Malikian


Ara Malikian

Ara Malikian es un violinista español de origen libanés y ascendencia armenia. A muy temprana edad reconocieron su talento a pesar de las circunstancias en que la guerra civil libanesa le obligó a vivir, estudiando durante largos períodos en refugios antiaéreos. Ofreció su primer gran concierto con tan solo 12 años y, a los 14, el director de orquesta Hans Herbert- Jöris lo escuchó, otorgándole una beca del gobierno alemán para estudiar en la Hochschule für Musik und Theatre Hannover. Amplió sus estudios en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los profesores más prestigiosos del mundo. En los últimos años editó un álbum como guiño a sus 15 años en España, con grandes colaboraciones en el Teatro Real de Madrid.


La gira “15”, una de las más grandes de los últimos años, fue un éxito de público y crítica con más de 175,000 espectadores y más de 150 conciertos.


Con su nuevo álbum “The Incredible History of Violin”, presentó su gira mundial con Violín viajando a través de su vida, alcanzando prestigio mundial y visitando las capitales más importantes del mundo con conciertos en los auditorios y teatros más prestigiosos del mundo: Londres, París, Roma, Moscú, Buenos Aires, Ciudad de México, Lima, Santiago de Chile, Pekín, Hong Kong, Estambul, Belgrado, Bratislava, Madrid, Lisboa, Berlín...


En 2019, su nuevo Royal Garage World Tour comienza con el lanzamiento de su último álbum “Royal Garage”, que cuenta con colaboraciones de artistas como Andrés Calamaro, Enrique Bunbury y Serj Tankian.


Su última gira Petit Garage, fruto de un mundo en pandemia y de la anterior gira Royal Garage, se transformó en un espectáculo de piano y violín con aforos más limitados llenos de sentimientos. Un ambiente diferente que se trasladó también a la música y al público. Un concierto único, íntimo y personal que nos ha llevado a recorrer el mundo desde la Ópera de Dubai a Michoacán en México y el Palacio Real de Madrid.

Las entradas para asistir a los conciertos y disfrutar del maravilloso entorno que nos procura el Jardín Botánico, que en estos días está pletórico tras su nuevo diseño, ya están a la venta y tiene un precio de 21 €. Puedes adquirirlas en el siguiente enlace:


Compra de Entradas




lunes, 21 de marzo de 2022

“AL DESCUBIERTO”, UNA CUIDADA SELECCIÓN DE FOTOGRAFÍAS DE LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO XX

 

Saul Leiter

La Fundación Canal presenta “Al descubierto. Obras seleccionadas de The Howard Greenberg Gallery”, una exposición comisariada por Anne Morin que reúne 111 imágenes elegidas entre más de 30.000, pertenecientes a algunos de los más grandes fotógrafos y que en su mayoría pocas veces se ha tenido la oportunidad de ver. La muestra se podrá visitar en su sala Mateo Inurria 2 a partir del 22 de marzo y hasta el 24 de julio. 

La muestra está compuesta por 111 imágenes de 66 maestros de la fotografía como Berenice Abbott, Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Bruce Davidson, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Eugène Atget, Robert Capa, Elliott Erwitt, Helmut Newton, Vivian Maier o Man Ray, que constituyen un viaje en el tiempo por el último siglo de nuestra historia, con especial atención a los avances que desde EE.UU. se dejaron sentir en todo el mundo. En su mayor parte se trata de fotografías desconocidas que pocas veces (o ninguna) se han mostrado al público. 

Eve Arnold

Edward Weston

Los fondos proceden del archivo de The Howard Greenberg Gallery de Nueva York (EE.UU.), una de las principales referencias mundiales en cuanto a fotografía del siglo XX. Howard Greenberg, su fundador, lleva cerca de 50 años dedicado en cuerpo y alma a completar su archivo y a promover grandes talentos fotográficos. En la actualidad, su galería atesora unas 30.000 imágenes firmadas por los artistas más destacados del último siglo, muchas de las cuales jamás han sido mostradas al gran público ya que su exhibición ha estado restringida al circuito del coleccionismo privado. 

Anne Morin, fundadora de diChroma y comisaria de la muestra, ha tenido la oportunidad única de bucear en el archivo de The Howard Greenberg Gallery en Nueva York para seleccionar, siempre desde su experta y personal óptica fotográfica, las imágenes más interesantes y los tesoros ocultos de la colección de Greenberg. Con ellas da forma a una exposición única en la que las imágenes aparecen agrupadas en pequeños grupos de 3 o 4 fotografías, situados a continuación unos de los otros, en los que cada imagen complementa a las que le rodean. 

Mike Disfàrmer

Robert Frank

Los motivos de tales agrupaciones hay que buscarlos en el diálogo que las imágenes tienen entre sí, bien sea a nivel formal, estético o conceptual. Pero, en cualquier caso, no se trata de un discurso cerrado y unidireccional, si no que se incita al visitante a participar para acabar de crear las relaciones entre las imágenes que se presentan juntas, o entre los diferentes grupos, para crear su propio discurso narrativos. De esta forma, como en los “museos imaginarios” sobre los que reflexionaba el escritor y ministro de Cultura francés André Malraux en 1947,  unos lugares ideales, subjetivos y adaptables en los que cada uno diseña su propio museo incorporando elementos o realizando lecturas a su gusto. De este modo, el visitante "descubrirá, le guste o no, su propio tesoro".

"La materialidad de una obra de arte la constituye la mirada que se dirige a ella; solo existe en la medida en que es vista y verbalizada", afirmaba el filósofo y teórico del arte Paul Virilio, y esta es la idea que subyace en la peculiar propuesta de la exposición “Al descubierto.

Helen levitt

Lisette Model

Martin Munkácsi

La otra figura artística que ha guiado a Anne Morin a la hora de desarrollar la exposición es el “cadáver exquisito”, el juego literario inventado por los surrealistas en el que cada participante va añadiendo palabras a una frase sin conocer las palabras previas o posteriores y cuyo resultado es, en palabras de Georges Bataille: "La ilustración más perfecta de la mente", al revelar el resultado la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado.

En cuanto a las fotografías mostradas, la exposición cuenta con varios hitos, de los cuales destacamos algunos. Uno de ellos es el retrato de Jean Pearson realizado por Saul Leiter en 1948  que nos muestra la mirada turbada de la actriz, absorta en sus pensamientos. Más allá de la extraordinaria belleza de su rostro y del poder estético de su sencillez, Leiter nos muestra cómo una fotografía puede captar y plasmar los tonos más sutiles y tenues del alma.  

Arnold Newman

Edward Steichen

Cerca de este, destaca otro retrato, el del "León" David Ben Gurion, padre fundador del estado de Israel, retratado por Arnold Newman. Se muestra frontal e inquebrantable, y sus poderosas manos de forjador muestran su implacable determinación por concluir aquello que se propone. Vemos la imagen en dos tiempos: la instantánea de Polaroid y la fotografía posterior, que es la que realmente está destinada a ser vista. Entre ambas, los minúsculos y perspicaces reajustes del fotógrafo para lograr la precisión de un retrato físico que se convierte en un retrato psicológico.  

Helmut Newton


Manuel Álvarez Bravo centra la atención de su retrato de Marion Greenwod en sus manos. A través de ellas se nos desvela la enigmática presencia de la fascinante e ingeniosa muralista norteamericana, que falleció demasiado joven ignorada por la crítica y el público antes de que su nombre pasará a la historia.

Más adelante, los niños de Helen Levitt, con sus trajes de tweed y sus impecables zapatos, aparecen detrás de sus enigmáticas máscaras como triunfales emperadores de la Gran Metrópolis. Relatan la historia de una guerra completamente diferente, mucho menos salvaje, violenta y brutal que la de los niños de Lewis Hine, relegados a los barrios humildes de Nueva York y que aguardan sin esperanza un mañana que nunca llegará.  

Horst P. Horst

Helen levitt

Los magos del color también están presentes en la exposición. El visitante puede disfrutar del rojo vivo de Eggleston, los tonos pastel de Louis Faurer modelando formas sutiles o los espectros disonantes de Joel Meyerowitz. Más adelante, una imponente imagen de Helmut Newton que irradia un azul de extraña profundidad para atraer la atención del paseante.  



Aunque en su mayor parte se trata de imágenes desconocidas para el gran público y que prácticamente no se han mostrado fuera del ámbito del coleccionismo privado, la comisaria Anne Morin también ha querido incluir algunas imágenes icónicas que sirven como anclaje al visitante y le permiten comparar con el resto para poner de manifiesto que, a veces, el que una imagen sea más o menos conocida depende más de la casualidad o de las circunstancias que de su calidad, excepcional en todos los casos. Entre estas imágenes más famosas encontramos la mítica Corset Mainboucher, de Horst P. Horst (1939), que abre la exposición o Chica fumando sobre una manta (1959), de la icónica serie Brooklyn Gang de Bruce Davidson.  

De izquierda a derecha, Cristian Ruíz Orfila, Anne Morin, Marta Rivera de la Cruz y Eva Tormo Mairena

miércoles, 16 de marzo de 2022

“LAS HABITANTES” UN PROYECTO FOTOGRÁFICO DE ANA PALACIOS

 


Tras quince años trabajando en la producción de cine americano, la periodista y fotógrafa Ana Palacios cambió radicalmente su vida y emprendió el camino profesional de la fotografía vinculada a los derechos humanos con el único objetivo de mostrar realidades invisibles y sensibilizar a quien quiera mirar a este lado.

Es por ello que, en este mes en el que se ensalza la figura de la mujer y vemos cada día cómo los derechos humanos son vulnerados en el mundo, no había mejor oportunidad para acoger su exposición “LAS HABITANTES” en la World Gallery de B the travel Brand Xperience Madrid.


Formada por un total de 25 fotografías, esta muestra es un viaje vital simultáneo de distintas mujeres en diferentes puntos del mundo: Colombia, India, Madagascar… El planeta interpretado como espacio único y sin fronteras, una casa común para todas las personas.

Todas las protagonistas navegan su presente contracorriente. Se enfrentan al doble desafío, el de ser niñas y el de ser mujeres, en países donde los derechos de la mujer son cuestionados con demasiada frecuencia.


Las imágenes caminan por el mapa, personal y universal, que traza cada una de ellas hacia la vida adulta: momentos de introspección, educación, juego, pertenencia a la comunidad, ilusiones… Niñas que dejan de ser anónimas para mirarnos e interpelar a la reflexión a quienes las observamos.

“LAS HABITANTES” se asoma a las ventanas de realidades complejas dejando la puerta abierta hacia un futuro donde las mujeres, sin importar su punto de partida, tienen cada vez más fuerza y protagonismo, que luchan por habitar su merecido lugar en la sociedad y en el planeta.


Ana Palacios es miembro del jurado de distintos premios internacionales de fotografía y es docente en escuelas de fotografía y universidades europeas. Su obra ha sido premiada, publicada y expuesta en los cinco continentes. Ha publicado varios libros y ha dirigido un documental sobre esclavitud infantil.

La muestra podrá visitarse en B the travel brand Xperience Madrid desde el 22 de marzo hasta el 15 de junio.


Además el próximo 22 de marzo llega a Madrid la cuarta edición de TRAVELING, el certamen anual de documentales de viajes dirigido por el periodista Paco Nadal.

TRAVELING es un espacio para compartir, debatir y descubrir en torno a las múltiples expresiones del género documental de viajes con un formato novedoso.

Esta edición TRAVELING 2022 pretende mostrar la mirada personal de tres realizadores de ambos lados del Atlántico. Una mexicana y un español que ejemplifican muy bien la adaptación a estas nuevas técnicas narrativas, que no necesitan de complejos equipos humanos y técnicos para contar bellas historias.

La inauguración de la Semana Travelling será el próximo día 22 de marzo a las 19:00 horas con la proyección del corto documental Yamuna, de Bea Hohenleiter y Adonis Macías, ganadores de la Beca TRAVELING 2019.

Todas las actividades son gratuitas. Acceso libre hasta completar aforo.