Zed Nelson

Supongo que si hubiera que describir a Zed Nelson por una única cualidad sin duda habría que elegir su tenaz persistencia y es que este británico nacido en Uganda en 1965, lugar a donde sus padres, ambos periodistas, se habían trasladado como editores de un periódico unos años antes, es capaz de emplear largos períodos de su vida en la realización de sus proyectos fotográficos. 

Como un nómada errante Nelson ha recorrido un gran número de países de los cinco continentes recopilando imágenes que más tarde han ido a parar a alguno de sus libros u otros trabajos. Para su segundo libro “Love Me”, un reflejo cultural de la actual obsesión por la belleza y de cómo ésta idea es exportada y globalizada a todos los países del mundo por los distintos canales de comunicación, Zed Nelson recorrió 18 paises y empleó cinco años hasta conseguir una colección de imágenes que representarán la idea que quería expresar. Su esfuerzo fue recompensando con el First Prize, 2010 Pictures of the Year Competition y algunos premios más. 

Con anterioridad ya había conseguido el mismo galardón por su primer libro, “Gun Nation”, un retrato de la sociedad americana y su pasión por las armas. Otro de los trabajos que le ha llevado largo tiempo realizar ha sido el dedicado a aquellos cuyas profesiones o costumbres están en trance de desaparecer. “Dissapearing Britain” es un proyecto que se centra en aquellas personas o tipos de vida que están comenzando a extinguirse. Desde los mineros del carbón de Yorkshire, cuyo sector se ha ido diezmando tras los cierres llevados a cabo por las privatizaciones del gobierno, a los pescadores de Cornualles cuyos medios de vida van desapareciendo junto con las poblaciones de peces que se agotan. O también desde los aristócratas que reclaman su derecho a mantener la caza del zorro a pesar de la creciente condena pública de tan sangriento deporte, a los veteranos de la Segunda Guerra Mundial. Estas historias que Nelson nos cuenta no son sólo una decoloración de las tradiciones, son también la forma en que se observan los cambios políticos, sociales y morales que han ocurrido en los últimos años. 

Pero sin duda el proyecto al que le ha dedicado más tiempo Zed Nelson ha sido a “The Family”. Todo comenzó en 1991 cuando el fotógrafo les hizo una fotografía a un amigo suyo y a su esposa que estaba embarazada de nueve meses. A partir de ese momento la familia se reunía con Nelson una vez al año para tomar una y otra vez la misma fotografía, realizada de la misma manera y con la luz y el resto de las condiciones de una forma similar. La operación se ha seguido realizando a lo largo de dos décadas dando lugar a una serie de imágenes en las que se refleja la evolución de la familia, no sólo en el aspecto físico sino también en la forma en que sus miembros interactúan los unos con los otros de forma que al principio, el niño permanece más próximo a la  figura materna mientras que en las imágenes finales adquiere algunas de las posturas del padre, a quien inconscientemente imita. 

Todos los trabajos de Zed Nelson tienen un trasfondo social y un deje de denuncia. Las primeras imágenes que consiguió vender fueron realizadas durante la violenta manifestación que tuvo lugar en Trafalgar Square el 31 de Marzo de 1990 contra la subida de impuestos aprobada por Margaret Tatcher. Los enfrentamientos entre los manifestantes y la policía se sucedieron durante 12 horas, hubo 113 heridos y 339 detenidos. Nelson que había acudido como manifestante acabo realizando las fotos que vendió a una revista de izquierdas. Una de ellas se publicó a doble página y le pagaron 25 libras por ella. Aquel acto probablemente estableció las bases de lo que se convertiría en un estilo de vida y de trabajo comprometido con un entorno social, político y humano capaz de cuestionar el sistema pero sin ningún tipo de retórica o imposición. 

http://www.zednelson.com/

Julio López Saguar

A veces por pura casualidad, en mi incansable búsqueda de temas relacionados con la fotografía me topo con autores a los que no conocía y de los que no tenía ninguna referencia pero que desde la primera imagen suya que observo sé que me va a gustar su trabajo. Ese es el caso de Julio López Saguar.

Sin embargo el hecho de que yo no le conociera no quiere decir que Julio sea un novato o que no tenga un inmejorable currículo. En realidad este hombre cuyas imágenes me han cautivado  lleva más de treinta años haciendo fotografías.  De formación autodidacta, se inició en la fotografía a los 15 años con una cámara Verlisa Color, una sencilla cámara compacta con objetivo de 45mm que le permitía manejar el obturador y el diafragma a su gusto y que le ofrecía una visión muy ajustada a la realidad.  Unos años después, a principios de los 70,  y dado su creciente interés por la fotografía realiza un curso por correspondencia. Se llamaba “La Fotografía es fácil”, de la editorial AFHA y en aquella época venía a sustituir la falta de escuelas sobre la materia.

También por aquellos años comienza a frecuentar La Real Sociedad Fotográfica de Madrid, de la cual ha sido socio durante más de 25 años y a participar en distintos concursos, lo que le lleva a obtener un palmarés de más de 400 premios y a exponer su trabajo tanto individual como colectivamente por todo el territorio nacional y también por diversas ciudades del resto del mundo.

Julio describe su fotografía como documental, eminentemente urbana pero con muchos guiños conceptuales. Yo añadiría que es una fotografía sincera, abierta, algo crítica y en ocasiones con un toque irónico e irreverente, tal y como debe de ser la fotografía de la calle.

Como casi todos los fotógrafos que comenzaron a trabajar en los años 70 y 80, sus inicios fueron en blanco y negro, luego paso a la diapositiva y a partir del 2000 trabaja exclusivamente en color ya que considera que al ser su trabajo eminentemente documental no debe de restarle ningún tipo de información. Al contrario que muchos otros fotógrafos de su generación López Saguar no ha tenido ningún reparo en pasarse al “lado oscuro” es decir al formato digital, adaptándose a él sin ningún reparo. Le gusta trabajar en formato cuadrado, pero curiosamente no suele disparar en él sino que utiliza un método propio y adapta sus imágenes en la postproducción para obtener una mayor calidad.

Cuando veáis su trabajo seguramente encontraréis que algunas de sus fotografías tienen un cierto aire cinematográfico y eso es totalmente normal ya que en su quehacer cotidiano, ese que nos sirve a todos para llevar el pan a casa, Julio López Saguar se dedica a realizar spots publicitarios, de modo que existe un nexo entre las dos facetas, la de fotógrafo y la de realizador de cine. Según sus palabras, “La fotografía influye en el cine en la manera de encuadrar de utilizar la luz, en la postproducción, etc… y el cine influye en la fotografía en el modo que te planteas contar una historia, en el discurso y en el oficio.”

Como todos los fotógrafos que nos dedicamos a la calle, Julio en consciente de los problemas que pueden plantearse a la hora de exhibir su trabajo, dada la cada vez mayor susceptibilidad de la gente a ser fotografiada, pero este hecho no le detiene a la hora de realizar sus imágenes, que prefiere que sean “robadas” para no restar naturalidad a la escena. Tampoco le preocupa la creciente popularización de la fotografía a través de las redes sociales ya que cree que este tipo de fotos tienen fecha de caducidad, no hay cultura de documentalismo, la mayoría se perderán en la nube o en un formateo involuntario de discos duros, es fotografía de consumo, de usar y guardar, o tirar. Dentro de unos años nos encontraremos con alguna foto interesante más fruto  de la casualidad que de un trabajo pensado.

Y como me imagino que estaréis deseando ver sus fotografías, para lo cual como siempre os dejaré un enlace a su página web de modo que podáis disfrutarlas despacito y a gusto, sólo me queda desear a Julio López Saguar mucho éxito en sus nuevos proyectos y a todos vosotros que sigáis alegrando vuestra mirada con todos los estupendos fotógrafos que podéis encontrar a través de internet, en las librerías, en las salas de exposiciones, galerías de arte o museos. Hasta la próxima.

  

http://www.jlopezsaguar.com/

Jimmy Nelson

La fotografía etnográfica o antropológica además de disponer de un valor científico al situar a distintos pueblos en el entorno socio-cultural único y concreto del cual proceden y mostrarnos de ese modo sus costumbres y tradiciones, tiene el aliciente de ser muy llamativa y vistosa a los ojos del espectador. Son muchos los fotógrafos que de un modo u otro y en mayor o menor medida se han decidido por este tipo de fotografía documental. 

Jimmy Nelson es un fotógrafo de origen británico, nacido en York que tras pasar diez años encerrado en un internado jesuita en el norte de Inglaterra decidió liberar su mente realizando un viaje a pie a través de las montañas de Tibet. Su viaje duró un año durante el cual recogió numerosas imágenes que mostraban un Tibet hasta entonces inaccesible para la mayoría de la gente. La publicación de las mismas le supuso un claro éxito a nivel internacional. 

Ese fue el pistoletazo de salida para una profesión que le ha generado grandes logros y que le ha llevado a cubrir reportajes periodísticos como el conflicto entre India y Pakistán en Cachemira, la intervención rusa en Afganistán o el comienzo de la guerra en la antigua Yugoslavia. 

Al mismo tiempo se ha visto involucrado en grandes proyectos, como el que llevó a cabo entre 1994 y 1997 en la República Popular China y cuyas imagines finales fueron exhibidas en el Palacio del Pueblo en la Plaza de Tiananmen, para posteriormente comenzar una gira por todo el mundo. Poco después Jimmy Nelson comienza a acumular imágenes de culturas remotas y únicas fotografiadas con una cámara de placas tradicional. De ahí nació su proyecto más importante llevado a cabo a partir del año 2009 y que tituló “Before they pass away”

Entre los años 2009-2010 Nelson decidió pasar 2 semanas en diferentes tribus aisladas del mundo, sumando un total de 29  (en las que se calcula que viven 15 millones de personas) en un proyecto que denominó “Before they pass away” (“Antes de que desaparezcan”). En cada tribu, Jimmy conoció sus antiguas tradiciones, se unió a sus rituales y las retrató de una manera muy atractiva. Sus detalladas fotografías exhiben joyas únicas, curiosos peinados, armas y ropa, sin olvidar el entorno y los elementos culturales más importantes de cada tribu o pueblo retratado. Según Nelson, su misión era asegurar que el mundo nunca olvidara cómo fueron las cosas en algún punto de la Historia y del tiempo. 

En total el fotógrafo británico ha recorrido 44 países en 13 viajes y además de seres humanos excepcionales, la selección fotográfica también recopila impresionantes paisajes pocas veces al alcance de nuestros ojos. Todo ello está recogido en un libro publicado por la editorial TeNeues con algo más de 450 páginas y que dispone de una edición especial tamaño XXL numerada y limitada a 500 ejemplares, que puede adquirirse por el módico precio de 6500 €. No os asustéis, también hay una edición más normalita para el público en general por alrededor de unos 120/150 € dependiendo de la librería donde se adquiera. 

Es indudable que el trabajo de Jimmy Nelson ha sido titánico y que sus imágenes son espectaculares, lo que no está tan claro es si realmente todos los pueblos fotografiados, yo prefiero ésta expresión y no la de tribus ya que por ejemplo no considero que los gauchos por ejemplo lo sean, están en peligro de extinción o si los posados muestran claramente la realidad cotidiana de sus gentes.  Desde el momento en que cualquiera de nosotros, llamémonos extranjeros para simplificar, invadimos la intimidad de éstos pueblos es inevitable que surja una cierta contaminación cultural, un cruce de costumbres que en cierto modo desvirtúa la cotidianidad que pretendemos plasmar.

http://www.beforethey.com/

Alec Soth

Nacido en Mineápolis, en el estado de Minnesota , en 1969, Alec Soth ha sido comparado con fotógrafos como Walker Evans, Robert Frank o Stephen Shore. De todos ellos si yo tuviera que asimilarle a alguno creo que me quedaría con el último y tal vez también le situaría en la línea de Joel Sternfeld, aunque ya se sabe que las comparaciones son sino odiosas desde luego si algo totalmente subjetivo.

Quizás el hecho de que la ciudad en la que vive corra paralela al rio Misisipi haya sido una pieza clave para que le proporcionara la inspiración de sus primeros trabajos. Igual que un moderno Huckleberry Finn, Soth recorre los caminos del medio oeste americano recogiendo paisajes y retratos a primera vista anodinos, pero que en el fondo nos muestran sino una crítica social al menos si una pequeña historia de los habitantes de esa parte del país. 

En su reportaje “Niagara”, por ejemplo, podemos ver a través de sus imágenes de moteles, parejas recién casadas, boxeadores noveles o cartas de jóvenes amantes, una cierta mirada de desencanto con un fondo que podría ser idílico pero que a tenor de sus expresiones no lo parece. 

Hay algo en su trabajo que nos produce un cierto desasosiego. Desde sus primeras fotografías agrupadas bajo el epígrafe “Sleeping by the Mississipp” un viaje de cuatro años por las carreteras de la región, donde al parecer de algunos se plantea el tema de la libertad, erigida como un ideal sin límites, algo que a mí me cuesta reconocer, hasta “The last day of W”, o “Broken Manual”, asistimos como meros espectadores que somos al desarrollo de un trabajo llevado a cabo con gran meticulosidad, en donde están latentes sentimientos íntimos de los fotografiados, como la soledad y el desarraigo, y una cierta decadencia de las zonas en las que habitan sus personajes. Lugares que en el pasado fueron importantes centros agrícolas y de actividad maderera y que hoy en día han dejado de serlo. 

El trabajo de Alec Soth está presente en importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo algunos de los museos más importantes de EEUU, tales como el de Arte Moderno de San Francisco o el de Bellas Artes de Houston. En el año 2004 Soth se convirtió en candidato de la Agencia Magnum y desde el 2008 es miembro de pleno derecho. 

También en el 2008 crea su propia editorial: Little Brown Mushroom, dedicada a publicar foto-libros en ediciones limitadas. 

Aunque la mayoría de sus trabajos han sido realizados en solitario, también ha contribuido a algunos proyectos con otros fotógrafos, como es el caso de “Post Cards From América”, en donde un grupo de miembros de Magnum formado por él, Susan Meiselas, Jim Golberg, Paolo Pellegrin y Mikhael Subotzky, Bruce Gilden o Martin Parr, entre otros, se han estado reuniendo a lo largo de 18 meses en distintos lugares de toda América para experimentar con la idea de trabajar en colaboración. El equipo formado por ellos ha viajado a Utah, Rochester, Nueva York y Florida y cada uno de estos encuentros ha supuesto un reto diferente, con una estructura diferente y por supuesto con puntos de vista muy distintos.  

http://alecsoth.com/photography/

http://postcardsfromamerica.tumblr.com/