Cabecera La Mirada Fotográfica

Cabecera La Mirada Fotográfica

martes, 27 de mayo de 2025

‘DUANE MICHALS. EL FOTÓGRAFO DE LO INVISIBLE’

Andy Warhol © Duane Michals Inc. Cortesía de Admira Milano

La Fundación Canal presenta, del 28 de mayo al 24 de agosto de 2025, la exposición Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, una retrospectiva única, incluida en la sección oficial de PHotoESPAÑA 2025. La muestra, comisariada por Enrica Viganò y creada en estrecha colaboración con el propio artista, reúne 51 obras compuestas por 150 fotografías que recorren seis décadas de trabajo ininterrumpido, desde 1964 hasta sus creaciones más recientes, incluyendo una secuencia de este mismo año.


Duane Michals (McKeesport, Pensilvania, 1932), figura clave en la renovación de la fotografía contemporánea, es considerado el precursor de la fotografía conceptual y filosófica. Autodidacta y ajeno a las normas del medio, introdujo narrativas visuales a través de secuencias que cuentan una historia, y textos manuscritos que acompañan sus imágenes, desafiando el canon documental y desplazando el foco hacia lo emocional, lo metafísico y lo poético.


Su fotografía, más próxima al cine o a la literatura que a la tradición fotoperiodística, pone en cuestión el estatuto de la imagen como registro de la realidad y representa conceptos abstractos como la espiritualidad, la filosofía, el paso del tiempo, la muerte, el amor y el propio yo.


Duane Michals es un ser humano con fuertes opiniones sobre lo que le rodea; toma partido y busca la manera de sacudir conciencias de una manera totalmente original. El resultado son obras inquietantes y poéticas al mismo tiempo sobre temas como el racismo, la guerra, la homosexualidad, la muerte. 


Duane Michals trabaja en equilibrio entre la fotografía conceptual y la poesía visual. Michals materializa lo intangible, lo que no se ve. Subvierte la lógica documental de la fotografía para explorar aquello que no tiene forma: evoca emociones, sensaciones, pensamientos, deseos, sueños o recuerdos.


La muestra Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible es una ventana a su mundo interior, intenso, complejo, un constante cuestionamiento de la experiencia humana, de la propia y de la ajena. “Yo creo en lo invisible. No creo en lo visible. La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Para mí, la realidad está en la intuición, la fantasía, y en esa pequeña voz en mi cabeza que me dice: ¿no es acaso esto extraordinario?”.


Si hay algo que le caracteriza es que rompe con la idea de fotografía estática e inmutable. Es precursor de lo que se conoce como «fotografía fabricada»: más que salir al encuentro de un evento casual o fortuito, construye el escenario como si se tratara de la toma de una película, y dirige a los protagonistas para crear la acción. A veces, los modelos son desconocidos o amigos, y otras, es él mismo el que interpreta el momento. A menudo fragmenta la imagen y compone secuencias –que incluyen desde tres instantáneas hasta quince– que cuentan una historia. Como una concatenación de herramientas, fotograma a fotograma crea una narrativa escenificada que se acerca más al formato cinematográfico que a la fotografía tradicional.


Otro componente distintivo es que incorpora textos manuscritos en los espacios blancos alrededor de algunas de sus fotografías. Estos textos, con autonomía propia, no son meros pies de foto, sino que son el vehículo para poner de manifiesto lo que no se puede fotografiar; son un añadido al significado que ya de por sí tienen las imágenes.


La exposición, incluída en la sección oficial de PHotoESPAÑA, podrá visitarse en la Fundación Canal del 28 de mayo al 24 de agosto.

Fotografias de sala © Conchita Meléndez




jueves, 15 de mayo de 2025

JOEL MEYEROWITZ RECIBE EL PREMIO PHOTOESPAÑA 2025 Y PRESENTA EN MADRID LA EXPOSICIÓN EUROPA 1966-1967

 


En 1966, Joel Meyerowitz, un joven fotógrafo de 28 años inspirado por la obra de Robert Frank, en busca de crecimiento artístico y personal, deja su trabajo en una agencia de publicidad de Nueva York para emprender un viaje de más de 30.000 km por las carreteras de Europa, visitando diez países y realizando unas 25.000 fotografías. Durante este periodo, Meyerowitz se asienta seis meses en Málaga, y entabla amistad con una de sus grandes familias flamencas, los Escalona, realizando fotografías y grabaciones de los espectáculos de flamenco a los que asistió. Este viaje se convertiría en determinante para la definición artística de Meyerowitz.



La exposición Europa, 1966-1967, incluida en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025 y comisariada por Miguel López-Remiro, director del Museo Picasso de Málaga, que se puede visitar a partir del 15 de mayo y hasta el 13 de julio en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez, cuenta con unas 200 imágenes de ese prolífico viaje.  Se trata de una muestra producida por el Museo Picasso de Málaga.

©Joel Meyerowitz

©Joel Meyerowitz

Meyerowitz elaboró un amplio registro fotográfico de España que influyó sobremanera y consolidó hasta hoy su estilo fotográfico, considerado pionero en su uso del color para captar y expresar la realidad. Si el blanco y negro era, por así decirlo, la lingua franca de la expresión artística fotográfica, Meyerowitz fue uno de los primeros en “hablar” con el color, adelantándose a su posterior consideración y aceptación como medio artístico en la fotografía.



La exposición incluye copias de época y nuevas impresiones en color y blanco y negro, y recorre los momentos más significativos de un viaje que fue también un proceso de descubrimiento personal.

©Joel Meyerowitz

©Joel Meyerowitz

El recorrido se estructura en bloques geográficos y temáticos, desde sus primeras experiencias fotográficas en el Reino Unido hasta su inmersión en el sur de España, el bullicio de los mercados turcos o la calma de Corfú.


A través de retratos, escenas callejeras, paisajes y vistas desde su coche en marcha, la exposición permite seguir la transformación de su lenguaje visual: una fotografía más abierta, menos sujeta al instante decisivo y más interesada en captar la complejidad del momento.


Europa, 1966-1967 no solo muestra el nacimiento de una mirada, sino que retrata un continente en transformación. Desde la vitalidad de las ciudades hasta los contrastes políticos y sociales de la época, la exposición ofrece un relato visual vibrante y fragmentado que anticipa muchas de las tensiones del mundo contemporáneo.


PHotoESPAÑA 2025 ha querido reconocer con el máximo galardón del Festival, el Premio PHE, la trayectoria profesional de esta figura clave en la historia de la fotografía.

Joel Meyerowitz es un referente en la historia de la fotografía. Se formó como artista, pintor e ilustrador en la Universidad Estatal de Ohio y se graduó en Bellas Artes en 1959. A su vuelta a Nueva York, trabaja como director artístico en publicidad y realiza un máster en Historia del Arte. En 1962, la agencia en la que trabaja  contrata a Robert Frank para hacer las fotografías que aparecerían en un folleto que el diseña. Es en ese momento, al conocer a Frank cuando Meyerowitz decide dejar su trabajo y cambiar su vida. Es su jefe, Harry Gordon quien le presta una cámara a la que Joel pone un rollo en color y sale a la calle a captar la vida. Hoy a sus 87 años Meyerowitz sigue llevando una cámara colgada del hombro. 

Joel Meyerowitz (Nueva York, EEUU, 1938) transformó el medio con su uso pionero del color, cuando la fotografía artística estaba dominada por el blanco y negro. De hecho, Cape Light (1978), el primero de los más de medio centenar de libros que ha publicado hasta la fecha, contribuyó decisivamente a que la actitud hacia la fotografía en color pasase de la resistencia inicial a la aceptación universal. 

Miguel López-Remiro, María Santoyo, Joel Meyerowitz, Marta Rivera de la Cruz, Juan Carlos Pérez de la Fuente

A lo largo de su carrera Meyerowitz ha protagonizado más de 350 exposiciones, en las que su capacidad de observación de la condición humana está en el corazón de sus fotografías. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte (Nueva York, EEUU), el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York, EEUU), el MoMA (Nueva York, EEUU), la Tate Modern (Londres, Reino Unido), el Museo Victoria & Albert (Londres, Reino Unido), el Museo de Bellas Artes de Boston (Massachusetts, EEUU), el Instituto de Arte de Chicago (Illinois, EEUU), el Centro Pompidou (París, Francia) y el Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos), entre otras destacadas instituciones de todo el mundo.

Fotos de sala © Conchita Meléndez





martes, 13 de mayo de 2025

UN TIEMPO PARA MIRAR. 50 AÑOS DE LA HISTORIA DE ESPAÑA DESDE EL OBJETIVO DE MARISA FLOREZ

 


La Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid acoge a partir del 14 de mayo y hasta el 20 de julio de 2025 la exposición Un tiempo para mirar (1970-2020), un viaje por la trayectoria creativa de la fotoperiodista Marisa Flórez (León, 1948) sobre los acontecimientos sociales y políticos de la historia reciente de España, desde la inauguración de la vida parlamentaria hasta las primeras manifestaciones o la llegada de El Guernica. La exposición forma parte del Festival PHotoESPAÑA 2025.



Marisa Flórez es la demostración del poder que las fotografías pueden llegar a tener en nuestras vidas, en nuestra historia. Su trayectoria profesional, reconocida con varios galardones, como el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio de Fotografía Piedad Isla (2015) o el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024), que inició en 1971 en el diario Informaciones y que continuó en El País entre 1976 y 2012 como fotoperiodista, redactora jefa y editora gráfica, habla de un perfecto equilibrio entre la elegancia, la sencillez, la creación artística y el sentido documental de la fotografía.



Un tiempo para mirar (1970-2020) invita al público, como indica el propio nombre de la muestra, a tomarse un tiempo para mirar la obra fotográfica de la reconocida fotoperiodista, repleta de momentos sorprendentes y acontecimientos decisivos en nuestra historia reciente. Distribuida entre los diferentes espacios de la Sala Canal de Isabel II, la exposición se presenta como un viaje donde ir descubriendo, por un lado, la riqueza expresiva y formal de Marisa Flórez y, por otro, la variedad temática representada en sus trabajos.



En palabras de la comisaria Mónica Carabias Álvaro, "Marisa Flórez ha destacado siempre en su profesión por querer traspasar, comprender en la medida de lo posible qué había detrás de cada rostro, de cada escena, lugar o hecho que fotografiaba. Así se entiende la función de la fotografía como medio artístico y aporte de conocimiento, pensamiento y revelación. Ahí es donde reside la auténtica personalidad y coherencia de Marisa Flórez, la esencia de un trabajo diverso y auténtico con el que representar el tiempo vivido”.



Pionera en una profesión mayoritariamente masculina, Un tiempo para mirar. 1970-2020, recorre las cinco décadas de oficio de la fotoperiodista Marisa Flórez a través de 184 instantáneas – algunas inéditas hasta el momento – mostrando al visitante nuevos enfoques que permiten disfrutar y entender una época vibrante de nuestro pasado, desde una óptica sorprendente y valiente, pero también rigurosa, tenaz, discreta y humana.




La muestra se divide a lo largo de las cuatro plantas de la Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid obedeciendo a un criterio temático, que se presenta como un viaje que conmemora la forma de entender la fotografía de Marisa Flórez: como un diálogo. En cada de una de las plantas, nos encontramos con imágenes inmortales en las que los personajes retratados, muchos de ellos figuras icónicas del cambio social y político de la España surgida a partir de 1977, muestran su lado más íntimo.





lunes, 5 de mayo de 2025

LA MIRADA REFLEXIVA DE RICARD TERRÉ SE EXPONE EN LA REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

 


La sala de fotografía del Museo muestra una selección de obras del fotógrafo Ricard Terré que forman parte de los fondos de la Academia, algunas de las cuales han sido donadas por la hija del fotógrafo Laura Terré. Además, se expone material bibliográfico y hemerográfico procedente de la colección Pedro Melero / Marisa Llorente.




Ricard Terré (Sant Boi de Llobregat, Barcelona, 1928-Vigo, 2009) es un verso suelto entre los miembros de su generación. Aunque inició pronto su cercanía con el grupo Afal y sus fotógrafos más destacados, se distingue de ellos en su decidida voluntad de descifrar la realidad, de penetrar en sus ámbitos más penumbrosos. Mediante un limitado catálogo de temas -la muerte, el rito, la religión-, su obra tiende a la intemporalidad. La suya es una fotografía sensible y despojada, atenta siempre a lo inmanente, a lo que está llamado a perdurar.




Miembro de una familia cultivada, era persona cercana a la literatura, a las artes, al jazz y a los deportes más recios, como un fellow británico. Fue un apreciable pintor y caricaturista en sus años más jóvenes, y sólo se dedicó a la fotografía entre 1955 y 1970, aunque, como un intermitente Guadiana, volvió a retomarla en 1982. Era persona reflexiva, honesta y profundamente humana, que entendió pronto que la realidad es mucho más que su apariencia, aunque a veces no pasa de ser un espejo alejado de la percepción de nuestra propia mirada. En su inmersión personal en las simas de lo real, no buscó nunca el artificio, ni siquiera la belleza, que nunca le interesó y que es, quizás, la única virtud que nuestros sentidos alcanzan a percibir.


Terré fue un outsider vocacional, ajeno a los círculos burocráticos y oficialistas de su tiempo, indiferente a pompas y vanidades. En el breve tiempo en que practicó la fotografía, su interés se centró en el hombre, o al menos en su huella. Con el tiempo, se ha ido reconociendo su obra respetuosa, indulgente y personalísima: la de un hombre considerado y de principios, consciente de que una sociedad que olvida la tolerancia y la misericordia es una sociedad enferma.



Entre las fotos expuestas figuran dos de sus imágenes más representativas, la de la niña de comunión y la del niño con el cirio doblado. 

La exposición estará abierta al público en la sala de fotografía del museo del 30 de abril al 19 de octubre de 2025.

Imágenes de cortesía cedidas por la RADBADSF para promoción. © Ricard Terré

Imágenes de Sala © Conchita Meléndez