CHRISTER STRÖMHOLM EL FOTÓGRAFO QUE BUSCABA LA CONFIRMACIÓN EXTERNA DE HIPÓTESIS INTERNAS

 

Así es como definía el poeta Lasse Södeberg al fotógrafo sueco Christer Strömholm, con quien viajo a España entre 1962 y 1963  con el fin de realizar un reportaje itinerante de la España franquista veinticinco años después del inicio de la guerra civil. Decía también Södeberg que su equipo esencial lo conformaban la Leica, la pluma estilográfica y mucha labia. Y es que Christer Strömholm cuyo reconocimiento le llego de forma tardía cuando  le fue otorgado en 1997 el Premio Hasselblad, era un hombre muy empático capaz de relacionarse fácilmente con aquellos a quienes fotografiaba incluso en los ambientes más difíciles para la época. 

Christer pertenecía a un pequeño círculo muy particular; era amigo de artistas, poetas y escritores, como Paul Andersson y Peter Weiss, con quien rodo una película. El trabajo del fotógrafo, de carácter intuitivo, expresa un mundo de imágenes propio en el que vuelca todos sus sentidos y su experiencia y con el que desafía todo tipo de prejuicios y estereotipos. Strömholm encuentra mensajes valiosos en todo, incluso en los objetos más humildes, a los que otorga un significado, un recuerdo a través de sus fotografías, que no son sino una extensión de su propia vida.   Sin embargo permaneció totalmente al margen de la fotografía de reportaje sueca y no formo parte del colectivo Rio fotografer, el equivalente sueco de la agencia Magnum. Él se sentía más influido por fotógrafos franceses como Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau  o Edouard Boubat y eso es algo que se aprecia en sus fotografías. 

Fundación MAPFRE presenta a partir de mañana 2 de febrero la exposición retrospectiva de este fotógrafo sueco Christer Strömholm (Estocolmo, 1918-2002), uno de los artistas más emblemáticos de la fotografía europea de posguerra que podrá visitarse hasta el 5 de mayo en su sede del Paseo de Recoletos.

Christer Strömholm nació en Estocolmo en 1918 y desde muy joven su vida estuvo marcada por una serie de acontecimientos que acabarían influyendo en su carácter y su forma de enfocar la vida, el divorcio de sus padres, la mala relación con su padrastro o el suicidio de su padre cuando  apenas tenía 16 años, sin duda fueron cruciales para el fotógrafo quien afirmo “no retrato lo que veo, sino lo que he visto”. Así con apenas diecisiete años comenzó a viajar por el mundo, posiblemente motivado por el impulso de romper con su entorno familiar. Fue en Dresde, donde estudiaba la carrera de bellas artes, donde empezó a moverse en círculos que tenían un vínculo común: la oposición al creciente movimiento nazi. Artistas, prostitutas y otras personas de alguna forma marginadas socialmente se encontraban entre los parroquianos de la cervecería que solía frecuentar. Probablemente fue allí  donde surgió la curiosidad del fotógrafo por todo lo divergente, aquello que se alejaba de las normas imperantes, y que llegaría a impregnar su visión de la vida y su producción artística. 

Fue en París, a finales de los años cuarenta, cuando Strömholm empezó a experimentar con cámaras de gran formato y cuando tomo conciencia de que la imagen fotográfica  le permitía expresarse de un modo acorde a sus deseos de una forma que no había logrado hasta entonces a través de la pintura o la escenografía. Sin embargo una vez más Christer se aleja del enfoque nostálgico que caracterizaba a gran parte de los fotógrafos que en aquel momento desarrollaban su trabajo en las calles de París y opta por unas imágenes directas y poéticas que destacan por un deseo de ver y representar sin ser demasiado explicito. Strömholm, al igual que Brassaï, sentía un especial interés por los fragmentos de textos escritos en las fachadas a modo de grafiti y también por los anuncios, las vallas publicitarias y todo aquello que le permitía crear imágenes dentro de la imagen. 

La exposición que presenta la Fundación Mapfre muestra imágenes de uno de sus trabajos más conocidos, los retratos de las transexuales de los alrededores de la place Blanche, cerca de Pigalle. También hay una muestra de las fotografías que tomó en España durante los dos años que estuvo viajando por nuestro país o de cementerios y monumentos funerarios, tema relacionado con la muerte en el que trabajó a partir de la década de los 50 y cuyas imágenes  ocuparon un lugar central en su obra. Según comenta Anders Petersen, fue una de esas fotografías, una realizada en el cementerio de Montmatre en la que se ven una huellas sobre el suelo nevado entre las tumbas, la que le hizo interesarse por la fotografía. Fue algo que le impactó porque pensó o más bien se imaginó que Strömholm había visitado ese lugar y había descubierto que los muertos se visitaban unos a otros por la noche. Para él la imagen era enigmática, misteriosa y estaba cargada de simbolismo. 

Son muchas las cosas que vais a poder descubrir en esta exposición de más de 150 imágenes y distinta documentación, de un fotógrafo que no resulta demasiado conocido en nuestro país y que esperamos que a partir de ahora lo sea. 

EL CÍRCULO DE BELLAS ARTES INAUGURA LA EXPOSICIÓN “VIDAS MINADAS. 25 AÑOS”, DE GERVASIO SÁNCHEZ

En 1997 se firmó la Convención sobre la prohibición del empleo, almacenamiento, producción y transferencia de minas antipersonales y sobre su destrucción (Tratado de Ottawa). Coincidiendo con aquel hecho histórico en noviembre de ese mismo año se presentó en el Círculo de Bellas Artes el proyecto Vidas Minadas, realizado por Gervasio Sánchez, en el que recogió a través de sus imágenes las historias de los afectados por las minas en diferentes países. A lo largo de los años el fotógrafo ha realizado un seguimiento de las vidas de las víctimas retratadas y en 2002 y 2007 presentó diferentes versiones de este trabajo, que ha vertebrado la mayor parte de su vida profesional.  

Ahora, Vidas Minadas, 25 años recupera, a través de más de un centenar de fotografías que se exponen hasta el 21 de abril en el CBA, las historias de los protagonistas de un drama, el de las minas antipersona, que sigue vigente en decenas de países. Gervasio Sánchez eligió al azar las víctimas retratadas en países africanos como Angola y Mozambique, asiáticos como Camboya, Afganistán e Irak, latinoamericanos como El Salvador, Nicaragua y Colombia o europeos como Bosnia-Herzegovina. El fotógrafo se cruzó con las personas que recoge en este proyecto en hospitales (a punto de ser amputados o malheridos), en centros ortopédicos donde intentaban volver a andar con piernas de plástico o en familias que sobrevivían con muchas dificultades.

En la presentación de la muestra, Gervasio Sánchez ha definido este proyecto como “el anclaje moral y ético que necesito para seguir creyendo en el periodismo y en el ser humano”, y ha anunciado que seguirá trabajando en él los próximos años. El fotógrafo también ha señalado la actitud de la sociedad (clase política, empresarios y ciudadanos) ante los conflictos armados: “cuando un país permite que sus empresarios y gobernantes hagan negocio con la muerte, es un país inmoral; sus autoridades son inmorales y amorales, y la pasividad de sus ciudadanos retrata al país”. 

El director del Círculo, Valerio Rocco, ha subrayado la responsabilidad social de los centros culturales: “El Círculo enfoca la cultura como una herramienta para lograr una sociedad más justa, más igualitaria y en paz. Esta exposición es una manera de decir NO a la guerra, no solo a las guerras visibles como la de Gaza o Ucrania, sino también a todos esos conflictos que no están bajo el foco mediático.

En paralelo a la exposición, el Círculo ha organizado el ciclo “La guerra perpetua”, en el que, a través de una serie de debates y conferencias, se reflexionará en torno a cuestiones como el uso político y propagandístico de las guerras o el mismo concepto de Europa en un momento especialmente difícil.

 

REINVENCIONES: LA UBICUIDAD DE LAS IDENTIDADES EN LO FOTOGRÁFICO DESDE EL CARIBE

 

La fotografía puede ser una herramienta para la construcción y circulación de identidades, contextos y lugares. Lo fotográfico es mediación, es puente entre la memoria y la aspiración, entre pasado, futuro y esa línea quebradiza que es el presente.

La exposición Reinvenciones: la ubicuidad de las identidades en lo fotográfico desde el Caribe, que podrá visitarse en Casa de América desde el sábado 20 de enero hasta el sábado 23 de marzo, se plantea como un espacio que desafía las nociones que todavía prevalecen y funcionan en el imaginario sobre “lo dominicano o lo caribeño”. 

Con esta muestra Casa de América se suma a las actividades de ARCOmadrid 2024, que en su 43 edición tendrá al mar Caribe como eje central. 

La exposición, que se articula a partir de la Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales, presenta 74 obras de 22 artistas caribeños: Alejandro Cartagena, Nicolás Derné, Polibio Díaz, Patricia Encarnación, Diana López, Joiri Minaya, Citlally Miranda, Eliazar Ortiz Roa, Raquel Paiewonsky, Andrés Ramírez Gaviria, Roberto Stephenson, Juan Alfonso Zapata, Domingo Batista, José Antonio Ramírez, Julio González, Max Pou, Pedro José Borrell, Pedro Nicasio, Santiago -Chaguito- Morel, Víctor -Cuqui- Cabrera, Wifredo García y La colectiva Juana y si no su hermana.

Esta exposición se compone de dos núcleos fundamentales que se entrelazan conceptualmente: la fotografía histórica y su continuidad en la actualidad.

La primera parte se dedica a la fotografía histórica que se generó en República Dominicana después de tres décadas de dictadura de Rafael Leónidas Trujillo (1930-1961), sustituyendo a la anterior producción, cargada de contenidos románticos y edulcorados de la realidad, y basada principalmente en la exégesis del régimen imperante. Además de explorar los orígenes de la fotografía dominicana contemporánea, esta selección muestra los aportes de esta expresión artística en la búsqueda de los posibles componentes de un nuevo imaginario nacional. La selección revela algunos referentes señeros y paradigmáticos de la sociedad y del espacio que se estaban construyendo en República Dominicana y el Caribe a partir de los años sesenta del siglo pasado.

A continuación del núcleo histórico, se propone un espacio dedicado a la producción de sentido contemporáneo que se nombra Sujeto encontrado. Este ámbito expositivo plantea una coherente continuidad histórica en el ejercicio de la fotografía desde un Caribe expandido en la contemporaneidad. Lo fotográfico como hecho, evento y lenguaje muestra una independencia indiscutible que es evidente en su espectro de acción e influencia y en el reconocimiento indefectible de las múltiples identidades que nos habitan.

 

María Amalia León, presidenta de Fundación Eduardo León Jimenes y del Centro León, destacó durante la inauguración, el pasado viernes 19, que: «Esta muestra nos invita a vivir la memoria de un espacio insular y continental, a través de una serie de fotografías que rasgan las membranas del tiempo». A la inauguración también asistieron Luis Prados Covarrubias, director de Programación de Casa de América; Juan Bolívar Díaz, embajador de la República Dominicana ante el Reino de España; María Elena Aguayo, directora ejecutiva de la Fundación Eduardo León Jimenes; Luis Felipe Rodríguez, gerente de Programas Culturales del Centro León; Sara Hermann, curadora en jefe del Centro León y Joel Butler Fernández, curador de la muestra.

Exposición realizada en colaboración con el Centro León de la República Dominicana y comisariada por Sara Hermann y Joel Butler.

FOTOS POR PALESTINA

Fotos por Palestina es una iniciativa de un grupo de fotógrafas y fotoperiodistas pertenecientes a la Asociación Contamos el Mundo, destinada a enfrentar la gran catástrofe humanitaria de Gaza. 

Para llevar a cabo está acción más de 100 fotógrafos y fotógrafas han donado obra para su venta de manera que los ingresos generados por la misma serán donados a Médicos Sin Fronteras (MSF). Las fotografías tendrán un tamaño A4 y su precio será de 100 € de los cuales, una vez descontados los gastos de impresión y envío, se entregará a la ONG un total de 82,1 € para paliar los problemas y necesidades del pueblo palestino.

Si te solidarizas con esta campaña, puedes apoyarla adquiriendo alguna de las obras y también difundiendo la misma a través de tus redes sociales. Todos los datos claramente especificados los encontrarás en la web que se ha habilitado para este propósito:  https://fotosxpalestina.com/

Además es una oportunidad única para hacerte con una o varias fotografías de algunos de los mejores fotógrafos tanto españoles como internacionales a un precio prácticamente simbólico. Por poner un ejemplo entre los fotógrafos que han donado obra están: Chema Conesa, Ana Palacios, Diego Ibarra, David Salcedo, María Antonia García de la Vega, Santi Palacios, Clemente Bernard, Gloria Oyarzaba, Laia Abril, Maysun, Sofia Moro, Navia y muchos otros con una trayectoria profesional impresionante. 

Piénsalo, seguro que éste es el mejor regalo que puedes hacer o hacerte en estas fiestas. 

NAVIDAD SOBRE HIELO, UN ESPECTÁCULO PARA TODA LA FAMILIA

De mano de la empresa LetsGo, los creadores de Naturaleza Encendida que este año ha cambiado de ubicación para alojarse en el Parque Tierno Galván, llega ahora Navidad Sobre Hielo, un espectáculo de patinaje basado en el cuento de Cascanueces pero que esta vez se nos cuenta de una manera diferente ya que sus personajes encontrarán en su camino a los protagonistas de otros cuentos: La Cenicienta y el príncipe, la Sirenita, La Reina de las nieves y Aladino junto a su lámpara maravillosa formarán parte de una recreación que cuenta con 23 patinadores internacionales y que se desarrolla en una pista de hielo de 800 metros cuadrados. 

El Madrid Arena de la Casa de Campo es el pabellón que acoge el espectáculo y que con una capacidad para 5000 espectadores podrá verse desde el 15 de diciembre al 7 de enero. Con tres sesiones los fines de semana, a las 12.30 horas, a las 16 horas y a las 19.30 horas y dos de miércoles a viernes, 16 horas y 19,30 horas, se supone que llegará a alcanzar la cifra de 200.000 localidades de las cuales una cuarta parte ya han sido vendidas. Los precios son bastante asequibles y hay ofertas especiales para familias con bonos de cuatro entradas por 37,50 € los días 16 horas y 19,30 horas.

El espectáculo cuenta la historia de Marie, una niña cuyo amor da vida a su muñeco, un cascanueces con forma de soldado que su misterioso padrino le ha regalado por Navidad. Ambos deberán luchar contra el rey de los ratones ayudados por un ejército de soldados de jengibre. El cuento original es obra de E.T.A. Hoffmann y en 1891 el director de los teatros imperiales, Iván Vsévolozhsky, encargó una partitura que fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski. Desde entonces se ha representado por todo el mundo y  se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets en los países occidentales, principalmente representado en Navidad. Ahora llega hasta nosotros en una revisión realizada para ser interpretada sobre la pista de hielo. Madrid será la primera ciudad que podrá disfrutar de este espectáculo

PICASSO 1906. LA GRAN TRANSFORMACIÓN

 

Con motivo de la conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Picasso, el Museo Reina Sofía ha organizado, con el apoyo excepcional del Musée Picasso Paris, Picasso 1906. La gran transformación, que cierra el programa oficial de exposiciones internacionales de esta celebración y que plantea renovar importantes criterios sobre el papel clave que jugó el artista en la creación del arte moderno. 

Es habitual considerar que la contribución de Pablo Picasso (1881-1973) en ese hito fue pintar Las señoritas de Avignon en 1907. Sin embargo, actualmente puede pensarse que esta obra fue el punto de llegada, y el estallido final, de todo un complejo proceso desarrollado a lo largo del año 1906 y finales de febrero o principios de marzo de 1907. Un periodo durante el cual, la actividad creativa del artista tuvo tres escenarios: París, Gósol –localidad del pirineo leridano– y, de nuevo, París

La producción de Picasso en esa época concreta ha sido entendida hasta ahora como un epílogo del período rosa o como un prólogo a la obra citada anteriormente. Nada más lejos. 1906 no es un año más en la trayectoria del artista. Es un momento artísticamente significativo -no reconocido hasta hoy como tal- en el que las experimentaciones del malagueño abren su obra hacia otros lenguajes. Como indica en el catálogo que acompaña la exposición el comisario Eugenio Carmona, se trata de “la primera aportación de Picasso a la noción plena de arte moderno”. 

También apunta el comisario que 1906 es un año con personalidad propia tanto en la vida como en la obra de Picasso. “Mujer peinándose” sería una obra clave de esta época ya que recoge todo lo que Picasso elabora primero en París, luego en Gósol y de nuevo en París. Y lo sintetiza al tratar primero el desnudo de una manera positiva, de una manera vitalista, como aludiendo al desnudo de las mujeres peinándose en la pintura mitológica antigua, la tradición de la toilette de Venus. Pero al mismo tiempo está investigando sobre las formas del cuerpo y ha colocado el rostro de forma que simula ser una máscara. 

Lo que Picasso de 1906 aporta es una hibridación de elementos y factores que nunca antes se habían puesto en relación, por ejemplo la referencia del arte primitivo con la huella de la pintura mitológica, el desnudo con la presencia vitalista. Picasso en esta etapa anticipa el expresionismo abstracto y cultiva algo cercano a la técnica del non finito, que consiste en dejar una obra inacabada para que el espectador reconstruya el proceso pictórico. 

La exposición estará abierta al público en la segunda planta del edificio Sabatini desde el 15 de noviembre hasta el 4 de marzo del 2024 y forma parte de los actos y exposiciones que se vienen celebrando con motivo del cincuentenario de la muerte del autor. Los gobiernos de Francia y de España han acordado trabajar conjuntamente en un programa de alcance internacional, a través de una comisión binacional que reúne a las administraciones culturales y diplomáticas de los dos países. La Celebración Picasso 1973-2023 gira en torno a unas cincuenta exposiciones y eventos que se celebrarán en instituciones culturales de renombre de Europa y América del Norte que, juntas, abordan un análisis historiográfico de su obra.

MAESTRAS LA EXPOSICIÓN DEL THYSEN QUE DEVUELVE LA VISIBILIDAD A LAS MUJERES PINTORAS

En el palco, 1904-1907 Helene Funke

Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffmann, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot, María Blanchard, Natalia Goncharova, Sonia Delaunay o Maruja Mallo fueron artistas célebres en su tiempo que hoy vuelven a ser reconocidas como maestras, en contestación al borrado en la historia del arte que sufrieron junto a otras menos conocidas que rompieron moldes con obras de indudable excelencia.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Maestras, una exposición comisariada por Rocío de la Villa desde una perspectiva feminista, con un centenar de piezas entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles, que ofrece un recorrido por las contribuciones artísticas de creadoras, desde finales del siglo XVI a las primeras décadas del siglo XX, a través de ocho escenas relevantes en el camino de las mujeres hacia su emancipación. Partiendo de la noción actual de sororidad, la muestra focaliza grupos de artistas, mecenas y galeristas que compartieron valores y condiciones socioculturales y teóricas favorables, pese al sistema patriarcal. La conjunción de periodos históricos, géneros artísticos y temas es el eje principal sobre el que se vertebra el proyecto, evidenciando cómo estas artistas abordaron cuestiones candentes en su época, tomaron posición y aportaron nuevas iconografías y miradas alternativas. La exposición es la primera gran muestra enmarcada en el proceso de redefinición feminista que el Museo Thyssen está realizando en los últimos años, y cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el patrocinio de Carolina Herrera. Tras su presentación en Madrid, una versión reducida de la muestra podrá verse en el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen (Alemania).

Maestras es una exposición de autoras mujeres que representan a mujeres y sus intereses. Artistas que fueron en su época académicas, reclamadas por mecenas y coleccionistas, partícipes en asociaciones de artistas mujeres, receptoras de los más altos reconocimientos y protagonistas de grandes exposiciones. Mujeres cultas, curiosas, viajeras, cosmopolitas, comprometidas… En ocasiones, contaron también con el respaldo y apoyo de sus maestros, compañeros, maridos, hermanos o marchantes.

1. Sororidad I. La causa delle donne

Versión italiana de la querelle des femmes, el título de este primer capítulo nos remite al debate literario y académico que tuvo lugar en Europa, desde finales del siglo XIV y hasta la Revolución francesa, en defensa de la capacidad intelectual y el derecho de las mujeres al acceso al conocimiento y la política frente a la misoginia. En la exposición, este debate se muestra a través de la producción de algunas artistas del norte de Italia, desde finales del siglo XVI y buena parte del XVII, inscritas en botteghe familiares y beneficiadas por un clima sociopolítico y teorías del arte favorables para las mujeres en los Estados Pontificios. Las obras reunidas en esta primera sección son representaciones que narran la historia de figuras bíblicas femeninas y heroínas de la Antigüedad; mujeres fuertes que triunfan por su virtud, que son símbolo de la victoria femenina sobre la violencia de género y los agravios a las mujeres en la época. Judit con la cabeza de Holofernes (1600), de Lavinia Fontana; Judit y su criada (1618-1619) y Susana y los viejos (1623), de Artemisia Gentileschi; y Porcia hiriéndose en el muslo (1664), de Elisabetta Sirani, son algunas de las obras destacadas.

2. Botánicas, conocedoras de maravillas

La revolución científica fue el inicio del ocaso de la tradición del conocimiento botánico, biológico y médico de las mujeres, con la persecución de las brujas como telón de fondo. En este apartado se indaga en el papel de las artistas en el surgimiento y esplendor del género de la naturaleza muerta y una posible genealogía femenina en torno al subgénero del bodegón con insectos, fruto de una concepción ecológica no mecanicista a cargo de artistas-científicas, como la alemana Maria Sibylla Merian. Su obra se presenta en la sala junto a la de otras pintoras italianas y centroeuropeas del siglo XVII, como Fede Galizia, Giovanna Garzoni o Clara Peeters, y francesas y británicas como Louise Moillon o Mary Beale. Un conjunto de pinturas que no solo muestran el virtuosismo alcanzado por estas artistas, sino también su capacidad de observación y sus conocimientos científicos.

3. Ilustradas y académicas

La Ilustración en Francia fue la época de las salonnières - anfitrionas de reuniones culturales y artísticas, muchas de ellas convertidas en auténticas mecenas y participantes activas del debate cultural - y su compañerismo con intelectuales y artistas. Además, el mecenazgo de María Antonieta y las Mesdames tuvo una gran influencia para el reconocimiento, incluso académico, del valor de la producción artística femenina, que se centró en el género del retrato, tanto en pintura como escultura, en pintura de género y en escenas neoclásicas, mostrando una pluralidad de roles femeninos de intenso acento teatral. Lo vemos a través de la obra de creadoras británicas, francesas y españolas de antes y después de la Revolución francesa (1770-1850), como Angelica Kauffmann, Adélaïde Labille-Guiard, Louise-Élisabeth Vigée-Le Brun o Victoria Martín Barhié, entre otras. Un protagonismo que acabaría con la expulsión de las académicas a partir de la reforma de Bonaparte en Francia (1804), por el que las mujeres son definitivamente excluidas de muchos derechos, además del de la ciudadanía tras la fallida Revolución. Un modelo excluyente que llegaría a imponerse también en España y el resto de Europa.

4. Orientalismo/ Costumbrismo

Durante la segunda mitad del siglo XIX, en pleno periodo colonial, los estilos orientalista y costumbrista alcanzaron una gran popularidad y fueron muchos los artistas atraídos tanto por lo lejano y exótico como por lo autóctono y lo rural. En esta sección se pone en valor la contribución de artistas mujeres al orientalismo y al costumbrismo mostrando cómo, frente al punto de vista masculino, patriarcal, e incluso del ‘voyeur’ colonial, ellas aportaron experiencias de proximidad con otras mujeres no occidentales, dotando de dignidad a los temas y sujetos representados. Lo vemos en la obra de artistas francesas, estadounidenses y españolas de entre finales del siglo XVIII y la primera década del siglo XX en las que confluyen ambos estilos, como Rosa Bonheur y su fascinación por el exotismo de la cultura española, o la renombrada pintora orientalista Henriette Browne, que cultivó el orientalismo en sus viajes a países musulmanes, también Mary Cassatt al inicio de su carrera en Sevilla y artistas españolas como Alejandrina Gessler de Lacroix, Elena Brockmann de Llanos y María Blanchard.

5. Trabajos, cuidados

Excluidas de las Academias oficiales, en París, mujeres procedentes de toda Europa y América estudian en escuelas privadas segregadas y, con el telón de fondo de las reivindicaciones feministas, fundan las primeras asociaciones de artistas mujeres y el Pabellón de la Mujer en la Exposición Colombina Mundial de Chicago, en 1893. En este capítulo se reúnen ejemplos del realismo y del idealismo romántico y político de las artistas, con sus representaciones de mujeres trabajadoras, tanto en tareas tradicionales como en diversos oficios y profesiones, abarcando el periodo de 1860 a las primeras décadas del siglo XX. A diferencia de las figuras con frecuencia aisladas y encerradas en su trabajo representadas por artistas varones, las trabajadoras retratadas por mujeres nunca están solas e interactúan entre sí, subrayando en sus obras los lazos de compañerismo. Las lavanderas (1882) de Marie-Louise Petiet, El cerezo (1891) de Berthe Morisot, Las amas de casa (1905) de Lluïsa Vidal o La zapatería (h. 1911) de Elizabeth Sparhawk-Jones son algunos de los magníficos ejemplos que ilustran este capítulo.

6. Nuevas maternidades

El tema de la maternidad ha sido uno de los más representados en la historia del arte. Sin embargo, no será hasta el final del siglo XIX cuando las artistas comiencen a plasmar los sentimientos de las mujeres acerca de su propia maternidad, al margen y frente al discurso patriarcal del “ángel del hogar”. Desayuno en la cama (1897) de Mary Cassatt, Ver Sacrum (Autorretrato con su hijo Peter) (1901) de Elena Luksch-Makowsky, Maternidad, media figura (1906) de Paula Modersohn-Becker, Marie Coca y su hija Gilberte (1913) de Suzanne Valadon o Maternidad (1932) de Tamara de Lempicka son algunas de las piezas excepcionales reunidas en esta sección, que incluye también esculturas de Käthe Kollwitz y Emy Roeder.

7. Sororidad II. Complicidades

A partir de la familiaridad de las artistas con compañeros del entorno impresionista, en las últimas décadas del siglo XIX y principios del XX abundan las representaciones de amigas en dúos, tríos o grupos en situaciones de complicidad, de estudio o de ocio compartidos. Son espacios y momentos en común en los que no pasa nada, pero precisamente ahí radica su interés, ofreciendo múltiples variaciones de una iconografía inédita: la amistad entre mujeres. Se muestran aquí obras de maestras europeas y americanas de entre 1880 y los años veinte, entre ellas, Las hermanas (1869) de Berthe Morisot, Tres mujeres con sombrillas (Las tres gracias) (h. 1880) de Marie Bracquemond, Confidencias crepusculares (1888) de Cecilia Beaux o El ramo (1925) de Lola Anglada.

8. Emancipadas

Entre 1900 y 1937, mientras se consigue el sufragio femenino en la mayoría de los países occidentales, las artistas más avanzadas del momento continúan abordando iconografías que subrayan la complicidad entre mujeres y sus aportaciones distintivas en los nuevos lenguajes vanguardistas. Fueron muchas las que participaron activamente en los movimientos artísticos de vanguardia, artistas reconocidas que triunfaron en vida y que fueron modelo de fuerza, compromiso, vitalidad, creatividad e independencia, pero que, tras su muerte o a raíz de acontecimientos históricos como la Segunda Guerra Mundial o, en el caso de España, la dictadura franquista, serían eliminadas de la historia y de los museos. Camille Claudel, Jacqueline Marval, Helene Funke, Natalia Goncharova, Frida Kahlo, Ángeles Santos o Maruja Mallo son algunas de las grandes maestras cuya obra se expone en esta última sección.

Del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024

Comisaria: Rocío de la Villa

Publicaciones: Catálogo con textos de Rocío de la Villa, Marta Mantecón, Haizea Barcenilla y Ana Martínez-Collado.